Top 10 - Bajistas

Bueno, esta vez no comentaré ningún disco. No me apetece hacerlo. Hoy dije: "carajo, siempre veo rankings de guitarristas, bajistas, bateristas o lo que sea y casi nunca estoy de acuerdo, ni siquiera en líneas generales. Al carajo, haré mi ranking". Así que hoy postearé mi top 10 de bajistas. Todo esto según mi criterio, así que no espero que coincidan mucho conmigo. Tampoco espero que a mucha gente le importe.

Para elaborar este top 10, simplemente me voy a basar en mis gustos y nada más. Obviamente no encontrarán groserías como colocar a Krist Novoselic o a Sid Vicious en un top de bajistas. No merecen ni siquiera estar en un top 1000. Me basaré simplemente en cosas que cualquier persona se puede dar cuenta. No citaré a tecnicismos ni nada por el estilo, o al menos trataré de hacerlo en la menor medida posible. Sí tomaré en cuenta la influencia que tienen en el ámbito de la música, sus aportes e innovaciones y como ayudaron a que este instrumento tan menospreciado pero tan fundamental como lo es el bajo evolucione cada vez más en la forma de tocarse.

Sin más rodeos, comencemos:

1- Geezer Butler (Black Sabbath)

Sí, el buen Geezer, bajista fundador de Black Sabbath y papá de cualquier bajista de metal que se precie de serlo. Acá diré algo que a muchos no les puede gustar. Steve Harris se lleva todo el crédito que a Geezer le corresponde. Siendo Harris un buen bajista, Butler es aún mejor. Seamos sinceros, en muchas canciones Harris se limita a marcar una base durante gran parte de la cancion. Geezer simplemente destriparía el bajo en esas partes. ¿Ah, no me creen? Escuchen War Pigs, absolutamente toda la canción y escucharán lo que Geezer es capaz de hacer con cuatro cuerdas. El criterio que tiene este bajista es envidiable. Cuando debe marcar una base, lo hace sin ningun problema, como en Paranoid, Iron Man, Hole in the Sky o Children of the Grave. Cuando debe sacarle humo al bajo, también lo hace sin ningún complejo, como en War Pigs, N.I.B., Hand of Doom o Warning. Cuando las canciones necesitan todo el feeling y delicadeza posible, algo que tal vez no se exploró mucho en Sabbath por el estilo que tocan, podemos encontrar un claro ejemplo, la hermosa línea de bajo de Children of the Sea, simplemente hermosa. Este bajista lo tiene todo, agresividad y suavidad. Cubre todo a la hora de tocar, ya sea marcando una base o destripando el bajo de la forma más salvaje. Aún recuerdo la primera vez que escuché War Pigs y me voló el cerebro y lo sigue haciendo hasta la actualidad. Tal vez no sea tan técnico y rápido como Entwistle o Burton, pero ninguno de los dos tampoco lo puede superar a Geezer en tocar el bajo de una forma tan pesada, densa y contundente. Además, claro, sin Butler no hubiera existido Harris, Burton, Ellefson y tantos otros. Póngamonos en el contexto en el que apareció Black Sabbath y verán que hasta ese momento nadie, absolutamente nadie había tocado ese tipo de música. Me olvidaba, Geezer componía la mayoría de letras de Black Sabbath durante la era Ozzy y fue uno de los pioneros en usar el wah-wah para el bajo: escuchen ese solo de bajo maravilloso de N.I.B.

2- John Entwistle (The Who)

Carajo, ¡qué difícil! Créanme, dudé mucho para colocar a Geezer en el primer lugar y relegar a Entwistle a un segundo lugar. Es que simplemente este tipo tocaba como una bestia. Putéenme, lo merezco y entiendo si a muchos les indigna ver a John en el segundo lugar, pero me costó demasiado decidirme. Lo que tocaba este tipo no tenía nombre. Desde el primer álbum de The Who, Entwistle nos deleitará con su forma tan asesina de tocar. Para mi gusto, alcanzó su punto álgido en Quadrophenia. Si ya venía tocando como nadie lo había hecho antes, en Quadrophenia alcanza la perfección total. Si lo vemos tocar en cualquier video de The Who, nos percataremos que el tipo ni se esforzaba. Todo era muy fácil para él. Escuchen Live at Leeds o consíganse el DVD de Live at the Isle of Wight. Busquen en You Tube la interpretación que The Real Me en Woodstock 99. Les pateará el cerebro. Quisiera poder imaginarme cómo fue cuando salió My Generation al mercado y escuchar ese solo de bajo a mitad de canción. Me imagino que simplemente rompió esquemas.

3- Paul McCartney (The Beatles)




Si de algo estoy harto, es justamente de que Paul sea ninguneado muchas veces como bajista. OK, no es técnicamente lo que podría ser cualquer bajista de esta lista, pero lo que no tenía en tecnica lo tenía en genio. Recuerdo mucho una entrevista a Roger Glover donde le preguntaban a qué bajista de su generación admiraba. La respuesta de Glover fue mas o menos la siguiente: "No es de mi generación, pero a Paul McCartney. Él podía ser muy simple y melódico a la vez". Ah, carajo, el gran Roger dio en el clavo. Cuando aparecieron los Beatles, el bajo se limitaba unicamente al acompañamiento. Paul le da un papel más protagónico al bajo. Cambió la forma en la que se tocaba. Otro mérito, McCartney trabajaba para la canción. Sabía cuando dar un paso atrás y limitarse a acompañar y cuando entrar y tomar un papel protagónico. Tenía criterio, eso es lo más importante. Escuchen TODO el Sgt. Pepper. Son líneas de bajo simples pero hermosas, increiblemente melódicas. Nunca escuché a nadie que haga eso. En casos como esos de nada serviría hacer slapping o meter una línea rápida y asesina de bajo. Una canción como, por ejemplo, Fixing a Hole o With a Little Help from My Friends se irían directo al carajo. Por último, además del feeling que tenía, Paul podía ser muy agresivo cuando quería como en Taxman, Helter Skelter, Drive My Car o Hey Bulldog. ¿Pero alguna vez la rompió? Por supuesto, escuchen el Abbey Road en su integridad. Líneas de bajo memorables durante las 16 canciones (no cuento Her Majesty). Escuchen el Revolver completo o simplemente escuchen Rain. Si después de escuchar todo eso te sigue pareciendo un bajista de medio pelo, anda a apagar el ventilador con la cabeza.

4- Glenn Cornick (Jethro Tull)




"¿Quién carajo es ese drogadicto?" Muchos se preguntarán eso. Es nada menos que el gran Glenn Cornick, bajista de los primeros tres álbumes de Jethro Tull. Aunque la banda de Ian Anderson siempre ha tenido unos bajistas del carajo, la mayoría de fans considera a Cornick como el mejor bajista que haya pasado por Tull. Yo coincido con esa apreciación. Ese tipo que ven en la foto con todo el look de un vagabundo hippie la rompía. ¿Han visto el Rock n Roll Circus? Encima el tipo tocaba la armónica simultáneamente, ja! Bueno, comentando su trabajo con Tull, sus mejores obras, para mi gusto, fueron Stand Up y Benefit, ambos álbumes por igual. Mención aparte merece su trabajo en la adaptación que hizo Anderson de Bourée. En toda la canción las líneas son buenas, pero el solo de bajo es lo mejor. En el DVD de Nothing is Easy: Live at the Isle of Wight podemos observar a un Glenn Cornick, y en general a un Jethro Tull, en su mejor dimensión. Suenan sólidos, contundentes, todo esto gracias a la sección rítmica formada por Bunker y Cornick. Canciones como My Sunday Feeling, Nothing is Easy, To Cry You A Song, We Used to Know o For a Thousand Mothers, nos muestran a un Cornick realmente genial. Escuchen también A New Day Yesterday, de preferencia alguna version en vivo y se daran cuenta de esa línea de bajo abusiva que viene a triturarnos el cerebro y a pasar por encima de nuestros cráneos.

5- Chris Squire (Yes)




A diferencia de los bajistas anteriores y las bandas a las que pertenecen, si bien me gusta Yes, no soy precisamente alguien que podría considerarse fan. Me gusta Yes y me gusta bastante, pero no soy fan. Sin embargo, esto no impide que pueda reconocer a un bajista tan bueno como Squire. Sí, ya lo sé, esa foto te dejó estupido(a), ¿no? Pues ese es Squire, un adelantado a su época, un bajista que podía aplicar escalas barrocas en las canciónes de Yes y que podía tocar en el bajo una melodía totalmente distinta a la melodía principal de la canción. El sonido que le saca al bajo es tan particular y reconocible que aún sin saber que estamos escuchando Yes, sabes que es Squire. Esto se debe al setting que usaba el tío, una cuestión algo complicada de explicar, pero que grosso modo consiste en una bi-amplificacion. Sacaba las frecuencias graves por un amplificador de bajo y las agudas por un amplificador de guitarra. El buen Chris fue también de los primeros en utilizar efectos como el wah-wah o el trémolo para el bajo. Imposible recomendar una sola canción, pero si quieren algo para digerir rápidamente, escuchen Roundabout o en general todo el Fragile. ¿Quieren cosas más complejas? Entonces escuchen Close to the Edge o The Yes Album. ¿Tú creías que John Myung era un monstruo? Ja!, Squire se le adelantó 20 años.

6- Trevor Bolder (David Bowie, Uriah Heep)




¿Y este quién es? Pues nada menos que el bajista de David Bowie en sus mejores álbumes y el bajista de Uriah Heep desde 1976 hasta la actualidad. No es muy conocido, casi nadie se acuerda de él cuando hacen los estúpidos rankings y sí ponen a mamarrachos como Krist Novoselic. ¡Qué injusta es la vida! No interesa, Trevor, no somos la mayoría, pero sí reconocemos tu gran trabajo. Recuerdo claramente cuando escuche Electrically Driven de Uriah Heep y pensé: "¿quién diablos es ese bajista?" Busqué y di con su nombre. Recuerdo claramente el solo de guitarra de July Morning... más parece un solo de bajo. Si bien él no toco en The Man Who Sold the World, la versión en vivo que toca de The Width of a Circle es asesina. En Hunky Dory y Ziggy Stardust, las líneas de bajo son muy buenas, toca con maestría. Definitivamente fue la mejor formación que tuvo Bowie, los entrañables Spiders from Mars. Hace unos años Uriah Heep vino a Lima y cada uno de los miembros de la banda la destruyó en su respectivo instrumento. Les dejo esto para los que quieran ver al buen Trevor en acción: July Morning en vivo, The Width of a Circle también en vivo y una presentacion de Starman en TOTP

7- John Paul Jones (Led Zeppelin)

A este sí todos lo conocen, si no, mátate porque has vivido en una burbuja todo este tiempo. El gran John Paul Jones, un músico que se ganaba la vida en los 60's como arreglista y músico de sesión de otras bandas. ¿Se acuerdan de She's a Rainbow de los Stones? Ya, pues John hizo el arreglo de cuerdas de esa canción. Se ganaba la vida de esa forma, como arreglista de cuerdas, tocando el bajo o como director musical. Eventualmente se cansó, conoció el proyecto que estaba montando Jimmy Page y el resto es historia conocida. El sr. Jones, para mi gusto, nos deja la mejor muestra de lo que es capaz de hacer en todo el fabuloso Zeppelin II. Entre los puntos más resaltantes está el bajo de What Is and What Should Never Be, simplemente sublime, pero no, a John Paul Jones se le dio por hacer una mejor línea, de otro mundo, con solo de bajo incluido. Sí, se imaginaron bien, The Lemon Song. Si eso no les parece algo de otro mundo creo que deberían sacar cita con un psiquiatra. Bueno, pero el trabajo de John Paul Jones no se limita únicamente al Zeppelin II, hay muchas otras canciones donde hace un trabajo magnífico como en Achilles Last Stand donde toca un bajo de OCHO cuerdas. Sí, leiste bien, O-C-H-O. Sin dudas un genio y no podía faltar en esta lista.

8- Dennis Dunaway (Alice Cooper)




Otro de los que usualmente son olvidados. En fin, de más hacer higado por cosas así. Comentando ya la obra del gran Dennis, tengo que decir que este tipo co-escribió muchos temas con Alice Cooper. Su forma de tocar tenía toda la influencia del blues y el jazz e incluso toques latinos. Destaca bastante su trabajo en el bajo en el clásico álbum School's Out. Esa línea de bajo de Blue Turk tiene toda la onda jazzera, un gran trabajo de la sección rítmica. Ese intro de Gutter Cats vs The Jets es propio de un genio, en realidad toda la línea de bajo es una genialidad. El bajo agresivo de la viñeta Street Fight tiene la atmosfera de lo que representa ésta. A mi criterio, lo que hace tan bueno a Dennis es el sentido que tiene de melodía. Al igual que McCartney, podía ser muy simple y melódico a veces como por ejemplo en Public Animal #9 ó en la misma School's Out. Otros temas para resaltar podrían ser Halo of Flies o Dead Babies del Killer. En realidad son muchos temas donde toca de forma magistral. Únicamente estoy mencionando algunos temas de dos álbumes que son mis favoritos, pero hay otros tantos del Love It to Death, Easy Action, Billion Dollar Babies, etc. Si no has escuchado nada de Alice Cooper, consíguete algun álbum de los que he mencionado y luego dame la razón.

9- Roger Glover (Deep Purple)




Glover no podía faltar en mi top 10 de bajistas. Lamentablemente en la producción de Purple el sonido del bajo no destaca mucho que digamos, es más, es casi imperceptible en muchos casos y eso juega en contra de la reputación de Roger como bajista. Tengo que reconocer, yo juraba que muchas veces se limitaba a marcar las notas muy conformista él. Cuando los vi en vivo hace unos años me di cuenta de lo equivocado que estaba. Roger Glover es un bajista de los mil carajos. Escucharon el Machine Head, ¿cierto? (Si no lo has hecho, suicídate, no tienes perdón de Dios, jo jo jo) Pues luego de escuchar Pictures of Home me quedé horrorizado, ja! ¡Qué abusivo!, ¡qué conchudo!, ¡qué solo de bajo para más asesino! Muchos otros temas tienen lineas de bajo que lamentablemente casi ni se perciben. ¿Me creerían si les digo que Highway Star tiene un bajo de los mil carajos? No estoy hablando sandeces, ¡lo tiene! te van a faltar dedos para tocarla y hacer las ascendentes que hace Roger. Otros temas para resaltar son Speed King, Bloodsucker o Flight of the Rat del In Rock; Fireball o Anyone's Daughter del Fireball. En fin, sólo estoy mencionando los primeros temas que se me vienen a la mente. Hay tantos otros. Y pensar que cuando entró a Deep Purple en un principio Blackmore lo puso en periodo de evaluación durante un tiempo sin que Glover lo sepa. ¡Qué descarado!

10- Cliff Burton (Metallica)




Ya, ya, no lloren los metaleros, obviamente el buen Cliff no podía faltar. Que aparezca en el puesto 10 de mi lista no significa que Cliff sea peor que los arriba mencionados. Para empezar, después de los 2 primeros, el orden de los siguientes pudo haber sido cualquiera y me habría dado totalmente igual. Básicamente está todo armado a mi gusto sin que eso signifique un carajo, así que Cliff pudo haber estado en el puesto 3, en el puesto 6 o en cualquier otro. Bueno, basta de todo este floro. Comenzaré diciendo que Cliff me parece el mejor bajista del metal como tal (no cuento a Geezer como metal en sí). Metallica no me gusta más de lo que me gusta Priest, Maiden, Megadeth o Slayer, pero Burton trapea el piso con cualquiera de los bajistas de esas bandas sin que ninguno de ellos sea precisamente malo. Bueno, Araya tal vez sí lo sea, jo jo jo. Para mi gusto, el bajo de Cliff merece más protagonismo en el sonido de Metallica. Sí, más protagonismo aún. Lamentablemente sólo nos dejó 3 álbumes grabados. Bueno, ya comentando lo que nos dejó, en Kill' Em All nos dejó un instrumental que no es otra cosa que un solo de bajo totalmente asesino, esquizo, patea-rostros, tritura-cerebros. Hablo de Pulling Teeth donde Cliff utilizó el wah-wah y otros efectos. Ese tipo estaba loco. ¿Cómo diablos se le ocurrió algo asi? ¡Enfermo! Según mi criterio, la distorsión hace que la capacidad de apreciación hacia la canción disminuya, sobre todo al comienzo, pero bueno, la producción del álbum en sí no es la mejor. En Ride the Lightning podemos encontrar ese intro de For Whom the Bell Tolls. Ese intro que parece de guitarra en realidad es el memorable bajo de Cliff con una serie de efectos. Y bueno, finalmente en Master of Puppets, obviamente, y como no podía ser de otra manera, tengo que mencionar la preciosa Orion. Cliff no sólo podía destripar el bajo, también podía acariciarlo. En fin, no hay mucho que pueda decir que ya no se haya dicho del buen Burton y obviamente no podía faltar en mi top.

Para cerrar esta entrada que de por sí es bastante larga, quiero dejar bien en claro que no pretendo ser dueño de la verdad. He hecho este ranking según mi gusto y mi apreciación de las cosas, según mi forma de entender la música. Cada uno tendrá su propio ranking, por ello no pretendo que coincidan conmigo. Sólo quise sustentar cada elección que tuve y no hacer una lista sin ningún tipo de explicación o con un remedo de justificación que más suene a burla que a otra cosa (cof, cof, Rolling Stone, cof, cof, NME). Obviamente muchos bajistas se quedaron fuera como Tony Levin, Steve Harris (sí, me parece un muy buen bajista aunque pareciera lo contrario), Mike Rutherford, Greg Lake, Tim Bogert, Mel Schacher, Jack Bruce o John Gustafson. Se me van de la cabeza otros nombres, pero créanme, todos los que puse ahí podrán estar o no en los rankings de cada uno, pero nadie podrá negar que son buenos. Si no los han escuchado, hay muchos nombres de álbumes o canciones que he citado como ejemplo y que bien podrían conseguir... ¡vamos!, no nos hagamos los santos, todos bajamos música de la forma más ilegal, ja! Si no les gusta lo que bajaron, simplemente lo borran y listo, no pasó nada. Eso sí, al menos traten de comprar el disco original (en físico y no descargas legales que es una metida de rata) si les agrada algún álbum. Al menos eso hago yo.

Phenomenon

Oh, oh, oh, después de mucho tiempo sin actualizar, finalmente este blog sale del estado de hibernación en el que se encontraba. Y claro, qué mejor forma de hacerlo que revisando un DISCAZO. Sí, sí, así de categórica es mi afirmación. Este discazo se llama Phenomenon y pertenece a una BANDAZA llamada UFO. Lamentablemente, cuando hablamos de hard rock, la gente tiende a pensar en Led Zeppelin, Deep Purple o AC/DC; incluso algunos lo relacionan con Guns 'n' Roses y bandas por estilo de los 80's. En fin, una pena que esta banda tan genial ni siquiera sea mencionada. Pero bueno, el hecho de que no sea tan conocida no significa que no sea buena. UFO es una banda tan influyente en el rock que artistas como Dave Mustaine (Megadeth), Mike McCready (Pearl Jam), Steve Harris (Iron Maiden) o Kirk Hammett (Metallica) mencionan entre sus principales influencias.

En el párrafo anterior mencioné la palabra hard rock, y claro, definitivamente UFO está asociado directamente al hard rock, de hecho, lo son sin duda alguna. Pero lo interesante es que esta banda no comenzó haciendo hard rock precisamente. No, no, no, en lo absoluto, UFO comenzó haciendo un rock n roll con harta influencia de rock espacial como se puede apreciar en su primer disco llamado UFO 1 (1970), muy buen disco por cierto. Ahí encontramos un rock n roll con bastante sabor a rock espacial. Algunos tracks incluso me recuerdan a temas como Lucifer Sam de Pink Floyd. Nótese que no digo rock espacial propiamente dicho, sino rock n roll con influencia de rock espacial. En su segundo disco, parece que Phil Mogg, vocalista del grupo, y sus amiguitos comenzaron a darle muy fuerte al LSD, y otros ácidos, y sacaron un disco súper espacial llamado Flying (1971). El nombre no pudo haber estado mejor escogido. Los tipos definitivamente estaban volando por los techos de sus casas de tanto ácido lisérgico que ingerían. Acá sí hablamos propiamente de rock espacial. Canciones de hasta 26 minutos son una buena prueba de ello.

Pues bien, parece que a UFO le fue mal en ventas en el Reino Unido y deciden sacar un álbum en vivo, pero únicamente en Japón donde si tuvieron éxito, al igual que en Alemania. Es precisamente en Alemania donde UFO se encontraba a punto de iniciar una gira en 1973. El guitarrista de la banda en ese entonces, Bernie Marsden, olvidó su pasaporte y no pudo llegar a Alemania a tiempo para el primer concierto. Es en la prueba de sonido donde los miembros de UFO convencen a Michael Schenker, guitarrista de Scorpions, quienes se encontraban en el mismo lugar haciendo prueba de sonido, que se les una para la presentación que iban a dar por la noche. Al poco tiempo Schenker se une a la banda como miembro oficial y le dan una patada en las cuatro letras a Marsden. Este es el punto de quiebre para UFO. A partir de ese momento la banda ganaría reconocimiento internacional. A partir de ese momento la banda pasa a convertirse en hard rock por excelencia y el primer álbum que sacarían con Schenker es el que me toca revisar a continuación.

Luego de semejante floro, pasemos a lo que nos importa: la música. Pero antes de eso, sólo diré que la formación de la banda para este disco era Phil Mogg (voz), Michael Schenker (guitarra), Pete Way (bajo) y Andy Parker (batería). Listo, comencemos. El álbum abre de muy buena forma con Too Young To Know, tema compuesto por Phil Mogg y Pete Way. Definitivamente no es el mejor tema del álbum, pero vaya si es una buena canción. Es tal vez una de las canciones del disco de corte más pop, pero repito, es un muy buen tema. Michael Schenker comienza a lucirse desde esta canción hasta el tema que cierra el álbum. Los arreglos que realiza son simplemente perfectos. No les falta ni les sobra nada. La melodía es easy-listening, muy agradable. Luego de tan formidable tema de apertura, viene Crystal Light, compuesto por Mogg y Schenker. ¿Qué puedo decir de esta canción? Nada, que simplemente me encanta. Tiene un aire más melancólico a diferencia del tema anterior. La melodía es sublime, por decirlo menos y las armonías excelentes. Si todos los vellos del cuerpo no se te ponen de punta al escuchar esta canción es porque no eres humano. El solo que ejecuta Schenker está provisto del feeling necesario. Es un solo en su justa medida, ni muy largo ni muy corto. Van dos temas y por el momento no hay nada que me obligue a bajarle puntos a esta placa.

La canción que viene a continuación es un clásico de la banda. Hablo de la genial Doctor Doctor, también de la autoría de Mogg y Schenker. Otro rock de la gran puta que nos regala esta gran banda. La melodía es exquisita. Tiene gancho, tiene fuerza, ¿qué más se puede pedir? Bueno, yo sólo le hubiera pedido a Schenker que nos regale un verdadero solo de guitarra a la mitad de la canción. Pero bueno, eso se ve compensado con el magnífico intro a dos guitarras que hizo. Todo comienza suave, uno esperaría una canción como el track anterior, pero no, a Schenker y sus amiguitos les llegó al cuete y decidieron rockear como la puta madre y el resultado es este clásico del rock. Sin embargo parece que estos tipos no estaban dispuestos a bajar la guardia ni un maldito segundo y nos siguen entregando temazos. Viene Space Child, otro tema cuyos créditos nuevamente van para Mogg y Schenker, como en la mayor parte del disco. Se trata de una canción más lenta y de un corte más blues que las anteriores. Mogg canta de forma desgarradora. La atmósfera que crea la guitarra del buen Schenker es simplemente todo. Dios, en este momento escucho ese solo de guitarra y es simplemente de otro mundo. Este tipo es un genio sin duda alguna. Esto es saber tocar con propiedad, con criterio, con feeling, con genio. Si ese punteo durara 10 minutos no me incomodaría en lo absoluto. Definitivamente esta canción está entre mis preferidas del disco. Finalmente, llegamos a la canción que cerraba la primera cara, Rock Bottom. Parece que nuevamente a Mogg y cia les llegó al cuete y decidieron rockear de la forma más rabiosa que pudieron. ¿El resultado? Este rock de la grandísima reputa madre. Mogg canta realmente con fuerza, de la forma más ruda que pudo. Schenker se manda con un SOLAZO de guitarra. Hay que reconocerlo, el tipo sabe cómo rockear. Sólo tengo dos críticas para esta canción. La primera está referida a la producción. Me parece que, hasta este punto, el álbum estaba producido de los mil carajos, pero acá la distorsión me parece un poco excesiva. Con una distorsión más focalizada, como en Doctor Doctor, me hubiera sonado mejor. La segunda observación que tengo está referida a la extensión de la canción. Me parece que le sobra un minuto. No obstante, no le quitaré punto alguno por estos dos motivos ya que no llegan a saturar.

La segunda cara del disco abría con Oh My, tema compuesto por los cuatro miembros de la banda. Junto con Too Young To Know, me parecen los temas con corte más pop del disco. La melodía, en especial la del estribillo, tiene gancho, hay que reconocerlo. Se te queda dando vueltas ese "oh my, oh how the times have changed". Antes de pasar al siguiente tema, quiero aclarar que al decir que este tema y Too Young To Know son de un corte más pop que el resto no significa que sean pop. No hay nada más lejos de la verdad. Son rock, en especial Oh My, pero son easy-listening. Bueno, dicho esto, pasemos al siguiente tema del disco. Llegamos a Time On My Hands. Dios, estos tipos sí que se mandaron con un álbum realmente redondo. El nivel se sigue manteniendo. Cada tema tiene un matiz distinto y todo cuadra a la perfección. En esta ocasión se trata de un tema más calmado, como para recordarnos que Mogg, Schenker, Parker y Way son músicos de verdad y tienen la habilidad suficiente para variar entre tema y tema y a la vez mantener la cohesión. Mogg comienza cantándonos con fuerza, apoyado en una guitarra acústica de fondo. Luego cuando llegamos al coro cae la batería y el bajo, y al terminar el primer coro nuevamente se callan. La fórmula se repite de nuevo hasta el tercer verso cuando Schenker nos deleita con un solo de guitarra que sabe a gloria. No se imaginan en realidad como suena. Es algo indescriptible y lo mejor que pueden hacer es escucharlo y luego darme la razón.

Finalmente llegamos a las 3 últimas canciones que cierran el disco. La primera de ellas es Built For Comfort, un cover de Willie Dixon. Como se imaginarán, la canción tiene toda la onda bluesera y eso sólo significa una cosa: Schenker destripará la guitarra de la forma más deliciosa posible. Pues sí, así es, como era de esperarse. No he escuchado la versión original, pero estoy seguro de que este cover no la desmerece. El siguiente tema y track número 9 del disco es Lipstick Traces, un tema cuyos créditos van en su totalidad para Schenker. Lo escucho y me dan ganas de llorar. Se trata de un instrumental con todo el feeling del mundo. Schenker es un genio, no hay dudas. Durante los dos minutos y pico que dura la canción el muy abusivo se la pasa tocando uno de los punteos más sentidos que haya escuchado. En la parte final del tema no se le ocurrió mejor idea que armonizar los punteos. Realmente sublime, todo en esta canción es sublime. Yo hubiera cerrado el album con esa canción, pero creo que Phil y Michael tuvieron una mejor idea y compusieron Queen Of The Deep. ¿Y qué se puede decir de esta canción? Es una maldita joya, una obra de arte. Probablemente sea mi canción favorita del disco. Mogg canta como lo mil carajos. En todo el disco lo hizo, pero creo que acá llega a su punto álgido. Parece que andaban inspirados todos porque el trabajo de cada uno de los 4 es sobresaliente. Mogg, como ya dije, canta como los mil carajos. Schenker, bueno, ya se imaginan. Pete Way se manda con unas líneas de bajo geniales, en especial en la mitad de la canción. Andy Parker marca los cambios con una justeza envidiable y marca los tiempos de mil formas distintas. Ya no me queda por decir nada más. Es en este punto donde me doy cuenta de que el álbum terminó y no hay por donde bajarle 1 solo punto, 1 cochino punto, ya, medio punto. Simplemente no hay punto débil.

Luego de leer todo lo que escribí, ciertamente me pongo a pensar si alguien creerá lo que he descrito porque se lee demasiado bueno como para ser cierto, pero increíblemente lo es. Este disco merece estar con el Zeppelin II o el Machine Head encabezando los mejores discos de hard rock de todos los tiempos y en general, los mejores discos jamás hechos. Está sin lugar a dudas en mi top ten de discos. Lo mejor que puedo recomendarte es que lo compres, pero como no lo harás, entonces consíguelo. Hay miles de páginas donde puedes bajarlo. Si te convence y un día decides comprarte un disco original, espero que éste se encuentre entre las posibles opciones por escoger.

¡Hasta siempre, Richard Wright!

No actualizo este blog hace tiempo y si lo hago ahora es únicamente porque la situación lo amerita. Como muchos de ustedes sabrán, hoy, lunes 15 de setiembre, falleció Richard Wright. Éste es un pequeño homenaje para un gran músico. Como todos saben, este blog está dedicado únicamente a la revisión de discos, pero toda regla tiene excepciones y en este caso, bien lo vale. De más está decir que fue el tecladista de Pink Floyd y comentar su obra. Eso abunda en la web. Simplemente pretendo rendir homenaje a una persona cuya obra quedará por siempre como testimonio de su genialidad. Sin él, Floyd no hubiera sido lo que conocemos hoy. Sin él, Wish You Were Here no sería lo que es. Sin él, el Dark Side of the Moon no sería lo que es. Sin él, no existiría Echoes, Atom Heart Mother, etc. No soy quien para decir que Rick fue una gran persona, tampoco para magnificar su imagen, pero creo que simplemente su intachable conducta hablará por siempre por él como persona. Jamás dio una declaración fuera de lugar. No tuvo mayor ambición por el control de Pink Floyd. Siempre mantuvo un perfil bajo. Cuando comentaba algunas de sus composiciones, siempre lo hacía desde una perspectiva muy ecuánime y subvaloraba incluso su propia participación en ella. No le interesaba ganar mayor prestigio como compositor. Creo que eso dice mucho de él como persona.

Cuando una persona trasciende en el tiempo, simplemente vivirá por siempre y eso es lo que sucederá con el buen Rick. Gracias por todo, Rick. Descansa en paz. Nos encontraremos en el lado oscuro de la Luna.

Preguntando y considerando

A ver, a ver, como se han dado cuenta, ya son varios meses que no publico una entrada. La causa: pereza. Sí, así de sencillo. Pues bien, tengo 2 entradas incompletas desde hace buen tiempo. Una de Pearl Jam y otra de Black Sabbath. Realmente no me provoca terminarlas. Al menos no por el momento. Así que, bueno, a ver si me motivo algo. Comenzaré por hacer una suerte de sondeo. La pregunta será la siguiente:

¿Qué disco o qué banda quisieras que revise?

Listo, ahí está la pregunta. Si tienen alguna sugerencia, me dejan un comentario y listo. Por favor, no me pidan que revise ni My Chemical Romance, ni Panic! at the Disco, ni ninguna de esas porquerías actuales que no rockean. Pídanme desde los Beatles, The Who, etc. hasta Jet o Wolfmother, es decir, rock de verdad, no música de acomplejados. Listo eso es todo.

PD: ¿Créen que debería proporcionar un link de descarga de los discos que revise?

Deep Purple en Lima

Esta vez no comentaré un disco. Esta vez, como una situación extraordinaria y que no se repetirá sino muy rara vez, dedicaré una entrada a un concierto, el concierto de Deep Purple. Sí, así es y no me lo reprochen. Los Purple simplemente la rompieron ayer por la noche. El Estadio Nacional estuvo en un 90% del aforo permitido. La gente respondió y lejos de ser el público habitualmente pasivo, no sólo cantó sino coreó los riffs de estos maestros.

Con respecto a la banda y sus integrantes, cada cual la rompió más que el otro. Gillan, el buen Ian si bien ya no canta como en sus años dorados, aún así sigue teniendo un tono más que respetable. Ya quisiera el 90% de vocalistas actuales poder cantar como Gillan de 62 años. Don Airey estuvo genial. Durante los solos que tuvo a cargo, hizo un repaso de música clásica, se animó a tocar una versión del Condor Pasa e incluso un pequeño fragmento del soundtrack de Star Wars. Realmente ocupar el puesto del gran Jon Lord no le queda grande. Con respecto a la sección rítmica, pues sigue tan vigente y efectiva como en sus dorados 70's. Tanto Paice como Glover tuvieron solos en sus respectivos instrumentos y demostraron que aún la siguen destruyendo. El bajo de Glover sonaba como los mil carajos. Sin duda se trata un bajista de los mil carajos y del que nadie se acuerda cuando se hacen los estúpidos rankings de bajistas. De Paice no hay mucho que agregar. El tipo sigue tocando como siempre, es decir, sigue siendo uno de los mejores y su solo de batería lo demostró. Muchos bateristas quisieran redoblar como Paice lo hizo con una sola mano. Y finalmente nos falta hablar del buen Steve Morse. Muchos fanáticos extrañan a Blackmore, pero si hay que ser justos tenemos que decir que Morse está a la altura de las circunstancias. Reemplazar a un genio de la guitarra como Blackmore no es fácil, pero Morse hace que parezca sencillo. Cuando tiene que darle su estilo, lo hace y cuando tiene que respetar los solos antológicos de Blackmore lo hace, como muestra tenemos Highway Star. Mención aparte merece el solo de guitarra que se mandó en The Well-Dressed Guitar, donde además hizo un repaso de los riffs más antológicos del rock. Sin duda se trata de un capo en su instrumento.

Para finalizar, y para quienes no fueron, la banda abrió con un clásico del Machine Head, Pictures of Home, y cerró con otro clásico, Black Night. El show duró dos horas menos algunos minutos e hicieron un repaso de sus legendarias canciones (Highway Star, Lazy, Strange Kind of Woman, Hush, Smoke on the Water, etc) así como de su último material, Rapture of the Deep. Creo que sería redundante decir que fue una lección de lo que debería ser el directo de una banda. Sin duda alguna podría ser el segundo mejor concierto al que haya ido. Si no fuiste... sí sabes lo que te perdiste. ¿Black Night? ¡No, Purple Night!

Waiting For The Sun

Oh, qué hago yo revisando un disco de The Doors es lo que se preguntarán todos aquellos que me conocen. Pues sí, ni yo mismo lo sé. Para los que no me conocen, The Doors no está entre mis bandas favoritas. No odio a Morrison y sus amiguitos, pero no es algo que me cause placer escuchar. Y algo que parecerá más extraño es que revise este álbum, que precisamente no figura entre lo mejor que haya hecho esta banda. Pues no me importa. Total, no soy devoto de su obra, así que cualquiera de sus álbumes me da exactamente igual.

No haré un gran preludio de esta banda, pues no me interesa hacerlo. Hay gente que sabe mil veces más de ellos de lo que yo puedo saber. Yo no soy fanático de esta banda, así que sólo daré algunos detalles del álbum y listo, pasamos a revisar el contenido. Como todo el maldito mundo sabe, la banda estaba liderada por Jim Morrison (voz) y lo complementaban Robby Krieger en guitarra, John Densmore en la batería y Ray Manzarek en teclados. De los cuatro, si hay alguien que merece mi admiración, ése es el tecladista. El tipo hacía humear su teclado. Creo que después de Lord y Wright puede estar ahí entre mis tecladistas preferidos. Un maestro. Con respecto al álbum, resulta que esta placa, publicada en 1968, fue el primer LP de la banda en entrar al #1. También en este álbum encontramos el segundo single de los Doors que llegó al #1. La mayoría de sus temas fueron escritos en los primeros años de la banda. Por último, aunque cualquiera que conozca algo de The Doors debe saberlo, este álbum tiene un sonido considerablemente más pop que sus antecesores.

Bueno, bueno, vayamos al contenido. El álbum abre con Hello, I Love You. Este es el single que llegó al #1. Tiene una melodía bien pegajosa. No se puede negar, la canción tiene gancho. La melodía te queda dando vueltas en el cerebro. A mitad de canción hay un cierto cambio y la canción va ganando en intensidad. Buen tema para abrir el álbum. Definitivamente es una canción difícil de olvidar y no porque sea una obra de arte, sino por su melodía. Listo, pasemos al segundo track, Love Street. Este tema tiene un toque más blues con respecto al track interior. La melodía es definitivamente pop, aunque la considero algo floja, sobre todo en la segunda mitad. Manzarek toca de manera muy sutil y apropiada. Lo mejor del tema es el teclado sin duda. No hay mucho más que decir de este tema, excepto que fue lado-B del single Hello, I Love You, así que pasemos a la tercera canción, Not To Touch The Earth. Si no me equivoco, la letra de la canción está basada en un pasaje del poema de Morrison, llamado Celebration of the Lizard. Nuevamente el teclado es lo mejor de la canción para mí. Toda la atmósfera del tema sin duda se debe a Manzarek. La canción va ganando en intensidad gradualmente. Sin embargo, la melodía no me termina de cuadrar. La instrumentación sí me parece perfecta. Probablemente sea el tema menos pop del álbum. No es un mal tema para nada, pero sigo creyendo que le hace falta algo.

Cuando parecía que al álbum iba ganando en algo de agresividad, estos tipos nos entregan una canción bastante inofensiva. Hablo de Summer's Almost Gone. Discúlpenme todos aquellos que sean fans de la banda, pero este tema me parece de lo más estéril. OK, podrán decir que no comprendo la vibra y el feeling y la puta madre. Me vale una verga todo eso. A mí me aburre el tema. Mejor saltamos al siguiente tema, Wintertime Love. Es el tema más corto del álbum. No llega ni a los 2 minutos. Esperen, esperen. Pondré play nuevamente. Me parece que estoy escuchando el track anterior. A ver, nuevamente... play. Dios, este tema parece la continuación de Summer's Almost Gone. ¿¿¿¿Qué carajos???? Mejor le ponían de nombre "Summer’s Almost Gone (reprise)". Eso sí, el final de este tema es mejor que el anterior. Igual, no alcanza. Para mí sigue siendo un tema normalito, totalmente skipable. Bueno, bueno, ya en la mitad del álbum, llegamos al primer single del álbum, The Unkown Soldier. Este tema no entró ni siquiera al top 40 probablemente por su letra anti-Vietnam. Es considerado uno de los clásicos de la carrera de la banda. En su parte media, la canción trata de representar una ejecución. Muy probablemente sea mi tema preferido del álbum. El final de la canción supuestamente sería la celebración por el termino de la guerra.

Spanish Caravan es el séptimo track del álbum. La canción comienza con una guitarra española mandándose con unos acordes y arpegios de la grandísima puta madre. Pues bien, ese intro es nada menos que Leyenda, una pieza de música clásica de Isaac Albéniz. Oh, sí, y es genial y en general la instrumentación de toda la canción. A partir del minuto entra la voz de Morrison. Hubiera preferido que sea un instrumental. No es que la voz me desagrade, pero la instrumentación es tan buena que la melodía no le hace justicia. Luego de esta canción, llegamos al track 8 del álbum, My Wild Love. Definitivamente Morrison le estaba dando fuerte al alcohol, a las drogas, en especial a las drogas duras. ¿Qué carajo se supone que es esto? Es definitivamente lo peor del disco. Ni siquiera me gastaré comentando la canción. Ya está, haré de cuenta que no existe esta canción y pasaré a la siguiente como si no hubiera pasado nada. Ok, listo. Llegamos al track 9 del album. Hablo de We Could Be So Good Together. Al costado del tema anterior esto parece un himno creado por los dioses. Ah, no, cierto, estoy haciendo de cuenta que el tema anterior nunca lo escuché. Lo siento. Bueno, no es que We Could Be So Good Together sea un gran tema. Es, de hecho, un tema normalito, nada fuera de lo común. Continúa con la línea pop del álbum. No es una canción fea ni por asomo. Es una canción que simplemente no es ni buena ni mala. Cuando Morrison se decide a levantar la voz, los temas mejorar considerablemente. Probablemente eso le hubiera hecho bastante bien al álbum, Morrison debió rockear más.

Llegamos a las últimas 2 canciones del álbum. En primer lugar tenemos Yes, The River Knows, un tema calmado, simpático. El piano de Manzarek es perfecto. No hay mucho más que decir. Finalmente el álbum cierra con Five To One. Dicen que Morrison estaba borracho cuando grabó la voz. Y la verdad es que sí parece estarlo. Este tema también goza de un gran cariño por parte de los fans. Es sin dudas el único tema del álbum donde la guitarra tiene un papel protagónico. Ya hasta me había olvidado que contaban con un guitarrista, jo jo jo. Ahora, pare serles sincero, como es la constante en el álbum, este tema me parece de lo más normalito. No me parece que sea un clásico y definitivamente a The Doors le he escuchado mejores cosas.

OK, listo, acabamos la revisión de este álbum. Ya me estaba arrepintiendo de haberlo revisado. ¿Qué puedo decirles al respecto? Ah, sí, si van a comenzar a escuchar The Doors, creo que este álbum no es el indicado. Definitivamente sus dos primeros álbumes son superiores a éste. Ahora, yo mismo me pregunto por qué carajo reviso un álbum que ni siquiera considero el mejor de la banda. Probablemente sea porque no soy un gran devoto de esta banda. Como consecuencia, me da exactamente lo mismo revisar cualquiera de sus álbumes. Listo, se acabó. Ahora a decidir cual álbum debe ser revisado para la próxima. Acepto sugerencias.

Magical Mystery Tour

¿Qué carajos es esa portada? Existe un refrán conocido que dice "No juzgues al libro por su tapa". Creo que en este caso se aplica el mismo criterio. No juzgues a este disco por su horrenda portada. Definitivamente si la viéramos muy rápidamente y de pasada podríamos suponer que se trata de un disco de Tongo o del Pumita Andy o quién diablos sabe que otro artista de la misma calaña. Definitivamente los Beatles andaban súper drogados y sumergidos en LSD para aquel entonces y creo que esta portada es un buen botón de ello. Fácilmente puede ser la portada más horrible que vi en mi vida. Pero como ya dije, no juzguemos al disco por su espantosa y pacharaquísima portada.

Corría el año 1967 y toda esta cuestión de la psicodelia estaba en su punto álgido. Los Beatles atravesaban una época sumamente creativa y en ese año sacaron al mercado 2 álbumes de gran calidad. El primero de ellos fue el mítico Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Luego de publicado semejante mojón cultural, Paul tuvo la "brillante" idea de sacar una película "divertida", sin guión y que mostraría a la banda haciendo cosas "divertidas" en compañía de gente "normal", como el tío de John, Charlie. Todos iban a ir a bordo de un bus y experimentar aventuras "mágicas". Pues bien, esa película es un bodrio. A Paul le salió el tiro por la culata y cualquier persona, que no se crea un pseudo-artista incomprendido, nacido 30 años después y perteneciente a la psicodelia, se daría cuenta que la película es de lo más aburrida y retorcida, en conclusión, un sinsentido total. Mucho LSD les había afectado el cerebro. Mi recomendación: NO VEAN ESA PELÍCULA y si lo hacen porque les interesan mucho los Beatles y quieren ver, oír y tener todo lo que publicaron, como yo, sólo véanla una sola vez. Si quieren ver los videos de las canciones, simplemente vayan al capitulo correspondiente y listo. No pierdan su tiempo. Les aseguro, no se pierden de nada indispensable e interesante.

Aja, eso es la película mas no el soundtrack que es este álbum. Primigeniamente se publicó como doble EP, en Inglaterra y, en Estados Unidos, se publicó como LP y se le agregaron temas en la segunda cara que eran nada menos que singles de la época y sus lados B. Como ya dije, el contenido del disco es diametralmente opuesto a la película. Lástima que tan buena música sea el soundtrack de semejante filmsucho. En fin, revisemos el contenido. Si la película es totalmente prescindible, el disco por el contrario, es totalmente una obligación escucharlo. Este año el álbum cumple 40 años de su publicación y desde aquí mi pequeño homenaje. Y aunque es un álbum que siempre ha estado a la sombra del Sgt. Pepper, es tan bueno como el disco del Sargento Pimienta y su club de los Corazones Solitarios.

Bueno, comencemos a revisar el contenido. El disco abre formidablemente con uno de los mejores temas en la historia para abrir un álbum, Magical Mystery Tour. Es un tema bien rockero, con harto gancho y de clara influencia psicodélica. La canción fue escrita en su mayoría por Paul y cuenta con trompetas y percusión adicional. Definitivamente es una canción creada exclusivamente para abrir el álbum y bajo la perspectiva del proyecto en cuestión. Luego de este tema viene un verdadero clásico. Hablo de The Fool On The Hill, canción también escrita por Paul. El tema está totalmente construido sobre la base del piano y además cuenta con flautas. La canción tiene una melodía como sólo los Beatles podían crear. Durante todo el tema corre una especie de aire melancólico. En fin, luego de ese clásico viene Flying, un tema en el que figuran los cuatro Beatles en los créditos compositivos. Es una canción que podría considerarse instrumental aunque se escuchen ciertas voces. Este tema cuenta con maracas, melotrones, loops, entre otras cosas. Sin lugar a dudas los Fab Four estaban dándole duro a los ácidos y esta canción es una prueba fehaciente de ello. Pero hay una cosa en los Beatles, o en George Martin para ser más justos, y es que siempre se las ingeniaron para hacer que las cosas funcionen. Hablo de la cohesión y solidez de sus álbumes. Es por eso que temas como éste terminan encajando dentro de un todo musical que es el álbum. Este ejemplo se verá graficado más claramente en el mastodónico álbum Blanco de 1968 en donde canciones aparentemente mediocres o de relleno terminan encajando como un gran rompecabezas y terminan siendo absorbidos, y encajados en clara armonía, por un todo superior y dentro de un contexto.

¿Dije en el párrafo anterior que Flying era una prueba fehaciente de que John, Paul, George y Ringo le estaban dando duro al LSD y otros alucinógenos? Pues después de escuchar el tema que sigue, Flying es una canción de cuna para bebés. Llegamos a Blue Jay Way, señores. ¿Qué decir de un tema como éste? Pues que George sí estaba totalmente navegando en LSD y estaba literalmente pegado al techo. La canción tiene una melodía tan hipnótica que de por sí se vuelve un trip por sí misma. La coda del tema se repite ad infinitum y nos hipnotiza aún más. Felizmente, por nuestro bienestar, higiene y salud mental, luego de esos 2 temas claramente opiáceos, sintéticos, anfetamínicos, químicos, etc., viene un cambio de aire que refresca la escucha y llegamos a la sencillona, pero no por eso mediocre Your Mother Should Know. Es otro tema escrito por Paul. Tal parece que a Paul le estaba dando algo de pereza andar haciendo letras y se dedica a repetir los mismos versos durante toda la canción e incluso se pasa la última parte tarareándola. No importa, la melodía y armonías son tan buenas que hace que nos olvidemos del zanganerío de Macca. ¿Vieron alguna vez el video de esta canción? ¿No? Bueno, mejor. Pero si Paul andaba hecho un zángano líricamente, John se mandó con un discurso de lo más largo. Señores y señoras, llegamos a un verdadero mojón cultural, llegamos al paradigma de la psicodelia. Sí, se imaginaron bien, I Am The Walrus. John contó alguna vez que escribió esta canción cuando se enteró que un profesor estaba haciendo analizar a sus alumnos las letras de las canciones de los Beatles. John simplemente se dedicó a escribir una serie de sinsentidos unidos por conectores lógicos y listo. Ahí tenía una canción que muchas personas sin vida se dedicarían a analizar y que realmente no significaba absolutamente nada. Personalmente la canción no me parece que debería estar entre las mejores de la historia como muchos sugieren. Tampoco creo que sea la mejor canción de la Banda de Liverpool, pero sin lugar a dudas es una gran canción. El tema cuenta con una producción envidiable. George Martin simplemente la rompió. La canción cuenta con unos arreglos de cuerdas exquisitos y donde queda en evidencia el genio de Martin. ¿Por cierto, alguna vez vieron el video de esta canción? ¿No? Bueno, tampoco lo vean, jo jo jo. Es uno de los videos más quemados que pueden existir. Como último dato, había mencionado que John había escrito la canción cuando se enteró que un profesor estaba haciendo analizar las letras de las canciones de la banda a sus alumnos y también mencioné que John compuso la canción en cierta forma para burlarse de todos aquellos que se la pasaban analizando sus canciones y buscando significados ocultos. Pues bien, resulta que mucha gente no se dio cuenta de la tomada de pelo de John Winston y para coronar sus interesantísimas vidas llegaron a la conclusión que Paul era la morsa... Eso era esa época, señores, eso era la psicodelia. Hasta acá llega el EP original y los temas siguientes son los lados A y B de los singles de la época.

Entramos al segundo lado del LP que abre con la archiconocida Hello Goodbye. No sé que decir de este tema. Es poco probable que exista un mortal que no haya escuchado esta canción. A ver, a ver, diré que este tema fue compuesto por Macca y tiene una orientación mas pop que los temas anteriores. Fue single de navidad y llegó al número 1 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Algo que Lennon nunca le perdonaría a Paul es que I Am The Walrus fuese lado B de este tema. El pretexto dado por McCartney y Martin fue que se trataba de una canción con una melodía más comercial, cosa que es totalmente cierta. En todo caso, entiendo y justifico completamente a John. En todo caso pudo haber sido un single con dos lados A. ¿Tengo que seguir hablando de esta canción? Como no lo pienso hacer, pasaré a la mejor canción del álbum. Sí, sí, adivinaron nuevamente. Señores, llegamos a la sublime Strawberry Fields Forever. Me atrevo a decir que los mejores temas del álbum sin lugar a dudas están a cargo de Lennon. Sí, y me pasó por la garrocha a Penny Lane y Hello Goodbye. Strawberry Fields es tal vez de lejos lo mejor del álbum. Esta canción iba a entrar en el Sgt. Pepper junto con Penny Lane, pero a último momento George Martin las dejó afuera en una decisión que posteriormente se cuestionaría. ¿Se imaginan al Sgt. Pepper con Strawberry Fields? No, yo no quiero hacerlo porque no lo creo. Simplemente mi entendimiento no llega a tanto. Bueno, bueno, volviendo a la canción. Esta canción la escribió John aproximadamente en el año 1966 y tanto en ella como en Penny Lane de McCartney hay un claro sentimiento de nostalgia por la infancia en Liverpool. El tema cuenta con arreglos de cuerdas y vientos simplemente extraordinarios. Si hay alguien que debería recibir el título de Quinto Beatle ése es George Martin. Ya para concluir con este tema, diré que la lírica es de las más sentidas por parte de John y hay referencias claras de su infancia como en el verso donde dice "No one I think is in my tree".

Entrando en el bloque final, llegamos a Penny Lane. OK, lo acepto, pareciera por lo dicho en el párrafo anterior que no me gusta este tema o que lo considero un tema inferior. Pues no, sí me gusta este tema y me gusta mucho. De hecho es de los fuertes del álbum, pero sigo considerando que Strawberry Fields Forever es el punto más alto de la placa y probablemente en toda la carrera de los Beatles. Bueno, siguiendo con esta canción, fue compuesta por Paul y fue lado A junto con Strawberry Fields Forever en el que muchos consideran el mejor single de la banda. Paul también hace referencia a su infancia durante la canción. Martin sigue hecho un demente y nuevamente los arreglos de vientos en la canción son buenísimos. Definitivamente la producción de aquel single de doble lado A es de lo mejor que se ha hecho. Ya quisiera el 90% de bandas de la actualidad tener una producción tan pulcra y trabajada como la de este single... ¡y esto fue hace 40 años atrás! Luego de ese otro himno de la banda, el nivel baja un poco con Baby You're A Rich Man. No es un bodrio, pero es un tema que si no entraba en el álbum no pasaba nada. Lo mejor de la canción sin duda alguna es el bajo de Paul. Finalmente, para cerrar el álbum, tenemos otro himno, All You Need Is Love. Esta canción fue escrita por John Lennon y fue la canción que los Beatles tocaron en el programa Our World y una salvajada de millones de personas vieron la presentación de los Beatles en directo. La canción tiene un estribillo por lo demás pegajoso. George Martin definitivamente era el loco de los arreglos y los vientos con los que cuenta la canción son fenomenales y además contribuyen a darle ese carácter de himno a la canción. "Todo lo que necesitas es amor" repetía una y otra vez John, y fue así como esta canción se convirtió en un himno del hippismo.

Bueno, señores, llegamos al final de otra revisión. Esta vez por los 40 años del Magical Mystery Tour. En sólo 6 meses los Beatles sacaron al mercado 2 álbumes asombrosos. Los Fab Four estaban experimentando una lluvia torrencial creativa. En el booklet del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, George Martin, si no me equivoco, afirma que la grabación del Sargento Pimienta tomó 129 días, probablemente los 129 días más creativos de la historia de la música moderna. Luego de escuchar el Sargento y el Magical Mystery Tour, no hay duda, no sólo fueron 129 días, fue todo ese año. Si no tienes el álbum, ya sabes que diré. Así que pídele a Papa Noel que en Navidad te regale un Tour Mágico y Misterioso por el club de los corazones solitarios en compañía del Sargento Pimienta. No hay nada mejor que escucharlos juntos.