Rock 'N' Roll Doctor

Abbey Road

2011-12-19T18:00:00.006-05:00

Esperaba que este momento nunca llegue. Esperaba no tener que revisar este álbum jamás. Asimismo, espero que no llegue el momento de revisar el Dark Side of the Moon. No se me malinterprete, no es que no me guste este disco, sino todo lo contrario. Adoro este disco. Es mi álbum favorito, la perfección hecha música. Y como se imaginarán, es un tanto difícil revisar con cierto grado de objetividad el disco que veneras de la banda que veneras. Además... ¿qué ya no se ha dicho de este disco? ¿Qué no se ha dicho de los Beatles? Absolutamente todo. Así de simple. Pues ni modo, llegó el momento.

Era 1969 y los Beatles ya estaban más allá del bien y del mal. También es cierto que era 1969 y las relación ente los cuatro de Liverpool distaba mucho de ser "cordial", por decir lo menos. Digámoslo directo: se odiaban. Sí, no se podían ni ver. Después de las grabaciones del Álbum Blanco todo se había deteriorado. George Harrison y Ringo Starr incluso habían abandonado en algún momento la banda para eventualmente regresar. Lennon se mostraba cada vez menos interesado en la banda y cada vez mas interesado en proseguir una carrera solista con Yoko a su costado. McCartney trataba de tomar la posta que dejó Epstein y trataba de organizar a la banda de una forma casi neurótica. Starr y Harrison no veían con buenos ojos esto, pero a la vez tampoco veían con buenos ojos la relación de John y Yoko. En conclusión, la banda ya no daba para más. El intento de grabar un álbum en vivo, proyecto que inicialmente se llamó Get Back y finalmente vería la luz con el nombre de Let It Be, había fracasado estrepitosamente. En tales circunstancias McCartney habla con George Martin y le pide que produzca un último álbum, a manera de despedida. Martin acepta, pero con la condición de que dejen las rencillas personales fuera del estudio, como en los viejos tiempos. Los fab four aceptan y se embarcan en este proyecto. Dan un último esfuerzo y el resultado es esta obra maestra. Estos tipos sí que sabían lo que era trabajar en ambientes laborales poco propicios y obtener resultados extraordinarios.

Pues bien, el álbum lo podemos dividir en dos partes: la primera que comprende desde Come Together hasta Because y la segunda que va desde You Never Give me Your Money hasta Her Majesty. Si bien es cierto que en el Long Play original el segundo lado comienza con Here Comes the Sun, lo cierto es que ese Meddley mágico o seguidilla de canciones comienza con You Never Give me Your Money.

¿Qué encontramos en la primera parte? Canciones espectaculares. Sí, esa es la respuesta. Tal vez no lo mejor que hayan compuesto estos cuatro, pero el nivel de cada una de ellas es sobresaliente. Ringo nos regala Octopus's Garden, una canción con una melodía y letra ciertamente divertidas. El trabajo de guitarra de George Harrison es superlativo. Cada punteo de guitarra recrea lo que la letra quiere transmitir. En conclusión, una canción sin mayores pretensiones que resulta divertidísima y fresca. Por el lado de McCartney tenemos Maxwell's Silver Hammer y Oh! Darling. La primera es otra canción con una melodía divertida con una letra no tan inocente. Nos cuenta la historia de un demente que agarra a martillazos a todo el mundo. Gran historia. La sección rítmica suena ajustadísima y la melodía invita a ser cantada. En fin, la canción no está entre los puntos altos del álbum, pero no es floja en lo absoluto. Al parecer Macca quería que esta canción sea single y jodió hasta más no poder para grabar la canción 4756835634 veces y los demás terminaron por odiarla. En el caso de Oh! Darling es una balada blues cantada con el alma. Según Lennon, esta canción debió cantarla él. Con todo el respeto que se merece John, pero no creo que haya podido llegar a las notas que llega McCartney en ciertas partes. Volviendo a lo que es la canción, podemos decir que como en todo el álbum, la sección rítmica suena ajustadísima. La letra es un tanto genérica, pero no le baja puntos a la canción.

Por el lado de Lennon tenemos en primer lugar a ese himno llamado Come Together que abre el álbum, toda una demostración que los Beatles podían rocker con fuerza cuando querían sin ningún complejo. El bajo de McCartney es asesino, Lennon canta con rabia y Starr nos martilla el cerebro desde el primer shoot me. Y si hablamos de rocker y rockear duro, oscuro y pesado pues qué mejor que la superlativa I Want You (She's so Heavy). ¡Dios mio, si esto no es rockear, pues yo no se qué es! La canción es de lo más vicioso que se ha creado. El tema no tiene más que una misma linea vocal que se repite pero eso pasa a un segundo plano. La canción comienza con un intro amenazante para posteriormente entrar en el verso. En cada uno de los versos cambia el ritmo. El trabajo de Starr es propio de un genio. Quisiera ver cuántos bateristas pueden hacer lo que hace Ringo acá. Del trabajo de McCartney ya ni hablemos. Las líneas de bajo que tira son magistrales, probablemente las mejores que jamás tocó. Las guitarras suenan totalmente amenazantes, oscuras, siniestras, ominosas. Y cuando creemos que la canción ya debe estar llegando a su fin, la canción pasa a una coda interminable, con la misma progresión de acordes del intro y se repite ad infinitum y termina tan súbitamente como comenzó. Si no te vuela el cerebro, no tienes cerebro. La última canción de Lennon en esta primera parte es la sublime Because. Vaya si John, Paul y George sabían armonizar. Nunca unas voces sonaron tan celestiales como en esta canción. El arpegio de fondo es un mero acompañamiento para semejante muestra de belleza.

¿Se puede poner mejor este primer lado? Pues sí, claro que sí. Y si no se pone mejor pues entonces el nivel sigue al mismo nivel que I Want You, es decir, divino. Y no, no es obra ni de McCartney ni de Lennon. Es obra del gran George. En primer lugar la hermosa y sensual Something. ¿Se puede escribir una balada mejor que ésta? Yo no lo creo. La letra es perfecta, las guitarras son perfectas, la batería es perfecta y la línea de bajo es asombrosa. Entonces, ¿qué le falta? Ah, solo de guitarra... eh, no esperen, tiene un solo de guitarra y es una obra maestra, de los mejores que hizo George. ¿Tiene algún punto debil esta canción? ¡NO! Es una obra de los dioses, así de simple. La otra canción de George es la hermosa Here Comes the Sun. Comienza con una guitarra acústica y una melodía superlativa. Luego se le suma la batería, bajo, teclados y vientos. Creo que no puede haber una mejor canción para alegrarnos el día cuando sale el sol. Con esto termina la revisión de la primera parte del disco.

¿Se puede poner mejor el álbum después de lo descrito? ¡Sí! ¿Es eso posible? Sí, son los Beatles y ellos todo lo pueden. El clímax del álbum, el punto álgido llega con este medley, esa suite de canciones cortitas, a medio terminar, entrelazadas unas con otras y cuyo resultado es lo más sublime que se haya escuchado. Sólo el final del Dark Side of the Moon puede hacerle frente a esto. En primer lugar, tenemos You Never Give Me Your Money, compuesta por Macca. La canción comienza con un piano tranquilo, tocando la misma melodía que la voz. Luego entra la batería, el ritmo cambia, se pone un poco mas hard y Macca comienza a cantar de forma más nasal. ¡Como suena esa sección rítmica y esa guitarra! Las armonías son exquisitas y el solo de guitarra es estupendo. Luego la cosa se calma un poco con Sun King. Al mismo estilo que Because, todo de forma muy relajante, John, Paul y George armonizan como los dioses. Nos transportan a otro mundo de la forma más sutil. El efecto de la guitarra contribuye a esto. La batería y el bajo hacen un trabajo perfecto. Todo es perfecto, todo encaja de maravilla. Y ni bien termina las revoluciones suben y entran Mean Mr. Mustard y Polythene Pam. La canciones apenás superan el minuto y son parecidas entre sí y sirven como medio conductor para desembocar a She Came into the Bathroom Window. En estas tres últimas canciones el trabajo de George Harrison y Ringo Starr es sobresaliente. El trabajo de estos dos genios sirve de enlace para unir las canciones, ya sea a través de redobles, o licks de guitarra. Lo que nos dicen es: "¿para qué quieren doble pedal de bombo o solos de guitarra de 30 notas por segundo si en esto hay más genio que en todas las notas que puedes tocar en toda tu puta vida?". Ja!

Bueno, en la última parte de esta suite tenemos en primer lugar la bellísima Golden Slumbers. Pocas veces escuché una melodía que me haga emocionar tanto como ésta. ¡Dios mio, cómo canta Paul! Y pocas veces escuché algo que me haga emocionar aun más que ese paso a Carry That Weight, unido por un Ringo Starr pletórico. Y hablando de Ringo, en Carry That Weight se le puede escuchar haciendo coros junto a los tres beatles restantes. Señores, si esto no es sublime, si esto no los emociona, no son humanos. Esos vientos, esos coros, ese aire divino que destila la canción no tienen comparación. Finalmente, Carry That Weight da paso a The End, que contrasta totalmente con las dos canciones anteriores. Entramos a una canción toalmente rock donde en primer lugar podemos escuchar a Ringo haciendo un solo de batería y posteriormente a Paul, George y John, en ese orden, haciendo respectivos solos de guitarra. Claramente podemos darnos cuenta en cada uno de estos solos las personalidades de cada uno. Señores, los Beatles se están despidiendo de nosotros, pero lo están haciendo de la forma en que jamás ninguna banda lo hizo ni lo hará. Una vez concluidos estos solos, se apaga todo, queda un piano y McCartney nos canta uno de los versos finales más preciosos que jamás se hayan cantado: "And in the end the love you take is equal to the love you make". Y así, los Beatles se despiden de nosotros. Ah, no, bueno, faltaba Her Majesty. ¿Qué puedo decir de este número? Nada, es una viñeta, en principio era un hidden track que se incluyó básicamente sin que la banda lo supiera, pero bueno, hasta en eso los Beatles fueron de los primeros, en incluir tracks escondidos.

Así, llego al final de otra revisión. En este caso de mi álbum favorito de todos los tiempos. Esperaba que no tuviera que hacerlo, pero dado que no actualizo este blog muy frecuentemente, tampoco quería dejar en el olvido ciertos álbumes que gozan de mi predilección. Sería poco probable que no hayan escuchado este disco, pero si por casualidad no lo has hecho, tienes una tarea por hacer. Consíguelo como sea. Es un disco de cabecera. Ciertamente no veo por qué no podría gustarle a alguien. Tiene todo: buenas letras, un Ringo pletórico, un bajo sensacional, los mejores solos de guitarra de la carrera de los Beatles, las mejores armonías a tres voces, etc. No hay perdón para morirse sin antes haberlo escuchado.

Standing on the Shoulder of Giants

2011-12-12T13:20:00.007-05:00

Dios santo, no sé por qué me tomo el tiempo de agregar una entrada si este blog está totalmente muerto y olvidado. Pero, bueno, para los que de casualidad lleguen por acá o se les ocurra regresar, tal vez les pueda interesar.

Después de algunos años donde prácticamente me olvidé de Oasis, últimamente decidí desempolvar los discos que tengo y darles una escucha. Lo que sucedió fue que volví a disfrutar de la música de esta banda. Obviamente no como solía hacerlo hace 10 años atrás, pero digamos que volví a recordar por qué me gustaban tanto (y me siguen gustando). También me sirvió para acentuar las últimas sensaciones que tenía de esta banda antes de dejarlos casi de lado. Una de esas sensaciones que tenía, y que ahora confirmo al margen de lo que muchos puedan pensar, es que este álbum podría ser mi favorito de la carrera de Oasis. Podría serlo, pero no, lo sigue siendo el gran Morning Glory. Sin embargo, éste lo tengo muy cerca, casi pisándole los talones. Sí, ya sé que alguna vez dije que el Definitely Maybe era mi segundo álbum favorito, pero me interesa un carajo. Las percepciones cambian con el tiempo.

Bueno, póngamos el contexto histórico antes de comentar el disco. Oasis venía de sacar el rimbombante, bombástico y pretencioso Be Here Now. No viene al caso dar mayores detalles, pero digamos que si bien no fue un fracaso en ventas, si fue un fracaso artístico y de credibilidad, y podríamos decir que a partir de ese momento su carrera nunca más fue la misma y se vio mermada considerablemente. Su imagen se deterioró y a partir de entonces vivirían básicamente de los grandes clásicos que escribieron en los 90's. Muchos "mad fer it" no estarán de acuerdo con lo que digo, pero basta con mirar los setlists que tocaba la banda para darse cuenta que ni ellos mismos creían que su carrera era tan buena como lo fue entre 1994-1997. Ahora, a mí todo eso me chupa un huevo y la mitad del otro. Las ventas y la opinión de la crítica "especializada" me interesan muy poco. Salvo sus dos últimos álbumes que no me gustan en lo absoluto, y donde aún así podemos encontrar algunos buenos temas, tanto el Standing on the Shoulder of Giants (SOTSOG, a partir de ahora) como el Heathen Chemistry me parecen buenos discos, en especial el primero. Sumemos a todo eso que Noel Gallagher, líder indiscutible de la banda y genio creador absoluto, venía de dejar las drogas (según él), no tenía el mayor apoyo por parte de sus compañeros de banda. Peor aún, durante la grabación del disco tanto Bonehead como Guigsy abandonan el grupo. Liam tenía problemas con el alcohol y drogas, y evidentemente, no aportaba ni un carajo en el proceso creativo. ¿Qué podría surgir de todo eso? Pues bien, lo que surgió fue un álbum oscuro si es que lo comparamos con los otros álbumes de la banda. Lo que surgió fue que Noel compuso las mejores letras de su carrera a mi modesto entender. Y lo que sucedió fue que Noel terminó grabando todos los intrumentos, excepto la batería. ¿Cuál fue el resultado? Un álbum de lo más interesante, con la mejor producción hasta entonces y donde se escucha, por fin, las lineas de bajo. ¡Ay, Oasis, si tan solo hubieran seguido esta línea!

Pues bien, comencemos. El disco abre con Fuckin' in the Bushes, un instrumental al estilo de Led Zeppelin, de la forma más rabiosa, con un riff con todo el aire setentero y pegajoso. La sección rítmica dándole el peso necesario. Punto en contra: se prolonga demasiado y no presenta mayores cambios. ¿Soy el único que piensa que la canción se potencia aún más en Snatch? En fin, pasemos al siguiente tema que no es nada más ni nada menos que Go Let It Out, el primer single promocional del álbum. Pues bien, simplemente me encanta. La canción comienza con un loop rítmico y la batería tocando encima, luego entra una guitarra acústica y posteriormente se une Liam. ¿Qué sucede luego? Noel pide que se una el bajo, y el bajo se une y, por primera vez en la carrera de Oasis, éste se deja escuchar. Está de más decir que la melodía es exquisita. La canción termina con un solo de guitarra cumplidor. Luego pasamos a Who Feels Love?, segundo single promocional del álbum. La canción tiene una vena más psicodélica que el corte anterior, tiene un cierto aire hindú y el sintetizador se deja escuchar. Es cierto que la canción es un poco monótona, pero la melodía llega a salvarla. De todas formas no sé si fue una buena elección como single, pero bueno, no es nada grave tampoco.

Y si ya había mencionado al sintetizador en la canción anterior, en Put Yer Money Where Yer Mouth Is éste conbra aún más protagonismo. Entiendo que mucha gente detesta este tema. Es más, yo mismo lo detestaba al principio, pero con los años llegué a encontrarle algún gusto. No es que me parezca el mejor tema del álbum ni por asomo, pero podría decir que no es tan aberrante como parece. De hecho, creo que si las guitarras tuvieran mas protagonismo, Noel le hubiera puesto más letra, no se la pasaban repitiendo la misma frase durante casi toda la canción y el approach hubiera sido un poco más duro, hubieramos tenido un tema hard rock. Lo que sí es aberrante es el tema que continúa. Parece que Noel decidió incluir un tema de Liam para darle "confianza" e incluyó este bodrio llamado Little James. Santa Madre de Dios, a este tema si no encuentro por dónde agarrarle el gusto. Es súmamente mediocre, con una melodía que en el mejor de los casos es promedio, una suerte de Hey Jude de quinta categoría. No quiero ni imaginar lo que era en su versión original. Se nota que Noel quiso pulir la canción lo más que pudo, pero bueno, por más que uno lustre la mierda, siempre será mierda.

Lo que viene a partir de acá es lo mejor del álbum. En primer lugar la oscura y psicodélica Gas Panic!, mi segundo tema favorito del álbum. Esa letra sólo podía salir de la cabeza de alguien pasando por el síndrome de abstinencia. Es el tema más largo del disco y vale la pena cada minuto que dura. ¿Ya ven muchachos? Un tema no es largo por los minutos que dura, sino por qué tan justificados están esos minutos (cof, cof, cof, Be Here Now). Esta canción tiene buena melodía, buen bajo, buena sección rítmica, buenas guitarras, buen solo de guitarra y buena letra. No hay desperdicio. Después de semejante tema, llega Where Did It All Go Wrong?, canción cantada por Noel ya que Liam jamás hubiera llegado a las notas del estribillo. La letra se encuentra entre lo mejor que escribió el sr. Gallagher durante esa época. Las guitarras tienen un gran protagonismo aunque todo se escucha claro, incluso el sintetizador que acompaña todo el tema, y en general todo el álbum. El solo de guitarra es de los mejores que ha hecho Noel, bastante agresivo para su estilo. Pero Noel aún tenía algo más por decir y nos regala Sunday Morning Call, tercer single promocional del álbum. En contraste con el tema anterior, esta canción es más pausada. Es la típica power ballad de Oasis. Está de más decir que la melodía es exquisita, más aún si va acompañada de una buena letra como es el caso. El teclado le da la atmosfera necesaria a la canción y todo transcurre de manera muy suave, muy relajante, con una estructura verso/coro/verso/coro hasta que entonces la canción explota. Entra un cambio de acordes y Noel toca probablemente uno de sus mejores solos de guitarra, con rabia, demostrando que a veces también hay que exprimir la guitarra. ¡Ay, Noel, si tan solo jamás hubieras dejado de hacer solos!

Los dos últimos tracks son polos opuestos. El primero de ellos es I Can See a Liar, una canción con un riff a lo AC/DC. Es lo más cercano que Oasis estuvo al hard rock. ¿Por qué carajos no explotaron un poco más esa posibilidad en sus trabajos posteriores? Si te gusta el rock, no hay nada en esta canción que pueda disgustarte. No es lo mejor que se haya hecho, incluso es genérica, pero vamos, ¡cómo rockea! Lo único mediocre podría ser la letra y paramos de contar. Lo que yo esperaría luego de ese quasi hard rock, es otro tema igual de fuerte. Pues no, mal, totalmente equivocado. El álbum cierra con Roll It Over, mi tema favorito del disco. ¿Creo que había dicho que Gas Panic! era el tema más largo del álbum? Pues me equivoqué, éste es el track más largo. Se trata de lo más parecido que hizo Oasis a Pink Floyd. No se lo tomen tampoco tan literalmente. Noel sigue entregando buenas letras, del mismo corte, oscuras, reclamando o reclamándose cosas, expresando incluso una suerte de decepción o desilución como en este tema... nunca antes y nunca después tan vulnerable. Las guitarras suenan cristalinas, sin esa distorsión abusiva que caracterizó a Oasis. El bajo suena clarísimo, haciendo las líneas indicadas y de la mano con la batería. El teclado da la atmósfera que la canción necesita, y Liam canta con el alma. ¡Dios mío, si tan sólo hubieran seguido por este camino!

Así es como termina esta revisión. No sé que tan confiable pueda resultar. Probablemente para un "mad fer it" de toda la vida este álbum le siga pareciendo de lo más bajo que hizo Oasis y una decepción. Por mi lado, el álbum siempre me pareció bueno y con los años me terminó gustando aún más. No es el Oasis fresco y desenfadado de los comienzos. Definitivamente si buscas algo que caracterice al sonido de Oasis la respuesta no la vas a encontrar en este disco. Sería una pésima elección para comenzar a a escucharlos. Acá no hay ganchos melódicos por doquier, riffs antémicos, solos de guitarra de la marca de Noel Gallagher o frases clichés con finales alargados cantadas por Liam. Me gusta este álbum precisamente por eso, porque Oasis necesitaba un cambio. Ya habían hecho 3 discos siguiendo la misma línea. Lo que espero de una banda es justamente eso, que digan: "ok, ya hemos hecho esto, tratemos de hacer otras cosas". No es que en este álbum hayan hecho cosas completamente diferentes. En realidad no hay nada que no sea convencional, pero para ser Oasis sí me pareció en su momento que fue un paso adelante. Lamentablemente el disco fue muy criticado por la prensa y al sr. Noel Gallagher no le gustó en lo absoluto. Posteriormente me di cuenta que ese paso adelante que representó este álbum, fue un paso adelante con el freno de mano puesto. Sigo creyendo que éste era el camino que debieron seguir. Ni modo, si bien su siguiente álbum, Heathen Chemistry, es cualquier cosa menos un disco malo o mediocre, sí creo que significó borrar lo poco que habían avanzando creativamente en SOTSOG. Volvieron a sus clichés y se repitieron.

Jet - Get Born

2010-09-28T01:26:00.010-05:00

Supongo que les extrañará que publique una entrada cuando unas pocas semanas atrás ya publiqué una. Bastante corto ese lapso en comparación con mi actividad en este blog durante los últimos dos años. Simplemente me dieron ganas de revisar el primer disco que tuviera en mis manos y ese disco fue Get Born de los australianos Jet.

¿Qué puedo decir de esta banda? Nada, simplemente la detesto porque su último álbum, Shaka Rock, es una mediocridad total. Es más, ni siquiera llega a ser mediocre, sería muy benevolente ese adjetivo. Su último álbum es simplemente una aberración. Ahora, ustedes se preguntarán por qué si tanto la detesto desperdicio mi tiempo revisando a esta banda. La respuesta es simple: esta banda me gustaba y sus dos primeros álbumes me parecían bastante buenos. No merecían el título de hitos del rock, pero eran bastante buenos. Los apreciaba aun más porque los consideraba una suerte de valuarte (junto a algunas otras bandas) del rock n roll en tiempos donde todos esos grupetes indies y sin bolas pululan como ratas en el desagüe. Sí, así es, y cuando sacaron su último álbum sentí una cierta decepción. Ni modo, nada es perfecto y el motivo de esta revisión no es la última porquería que publicaron sino su primer álbum, el hitero Get Born.

Comenzaré diciendo, si no escuchaste el álbum en su integridad, que no, no es lo que te imaginas y lo que yo me imaginaba antes de escucharlo por completo. Sí, yo también pensaba que Jet era una banda de maricas, que sus integrantes se hacían los rockeritos (cof, cof, The Killers), que tenían cero talento y que era música para acomplejados que se creían rockanrolerazos bailando Are You Gonna Be My Girl? en una discoteca con camisitas rosadas y para jovencitas "rebeldes" de 16 años. También pensaba que lo suyo era hacer baladitas pegajosas y carentes de originalidad como Look What You've Done.

Pues bien, ¡qué equivocado estaba! Una buena amiga me regaló este disco en el 2005 y no lo escuché. Pasaron algunos meses y un buen día vi el disco y dije: "bueno, les daré una oportunidad". Vaya grata sorpresa la que me llevé. Resulta que este disco es realmente bueno, fresco y entretenido. Sí, aquella banda a la que le tenía una animadversión total resultaba ser una banda que realmente rockeaba, que tenía talento y que pagaba tributo a las grandes bandas de la historia y no tenía ninguna pretensión sino tocar y rockear duro. Además de todo eso, sabían cantar y armonizar, y como resultado nos entregan un disco que no aburre en lo absoluto, sino que destila frescura por los poros.

Vayamos a lo que importa, es decir, la música. El álbum abre con un tema hecho especialmente para esto, Last Chance. La canción no dura más de dos minutos. De arranque se nota la influencia de AC/DC y los Stones. Un tema con riff pegadizos, herencia del buen Angus Young y Keith Richards. Ojo, no digo que estén a la misma altura, sólo que la influencia es notoria. La melodía en el coro es super pegajosa y te aseguro que no podrás evitar tararear ese "last chance, honey". Inmediatamente da paso al tema y single más conocido del álbum, la archiconocida Are You Gonna Be My Girl? Realmente a este tema lo pasaban hasta en la sopa. Supongo que lo quemaron peor que a Juana de Arco. Es cierto, el bajo es una copia descarada de Lust for Life de Iggy Pop y la estructura de My Generation. ¿Qué puedo decir del tema? Sólo que tal vez si lo escuchamos sin prejuicio alguno es una canción que no tiene nada de malo y puede ser entretenida. De todas formas no es de los puntos fuertes del disco. Luego de estos temas llegamos al tercer track. Se trata de la rockera Rollover DJ, canción con un muy buen riff, muy pegadizo. La melodía no se queda atrás y, como ya lo dije, es uno de los puntos fuertes. El estribillo es de esos que fueron creados para cantarlos a viva voz en un concierto. Lo único que puedo criticarle a la canción es la falta de un solo de guitarra decente. Fuera de eso, no tengo reproches hasta este punto.

Después de ese arranque riffero con tres cancion muy pegajosas y guitarras distorsionadas, la cosa se calma un poco y llegamos al otro single que se se escuchó hasta en baños públicos. Se imaginan bien, hablo de Look What You've Done. No hay mucho que decir, es una balada clásica, el arquetipo de balada que va a ser single promocional. La letra tiene alusiones descaradas a Sexy Sadie y es de esas canciones que perfectamente podría haber compuesto Noel Gallagher: letras con alusiones a canciones Beatles, estructura sencilla y de melodía pegajosa. Listo, pasamos al siguiente track, la rockera Get What You Need. Otra canción con riffs y estribillo pegajosos. Una de las cosas que me gusta (o me gustaba) de esta banda es el hecho que, aunque Nic Cester es el cantante principal, tanto el baterista y hermano de éste, Chris Cester, como el otro guitarrista, Cameron Muncey, cantan algunos temas y hacen coros de gran forma. En este tema se puede comprobar ello de manera notoria. Chris canta los versos y Nic entra con fuerza a cantar el estribillo y, claro, no nos olvidemos de las armonías de voz.

Como para variar un poco la situación, llegamos a Move On, una suerte de balada acústica muy buena donde Chris Cester sigue a cargo de la voz principal y su hermano Nic armoniza en los coros. Ciertamente me sorprendió bastante encontrar un tema así en el álbum. Me sorprendió y de buena manera. Demuestra que pueden desenchufar sus instrumentos y salir airosos con buenos resultados. Para seguir manteniendo la situación tranquila, estos cuatro individuos nos regalan otro medio tiempo, pero en esta ocasión conectan sus instrumentos. Radio Song es ciertamente uno de mis temas favoritos del álbum. La melodía del coro es exquisita, imposible que no se quede dando vueltas en la cabeza. No es una melodía melosa para nada como puede ser Look What You've Done. En esta canción recurren a la vieja formula de guitarras distorsionadas que contrastan con el piano y guitarra acústica de los versos. Pues en este caso les resulta y muy bien. Para el outro recurren también a los clásicos na-na-na que contribuyen positivamente con la canción. Hasta ahora todo bien, Jet, sigan así.

Para mover las cosas de nuevo, nos regalan la rockera Get Me Outta Here, un tema corto, con la misma formula de Get What You Need o Roll Over DJ, es decir, riffs y melodías pegajosos. No hay mucho más que decir, un tema decente y nada más, quizás el teclado le hace bien a la canción. El siguiente track también es otro tema rockero, con la misma formula que la canción anterior, pero con un mejor resultado. Hablo de Cold Hard Bitch. Sí, es cierto, no agrego información significativa si digo que tiene buenos riffs y melodías pegajosas. Lo que sí puedo decir es que en este tema Nic Cester canta como los mil carajos. No es que en las canciones anteriores no haya cantado bien, pero en esta canción realmente canta con furia, el grito del intro es rock al 100%. El ritmo que tiene la canción invita a saltar. Seguimos por buen camino y el siguiente tema es Come Around Again, otro tema lento, con guitarras acústicas, pero con batería, bajo, teclado y guitarras electricas. Me gusta bastante, es una canción agradable, sigue la tendencia de contraste que tiene el álbum, después de ciertas canciones rockeras bajan un poco el ritmo con algo más reposado. Sin embargo, todo les sigue funcionando bien, las melodías siguen siendo buenas, los arreglos de buen gusto, la base rítmica bajo-batería de muy buen desempeño. Vamos bien, muchachos.

Entramos al bloque final, y acá aparece la única canción que realmente detesto. ¿Por qué tenían que recurrir a esto? Tan bien que ibamos, Jet. Todo el álbum, hasta ahora, había sido muy lúcido, con buen gusto, incluso hasta sus temas más conocidos. Pero bueno, no todo es perfecto. Parece que tuvieron que recurrir a lo genérico y tuvieron que incluir Take It or Leave It. Sí, ok, la canción no es una aberración, pero no me parece nada inteligente. Ya habían demostrado que se puede rockear y rockear duro con temas sin ese ritmo frenético, autómata, con más inteligencia y gusto. En fin, pasemos al tema que sigue, Lazy Gun. En este tema se recuperan del tropezón anterior, y si bien no es el mejor tema del álbum, yo sí lo considero una buena canción. En esta ocasión utilizan una fórmula inversa y comienzan con un ritmo movido y le bajan las revoluciones al estribillo, pero obviamente eso no significa que se olvidaron de las buenas melodías. Para cerrar este bloque y el álbum nos regalan Timothy, otro tema lento. Esta canción sí tiene una melodía y atmósfera más desoladora que las demás canciones lentas del álbum y se puede explicar por el tema en sí de la letra que está dedicada al hermano de Cameron Muncey que falleció antes de que éste nazca. Cameron siempre sintió que él era una suerte de reemplazo de su hermano para sus padres. No sé si es la canción ideal para cerrar un álbum rockero como éste, pero bueno, no le resta y en lo particular me gusta bastante.

Así pues, llegamos al final de otra revisión. Esta vez, y creo que por primera vez desde que creé este blog, con un álbum y una banda de este nuevo mileno. El disco en sí no tiene absolutamente nada de aberrante. Tiene buenos riffs, melodías muy pegajosas, buenas armonías, una buena sección rítmica y lo más importante, buenas canciones. Lo único que le puedo criticar es la falta de solos de guitarra, de buenos solos de guitarra. Quizás sea el único punto débil que le encuentro. Ok, los temas no son para nada extraordinarios, no presentan nada nuevo y con casi toda certeza puedo decir que no llegarán a ser clásicos inolvidables del rock. ¿Eso importa? A mí no me interesa en lo más mínimo. Este álbum es ciertamente fresco, se escucha de principio a fin sin ninguna dificultad y no hay nada asqueroso para los oídos. No pretende ser un mojón cultural ni nada por el estilo, lo único que pretende es rockear sin complejos y lo consigue. ¡Ay, Jet, si hubieran seguido por el buen camino!

Megadeth - Rust in Peace

2010-09-10T03:03:00.008-05:00

¿Qué diablos hago yo revisando un disco de metal? No lo sé, simplemente ni escucho ni dejo de escuchar a una banda por pertenecer a tal o cual género, sino únicamente por su calidad musical y vaya si a este disco le sobra precisamente eso: CALIDAD. Sí, así es, y que nadie se escandalice. Este disco es probablemente el mejor disco metal que haya escuchado y que se haya creado. Y este año es su aniversario número 20, que fue celebrado con un gran tour que los trajo por esta parte del mundo y al cual fui. Así es, señores, hablo del mítico Rust in Peace. Disco que, obviamente, salió en 1990 y con el que comenzaría la época de oro de la banda. Disco con el que Megadeth tendría una formación estable por varios años, ¡y vaya que formación! Disco donde se conjuga la técnica, fuerza, agresividad y elegancia de manera perfecta. Nunca antes y nunca después el thrash metal llegó a un pico semejante y es justamente por eso que a este álbum se le considera el punto culminante del thrash.

Después de sacar tres álbumes buenos, alguno mejor que otro, pero con una trayectoria algo errática, Dave Mustaine se interna por 526928746432 vez en rehabilitación, ya que literalmente comía, tomaba, soñaba y se bañaba en drogas. Luego de salir de rehabilitación, y de despedir a Chuck Behler y Jeff Young por motivos que sólo Mustaine sabe (existen mil versiones al respecto) Dave jala a un baterista ignoto llamado Nick Menza, técnico de batería de Behler. Después de que Dimebag (sí, el mismo de Pantera) rechazara la propuesta de Mustaine para unirse a Megadeth, llega a audicionar a la banda un guitarrista de ascendencia judía, con cabello multicolor, llamado Marty Friedman. Pues bien, resulta que este guitarrista de cabello multicolor es rechazado en primera instancia por el colorado por... ¡TENER EL CABELLO MULTICOLOR! (definitivamente las drogas estaban mermando el juicio de Mustaine). Luego de unos días, Mustaine recobra la cordura y decide finalmente contratar a Friedman en lo que probablemente haya sido la mejor decisión que tomó en muchos años. Con la formación completa, Mustaine, Ellefson, Menza y Friedman se meten al estudio y nos regalan un álbum clásico, legendario, el más trascendente de su carrera, el álbum que define no sólo a la banda sino a todo un género, un verdadeo hito.

Comencemos con lo que importa, las canciones. El álbum abre magistralmente con Holy Wars... The Punishment Due. Para que lo entiendan rápidamente, esta canción es para Megadeth lo que War Pigs es para Black Sabbath, así de sencillo. La canción abre con un riff sumamente demoledor, rápido y rabioso, cortesía del colorado. Rápidamente se suma el bajo, la batería y la guitarra de Friedman. Después de un minuto, poco más o poco menos, y luego de distintos cambios de riffs, comienza a cantar Mustaine. Uno se pregunta cómo carajos hace para cantar y tocar esos riffs al mismo tiempo y sin perder una sola nota. Nadie lo sabe, sólo Dave y unos pocos privilegiados más. Luego de unos minutos vertiginosos donde las guitarras y la sección rítmica nos trituran el cerebro, la canción para y se escucha una escala oriental isorprendente, creación de aquel guitarrista de cabello multicolor que estuvo a punto de no ser contratado, ja! En acto seguido, la guitarra, el bajo y la batería aplastan nuestro cerebro cual martillo mientras Mustaine hace de mensajero de Dios y nos conduce a una sección de la canción más lenta y pesada. En esta parte es donde comienza The Punishment Due. El riff sobre el que se apoya esta parte es digno de Black Sabbath, totalmente pesado y oscuro. Marty nos deleita con dos solos de guitarra fenomenales, dándonos un adelanto de lo que hará luego en las demás canciones. Finalmente, la canción se acelera y regresa a Holy Wars propiamente dicha, con un Mustaine haciendo un solo de guitarra totalmente rabioso, furibundo y posteriormente cantando con el alma. La sección rítmica está coordinada a la perfección. Todo se amalgama de manera perfecta y la canción termina de la misma forma que comenzó, como un huracán que destruyó todo a su paso.

Luego de ese Panzer que aplastó todo a su paso, el colorado & cia no nos dan tregua y arremeten con Hangar 18, una canción cuyo tema fue sugerido por Nick Menza y la letra habla de alienígenas que supuestamente se encontrarían en una base militar llamada Hangar 18 (como si no fuera obvio) y que todo esto estaría ocultado por el gobierno de estadounidense. En fin, la letra no es precisamente lo mejor de la canción, sino la música. La canción comienza con un ritmo trepidante e hipnotizante. El coro de la canción tiene gancho y al poco tiempo de escucharlo te queda dando vueltas en la cabeza. Después del segundo coro viene lo mejor de la canción. El gran Friedman, ese mismo a quien casi no contratan, nos entrega unos solos de guitarra alucinantes. El productor le dijo: "la letra habla de alienígenas, así que haz algo que suene como proveniente del espacio", y eso fue lo que hizo Marty. No tengo palabras para describir la atmósfera que crea con esos solos. Pero esto no acaba ahí, luego de esos dos solos de guitarra de otro mundo (literalmente), entra un cambio de ritmo glorioso, de los mejores que he escuchado y entramos a la parte del duelo de guitarras: Mustaine vs Friedman. Cada uno en lo suyo, se turnan para deleitarnos, Mustaine con solos chacreros, furibundos y rabiosos, y Friedman con solos de otro planeta. En total son ONCE (11) solos en toda la canción (sí, leíste bien). Mención aparte para el bajo y la batería que son los arquitectos de toda la canción, pero en especial de la última parte. Soportan y brindan los cimientos sobre los que Dave y Marty se apoyan para batirse en duelo de guitarras.

Llegamos a Take No Prisoners, tercera canción del álbum y tal vez la más thrash del disco junto con Poison Was the Cure. Esta canción, a diferencia de las dos anteriores que tal vez podían tener melodías con cierto gancho, no tiene gancho, no tiene nada de convencional y como su nombre lo indica, sólo pretende destruirte el cerebro. La canción, como es evidente, habla de la guerra y de no tomar prisioneros y se infiere que el contexto es la Segunda Guerra Mundial. Si querias riffs raros, compases extraños y ritmos complejos, pues bien, ésta es la canción que buscabas. El bajo está más sincronizado que nunca con la batería. Cada golpe de tambor es un golpe de bajo y el intro es una clara muestra de ello. Los riff de guitarra son devastadores. Ya lo dije, esta canción sólo busca aplastarte y no dejar nada a su paso y ciertamente lo consigue. Luego de esa suerte de pandemia sonora que arrasó con todo lo que se cruzó por su camino, llegamos a la que es para mi gusto, la mejor o una de las mejores del álbum, Five Magics. Este tema presenta una estructura con numeroso cambios de ritmo y tiempo. Marty Friedman se luce en los solos de guitarra y nos deleita con unas escalas exquisitas y ciertamente exóticas que contribuyen con la atmosfera de la canción. Un poco complicado detallar parte por parte, además de que sería un tanto inútil, simplemente tienes que escucharla y comenzar a babear luego de los solos que se manda Friedman. Para cerrar este bloque de canciones menos "ortodoxas", por decirlo de alguna manera, llegamos a Poison Was the Cure, que como ya dije, junto con Take No Prisoners son lo más thrash que hay en el álbum. Mustaine simplemente quiso que un espiral de destrucción pasara por nuestras moradas y arrase con todo a su paso. Así de simple puedo describir a esta canción de ritmo frenético y donde el colorado canta y pronuncia de manera tan rápida como un ciclón.

Las siguientes dos canciones vienen a ser la prueba y el sustento de la presencia de Friedman en la banda. En primer lugar está Lucretia, una canción con una melodía más agradable a los oídos del común denominador si es que la comparamos con los tracks anteriores. La canción no presenta en sí grandes cambios de ritmo, de hecho tiene una estructura bastante convencional. Lo que no tiene de convencional es el solo de guitarra que hace Friedman. Se me escarapela el cuerpo cada vez que lo oigo. El mismo Marty declararía que es uno de los mejores solos que hizo. Es la mezcla perfecta de técnica con habilidad, simplemente celestial. El punteo con el que termina la cancion, evidentemente, no es de Marty, sino de Dave y aunque creo que hasta un sordo se daría cuenta, siempre vale la pena aclararlo. Pero si en Lucretia Friedman hace un trabajo sobresaliente, en Tornado of Souls hace un trabajo extraordinario, divino, digno de todos los elogios del mundo. Primero, y comentando un poco el tema, comienza con un intro que desde ya te avisa que se viene un clásico. La melodía durante toda la canción es genial, los riffs son perfectos y la sección rítmica proporciona la cadencia necesaria. Al margen de si te gusta o no el metal, este tema trasciende más allá de géneros y digamos las cosas como son: es un clásico, y como clásico que es, tiene un solo de guitarra memorable, al nivel de Highway Star, de Stairway to Heaven, de cualquier canción que se te pueda ocurrir. Marty Friedman nos regala probablemente el solo más antológico que haya hecho en Megadeth. Ya no se trata de si tiene solos más técnicos o más difíciles, no, no no. Se trata simplemente de un solo de guitarra de esos que se pueden tararear, que se te quedan en la mente, que desde el primer momento que lo escuchas sabes que es legendario. Es simplemente el epítome de lo que es (o debería ser) un buen solo de guitarra y es el complemente perfecto para una canción clásica.

Finzalizando el álbum en primer lugar encontramos una suerte de viñeta, Dawn Patrol. Se trata de un tema que consta únicamente de bajo, batería y la voz de Dave recitándonos cínicamente un futuro muy pintoresco, ja! esta pequeña viñeta de poco más de un minuto nos conduce al gran final de esta gran placa, el tema que le da nombre al álbum, Rust in Peace... Polaris. Tal parece que Dave andaba medio paranoico con un exterminio u holocausto nuclear que no tuvo mejor idea que construir una letra en base a un misil nuclear. Y en realidad no es una queja, ni una burla, ni una crítica, sino todo lo contrario. Escogió un tema determinado y construyo una letra bastante consistente y la cantó con una enorme melodía, con distintos cambios de tono en su voz para impregnarle un mayor o menor cinismo de acuerdo a cada parte de la canción. Comentando un poco la música, el intro de batería nos anuncia que con esta canción se acaba el álbum, pero que se va a acabar de la mejor forma. Los riffs son pesados, rítmicos, cadenciosos, incluso me atrevo a decir que son antológicos. La melodía, lo repito una vez más, es enorme, invita a cantar a todo pulmón que... ¡lancen un misil nuclear y todo este maldito planeta se vaya al carajo! Ciertamente increible, pero extraordinario.

Y así se cierra el álbum. Un álbum perverso, cínico, brillante y legendario. Si te jactas de escuchar "buena" música , entonces es una obligación que escuches este disco. No interesa si te gusta el metal o no. Este disco está más allá de eso, como cualquier disco que marca un hito en la música. Si quieres agresividad, técnica, calidad, melodías, cambios de ritmo, riffs antológicos, solos de guitarra monumentales, pero sobre todo una obra hecha con muy buen gusto, tienes que escuchar este álbum. Hasta la próxima y veremos cuando se me antoja publicar algo.

Top 10 - Bajistas

2009-08-10T13:08:00.007-05:00

Bueno, esta vez no comentaré ningún disco. No me apetece hacerlo. Hoy dije: "carajo, siempre veo rankings de guitarristas, bajistas, bateristas o lo que sea y casi nunca estoy de acuerdo, ni siquiera en líneas generales. Al carajo, haré mi ranking". Así que hoy postearé mi top 10 de bajistas. Todo esto según mi criterio, así que no espero que coincidan mucho conmigo. Tampoco espero que a mucha gente le importe.

Para elaborar este top 10, simplemente me voy a basar en mis gustos y nada más. Obviamente no encontrarán groserías como colocar a Krist Novoselic o a Sid Vicious en un top de bajistas. No merecen ni siquiera estar en un top 1000. Me basaré simplemente en cosas que cualquier persona se puede dar cuenta. No citaré a tecnicismos ni nada por el estilo, o al menos trataré de hacerlo en la menor medida posible. Sí tomaré en cuenta la influencia que tienen en el ámbito de la música, sus aportes e innovaciones y como ayudaron a que este instrumento tan menospreciado pero tan fundamental como lo es el bajo evolucione cada vez más en la forma de tocarse.

Sin más rodeos, comencemos:

1- Geezer Butler (Black Sabbath)

Sí, el buen Geezer, bajista fundador de Black Sabbath y papá de cualquier bajista de metal que se precie de serlo. Acá diré algo que a muchos no les puede gustar. Steve Harris se lleva todo el crédito que a Geezer le corresponde. Siendo Harris un buen bajista, Butler es aún mejor. Seamos sinceros, en muchas canciones Harris se limita a marcar una base durante gran parte de la cancion. Geezer simplemente destriparía el bajo en esas partes. ¿Ah, no me creen? Escuchen War Pigs, absolutamente toda la canción y escucharán lo que Geezer es capaz de hacer con cuatro cuerdas. El criterio que tiene este bajista es envidiable. Cuando debe marcar una base, lo hace sin ningun problema, como en Paranoid, Iron Man, Hole in the Sky o Children of the Grave. Cuando debe sacarle humo al bajo, también lo hace sin ningún complejo, como en War Pigs, N.I.B., Hand of Doom o Warning. Cuando las canciones necesitan todo el feeling y delicadeza posible, algo que tal vez no se exploró mucho en Sabbath por el estilo que tocan, podemos encontrar un claro ejemplo, la hermosa línea de bajo de Children of the Sea, simplemente hermosa. Este bajista lo tiene todo, agresividad y suavidad. Cubre todo a la hora de tocar, ya sea marcando una base o destripando el bajo de la forma más salvaje. Aún recuerdo la primera vez que escuché War Pigs y me voló el cerebro y lo sigue haciendo hasta la actualidad. Tal vez no sea tan técnico y rápido como Entwistle o Burton, pero ninguno de los dos tampoco lo puede superar a Geezer en tocar el bajo de una forma tan pesada, densa y contundente. Además, claro, sin Butler no hubiera existido Harris, Burton, Ellefson y tantos otros. Póngamonos en el contexto en el que apareció Black Sabbath y verán que hasta ese momento nadie, absolutamente nadie había tocado ese tipo de música. Me olvidaba, Geezer componía la mayoría de letras de Black Sabbath durante la era Ozzy y fue uno de los pioneros en usar el wah-wah para el bajo: escuchen ese solo de bajo maravilloso de N.I.B.

2- John Entwistle (The Who)

Carajo, ¡qué difícil! Créanme, dudé mucho para colocar a Geezer en el primer lugar y relegar a Entwistle a un segundo lugar. Es que simplemente este tipo tocaba como una bestia. Putéenme, lo merezco y entiendo si a muchos les indigna ver a John en el segundo lugar, pero me costó demasiado decidirme. Lo que tocaba este tipo no tenía nombre. Desde el primer álbum de The Who, Entwistle nos deleitará con su forma tan asesina de tocar. Para mi gusto, alcanzó su punto álgido en Quadrophenia. Si ya venía tocando como nadie lo había hecho antes, en Quadrophenia alcanza la perfección total. Si lo vemos tocar en cualquier video de The Who, nos percataremos que el tipo ni se esforzaba. Todo era muy fácil para él. Escuchen Live at Leeds o consíganse el DVD de Live at the Isle of Wight. Busquen en You Tube la interpretación que The Real Me en Woodstock 99. Les pateará el cerebro. Quisiera poder imaginarme cómo fue cuando salió My Generation al mercado y escuchar ese solo de bajo a mitad de canción. Me imagino que simplemente rompió esquemas.

3- Paul McCartney (The Beatles)

Si de algo estoy harto, es justamente de que Paul sea ninguneado muchas veces como bajista. OK, no es técnicamente lo que podría ser cualquer bajista de esta lista, pero lo que no tenía en tecnica lo tenía en genio. Recuerdo mucho una entrevista a Roger Glover donde le preguntaban a qué bajista de su generación admiraba. La respuesta de Glover fue mas o menos la siguiente: "No es de mi generación, pero a Paul McCartney. Él podía ser muy simple y melódico a la vez". Ah, carajo, el gran Roger dio en el clavo. Cuando aparecieron los Beatles, el bajo se limitaba unicamente al acompañamiento. Paul le da un papel más protagónico al bajo. Cambió la forma en la que se tocaba. Otro mérito, McCartney trabajaba para la canción. Sabía cuando dar un paso atrás y limitarse a acompañar y cuando entrar y tomar un papel protagónico. Tenía criterio, eso es lo más importante. Escuchen TODO el Sgt. Pepper. Son líneas de bajo simples pero hermosas, increiblemente melódicas. Nunca escuché a nadie que haga eso. En casos como esos de nada serviría hacer slapping o meter una línea rápida y asesina de bajo. Una canción como, por ejemplo, Fixing a Hole o With a Little Help from My Friends se irían directo al carajo. Por último, además del feeling que tenía, Paul podía ser muy agresivo cuando quería como en Taxman, Helter Skelter, Drive My Car o Hey Bulldog. ¿Pero alguna vez la rompió? Por supuesto, escuchen el Abbey Road en su integridad. Líneas de bajo memorables durante las 16 canciones (no cuento Her Majesty). Escuchen el Revolver completo o simplemente escuchen Rain. Si después de escuchar todo eso te sigue pareciendo un bajista de medio pelo, anda a apagar el ventilador con la cabeza.

4- Glenn Cornick (Jethro Tull)

"¿Quién carajo es ese drogadicto?" Muchos se preguntarán eso. Es nada menos que el gran Glenn Cornick, bajista de los primeros tres álbumes de Jethro Tull. Aunque la banda de Ian Anderson siempre ha tenido unos bajistas del carajo, la mayoría de fans considera a Cornick como el mejor bajista que haya pasado por Tull. Yo coincido con esa apreciación. Ese tipo que ven en la foto con todo el look de un vagabundo hippie la rompía. ¿Han visto el Rock n Roll Circus? Encima el tipo tocaba la armónica simultáneamente, ja! Bueno, comentando su trabajo con Tull, sus mejores obras, para mi gusto, fueron Stand Up y Benefit, ambos álbumes por igual. Mención aparte merece su trabajo en la adaptación que hizo Anderson de Bourée. En toda la canción las líneas son buenas, pero el solo de bajo es lo mejor. En el DVD de Nothing is Easy: Live at the Isle of Wight podemos observar a un Glenn Cornick, y en general a un Jethro Tull, en su mejor dimensión. Suenan sólidos, contundentes, todo esto gracias a la sección rítmica formada por Bunker y Cornick. Canciones como My Sunday Feeling, Nothing is Easy, To Cry You A Song, We Used to Know o For a Thousand Mothers, nos muestran a un Cornick realmente genial. Escuchen también A New Day Yesterday, de preferencia alguna version en vivo y se daran cuenta de esa línea de bajo abusiva que viene a triturarnos el cerebro y a pasar por encima de nuestros cráneos.

5- Chris Squire (Yes)

A diferencia de los bajistas anteriores y las bandas a las que pertenecen, si bien me gusta Yes, no soy precisamente alguien que podría considerarse fan. Me gusta Yes y me gusta bastante, pero no soy fan. Sin embargo, esto no impide que pueda reconocer a un bajista tan bueno como Squire. Sí, ya lo sé, esa foto te dejó estupido(a), ¿no? Pues ese es Squire, un adelantado a su época, un bajista que podía aplicar escalas barrocas en las canciónes de Yes y que podía tocar en el bajo una melodía totalmente distinta a la melodía principal de la canción. El sonido que le saca al bajo es tan particular y reconocible que aún sin saber que estamos escuchando Yes, sabes que es Squire. Esto se debe al setting que usaba el tío, una cuestión algo complicada de explicar, pero que grosso modo consiste en una bi-amplificacion. Sacaba las frecuencias graves por un amplificador de bajo y las agudas por un amplificador de guitarra. El buen Chris fue también de los primeros en utilizar efectos como el wah-wah o el trémolo para el bajo. Imposible recomendar una sola canción, pero si quieren algo para digerir rápidamente, escuchen Roundabout o en general todo el Fragile. ¿Quieren cosas más complejas? Entonces escuchen Close to the Edge o The Yes Album. ¿Tú creías que John Myung era un monstruo? Ja!, Squire se le adelantó 20 años.

6- Trevor Bolder (David Bowie, Uriah Heep)

¿Y este quién es? Pues nada menos que el bajista de David Bowie en sus mejores álbumes y el bajista de Uriah Heep desde 1976 hasta la actualidad. No es muy conocido, casi nadie se acuerda de él cuando hacen los estúpidos rankings y sí ponen a mamarrachos como Krist Novoselic. ¡Qué injusta es la vida! No interesa, Trevor, no somos la mayoría, pero sí reconocemos tu gran trabajo. Recuerdo claramente cuando escuche Electrically Driven de Uriah Heep y pensé: "¿quién diablos es ese bajista?" Busqué y di con su nombre. Recuerdo claramente el solo de guitarra de July Morning... más parece un solo de bajo. Si bien él no toco en The Man Who Sold the World, la versión en vivo que toca de The Width of a Circle es asesina. En Hunky Dory y Ziggy Stardust, las líneas de bajo son muy buenas, toca con maestría. Definitivamente fue la mejor formación que tuvo Bowie, los entrañables Spiders from Mars. Hace unos años Uriah Heep vino a Lima y cada uno de los miembros de la banda la destruyó en su respectivo instrumento. Les dejo esto para los que quieran ver al buen Trevor en acción: July Morning en vivo, The Width of a Circle también en vivo y una presentacion de Starman en TOTP

7- John Paul Jones (Led Zeppelin)

A este sí todos lo conocen, si no, mátate porque has vivido en una burbuja todo este tiempo. El gran John Paul Jones, un músico que se ganaba la vida en los 60's como arreglista y músico de sesión de otras bandas. ¿Se acuerdan de She's a Rainbow de los Stones? Ya, pues John hizo el arreglo de cuerdas de esa canción. Se ganaba la vida de esa forma, como arreglista de cuerdas, tocando el bajo o como director musical. Eventualmente se cansó, conoció el proyecto que estaba montando Jimmy Page y el resto es historia conocida. El sr. Jones, para mi gusto, nos deja la mejor muestra de lo que es capaz de hacer en todo el fabuloso Zeppelin II. Entre los puntos más resaltantes está el bajo de What Is and What Should Never Be, simplemente sublime, pero no, a John Paul Jones se le dio por hacer una mejor línea, de otro mundo, con solo de bajo incluido. Sí, se imaginaron bien, The Lemon Song. Si eso no les parece algo de otro mundo creo que deberían sacar cita con un psiquiatra. Bueno, pero el trabajo de John Paul Jones no se limita únicamente al Zeppelin II, hay muchas otras canciones donde hace un trabajo magnífico como en Achilles Last Stand donde toca un bajo de OCHO cuerdas. Sí, leiste bien, O-C-H-O. Sin dudas un genio y no podía faltar en esta lista.

8- Dennis Dunaway (Alice Cooper)

Otro de los que usualmente son olvidados. En fin, de más hacer higado por cosas así. Comentando ya la obra del gran Dennis, tengo que decir que este tipo co-escribió muchos temas con Alice Cooper. Su forma de tocar tenía toda la influencia del blues y el jazz e incluso toques latinos. Destaca bastante su trabajo en el bajo en el clásico álbum School's Out. Esa línea de bajo de Blue Turk tiene toda la onda jazzera, un gran trabajo de la sección rítmica. Ese intro de Gutter Cats vs The Jets es propio de un genio, en realidad toda la línea de bajo es una genialidad. El bajo agresivo de la viñeta Street Fight tiene la atmosfera de lo que representa ésta. A mi criterio, lo que hace tan bueno a Dennis es el sentido que tiene de melodía. Al igual que McCartney, podía ser muy simple y melódico a veces como por ejemplo en Public Animal #9 ó en la misma School's Out. Otros temas para resaltar podrían ser Halo of Flies o Dead Babies del Killer. En realidad son muchos temas donde toca de forma magistral. Únicamente estoy mencionando algunos temas de dos álbumes que son mis favoritos, pero hay otros tantos del Love It to Death, Easy Action, Billion Dollar Babies, etc. Si no has escuchado nada de Alice Cooper, consíguete algun álbum de los que he mencionado y luego dame la razón.

9- Roger Glover (Deep Purple)

Glover no podía faltar en mi top 10 de bajistas. Lamentablemente en la producción de Purple el sonido del bajo no destaca mucho que digamos, es más, es casi imperceptible en muchos casos y eso juega en contra de la reputación de Roger como bajista. Tengo que reconocer, yo juraba que muchas veces se limitaba a marcar las notas muy conformista él. Cuando los vi en vivo hace unos años me di cuenta de lo equivocado que estaba. Roger Glover es un bajista de los mil carajos. Escucharon el Machine Head, ¿cierto? (Si no lo has hecho, suicídate, no tienes perdón de Dios, jo jo jo) Pues luego de escuchar Pictures of Home me quedé horrorizado, ja! ¡Qué abusivo!, ¡qué conchudo!, ¡qué solo de bajo para más asesino! Muchos otros temas tienen lineas de bajo que lamentablemente casi ni se perciben. ¿Me creerían si les digo que Highway Star tiene un bajo de los mil carajos? No estoy hablando sandeces, ¡lo tiene! te van a faltar dedos para tocarla y hacer las ascendentes que hace Roger. Otros temas para resaltar son Speed King, Bloodsucker o Flight of the Rat del In Rock; Fireball o Anyone's Daughter del Fireball. En fin, sólo estoy mencionando los primeros temas que se me vienen a la mente. Hay tantos otros. Y pensar que cuando entró a Deep Purple en un principio Blackmore lo puso en periodo de evaluación durante un tiempo sin que Glover lo sepa. ¡Qué descarado!

10- Cliff Burton (Metallica)

Ya, ya, no lloren los metaleros, obviamente el buen Cliff no podía faltar. Que aparezca en el puesto 10 de mi lista no significa que Cliff sea peor que los arriba mencionados. Para empezar, después de los 2 primeros, el orden de los siguientes pudo haber sido cualquiera y me habría dado totalmente igual. Básicamente está todo armado a mi gusto sin que eso signifique un carajo, así que Cliff pudo haber estado en el puesto 3, en el puesto 6 o en cualquier otro. Bueno, basta de todo este floro. Comenzaré diciendo que Cliff me parece el mejor bajista del metal como tal (no cuento a Geezer como metal en sí). Metallica no me gusta más de lo que me gusta Priest, Maiden, Megadeth o Slayer, pero Burton trapea el piso con cualquiera de los bajistas de esas bandas sin que ninguno de ellos sea precisamente malo. Bueno, Araya tal vez sí lo sea, jo jo jo. Para mi gusto, el bajo de Cliff merece más protagonismo en el sonido de Metallica. Sí, más protagonismo aún. Lamentablemente sólo nos dejó 3 álbumes grabados. Bueno, ya comentando lo que nos dejó, en Kill' Em All nos dejó un instrumental que no es otra cosa que un solo de bajo totalmente asesino, esquizo, patea-rostros, tritura-cerebros. Hablo de Pulling Teeth donde Cliff utilizó el wah-wah y otros efectos. Ese tipo estaba loco. ¿Cómo diablos se le ocurrió algo asi? ¡Enfermo! Según mi criterio, la distorsión hace que la capacidad de apreciación hacia la canción disminuya, sobre todo al comienzo, pero bueno, la producción del álbum en sí no es la mejor. En Ride the Lightning podemos encontrar ese intro de For Whom the Bell Tolls. Ese intro que parece de guitarra en realidad es el memorable bajo de Cliff con una serie de efectos. Y bueno, finalmente en Master of Puppets, obviamente, y como no podía ser de otra manera, tengo que mencionar la preciosa Orion. Cliff no sólo podía destripar el bajo, también podía acariciarlo. En fin, no hay mucho que pueda decir que ya no se haya dicho del buen Burton y obviamente no podía faltar en mi top.

Para cerrar esta entrada que de por sí es bastante larga, quiero dejar bien en claro que no pretendo ser dueño de la verdad. He hecho este ranking según mi gusto y mi apreciación de las cosas, según mi forma de entender la música. Cada uno tendrá su propio ranking, por ello no pretendo que coincidan conmigo. Sólo quise sustentar cada elección que tuve y no hacer una lista sin ningún tipo de explicación o con un remedo de justificación que más suene a burla que a otra cosa (cof, cof, Rolling Stone, cof, cof, NME). Obviamente muchos bajistas se quedaron fuera como Tony Levin, Steve Harris (sí, me parece un muy buen bajista aunque pareciera lo contrario), Mike Rutherford, Greg Lake, Tim Bogert, Mel Schacher, Jack Bruce o John Gustafson. Se me van de la cabeza otros nombres, pero créanme, todos los que puse ahí podrán estar o no en los rankings de cada uno, pero nadie podrá negar que son buenos. Si no los han escuchado, hay muchos nombres de álbumes o canciones que he citado como ejemplo y que bien podrían conseguir... ¡vamos!, no nos hagamos los santos, todos bajamos música de la forma más ilegal, ja! Si no les gusta lo que bajaron, simplemente lo borran y listo, no pasó nada. Eso sí, al menos traten de comprar el disco original (en físico y no descargas legales que es una metida de rata) si les agrada algún álbum. Al menos eso hago yo.

Phenomenon

2009-05-13T18:59:00.011-05:00

Oh, oh, oh, después de mucho tiempo sin actualizar, finalmente este blog sale del estado de hibernación en el que se encontraba. Y claro, qué mejor forma de hacerlo que revisando un DISCAZO. Sí, sí, así de categórica es mi afirmación. Este discazo se llama Phenomenon y pertenece a una BANDAZA llamada UFO. Lamentablemente, cuando hablamos de hard rock, la gente tiende a pensar en Led Zeppelin, Deep Purple o AC/DC; incluso algunos lo relacionan con Guns 'n' Roses y bandas por estilo de los 80's. En fin, una pena que esta banda tan genial ni siquiera sea mencionada. Pero bueno, el hecho de que no sea tan conocida no significa que no sea buena. UFO es una banda tan influyente en el rock que artistas como Dave Mustaine (Megadeth), Mike McCready (Pearl Jam), Steve Harris (Iron Maiden) o Kirk Hammett (Metallica) mencionan entre sus principales influencias.

En el párrafo anterior mencioné la palabra hard rock, y claro, definitivamente UFO está asociado directamente al hard rock, de hecho, lo son sin duda alguna. Pero lo interesante es que esta banda no comenzó haciendo hard rock precisamente. No, no, no, en lo absoluto, UFO comenzó haciendo un rock n roll con harta influencia de rock espacial como se puede apreciar en su primer disco llamado UFO 1 (1970), muy buen disco por cierto. Ahí encontramos un rock n roll con bastante sabor a rock espacial. Algunos tracks incluso me recuerdan a temas como Lucifer Sam de Pink Floyd. Nótese que no digo rock espacial propiamente dicho, sino rock n roll con influencia de rock espacial. En su segundo disco, parece que Phil Mogg, vocalista del grupo, y sus amiguitos comenzaron a darle muy fuerte al LSD, y otros ácidos, y sacaron un disco súper espacial llamado Flying (1971). El nombre no pudo haber estado mejor escogido. Los tipos definitivamente estaban volando por los techos de sus casas de tanto ácido lisérgico que ingerían. Acá sí hablamos propiamente de rock espacial. Canciones de hasta 26 minutos son una buena prueba de ello.

Pues bien, parece que a UFO le fue mal en ventas en el Reino Unido y deciden sacar un álbum en vivo, pero únicamente en Japón donde si tuvieron éxito, al igual que en Alemania. Es precisamente en Alemania donde UFO se encontraba a punto de iniciar una gira en 1973. El guitarrista de la banda en ese entonces, Bernie Marsden, olvidó su pasaporte y no pudo llegar a Alemania a tiempo para el primer concierto. Es en la prueba de sonido donde los miembros de UFO convencen a Michael Schenker, guitarrista de Scorpions, quienes se encontraban en el mismo lugar haciendo prueba de sonido, que se les una para la presentación que iban a dar por la noche. Al poco tiempo Schenker se une a la banda como miembro oficial y le dan una patada en las cuatro letras a Marsden. Este es el punto de quiebre para UFO. A partir de ese momento la banda ganaría reconocimiento internacional. A partir de ese momento la banda pasa a convertirse en hard rock por excelencia y el primer álbum que sacarían con Schenker es el que me toca revisar a continuación.

Luego de semejante floro, pasemos a lo que nos importa: la música. Pero antes de eso, sólo diré que la formación de la banda para este disco era Phil Mogg (voz), Michael Schenker (guitarra), Pete Way (bajo) y Andy Parker (batería). Listo, comencemos. El álbum abre de muy buena forma con Too Young To Know, tema compuesto por Phil Mogg y Pete Way. Definitivamente no es el mejor tema del álbum, pero vaya si es una buena canción. Es tal vez una de las canciones del disco de corte más pop, pero repito, es un muy buen tema. Michael Schenker comienza a lucirse desde esta canción hasta el tema que cierra el álbum. Los arreglos que realiza son simplemente perfectos. No les falta ni les sobra nada. La melodía es easy-listening, muy agradable. Luego de tan formidable tema de apertura, viene Crystal Light, compuesto por Mogg y Schenker. ¿Qué puedo decir de esta canción? Nada, que simplemente me encanta. Tiene un aire más melancólico a diferencia del tema anterior. La melodía es sublime, por decirlo menos y las armonías excelentes. Si todos los vellos del cuerpo no se te ponen de punta al escuchar esta canción es porque no eres humano. El solo que ejecuta Schenker está provisto del feeling necesario. Es un solo en su justa medida, ni muy largo ni muy corto. Van dos temas y por el momento no hay nada que me obligue a bajarle puntos a esta placa.

La canción que viene a continuación es un clásico de la banda. Hablo de la genial Doctor Doctor, también de la autoría de Mogg y Schenker. Otro rock de la gran puta que nos regala esta gran banda. La melodía es exquisita. Tiene gancho, tiene fuerza, ¿qué más se puede pedir? Bueno, yo sólo le hubiera pedido a Schenker que nos regale un verdadero solo de guitarra a la mitad de la canción. Pero bueno, eso se ve compensado con el magnífico intro a dos guitarras que hizo. Todo comienza suave, uno esperaría una canción como el track anterior, pero no, a Schenker y sus amiguitos les llegó al cuete y decidieron rockear como la puta madre y el resultado es este clásico del rock. Sin embargo parece que estos tipos no estaban dispuestos a bajar la guardia ni un maldito segundo y nos siguen entregando temazos. Viene Space Child, otro tema cuyos créditos nuevamente van para Mogg y Schenker, como en la mayor parte del disco. Se trata de una canción más lenta y de un corte más blues que las anteriores. Mogg canta de forma desgarradora. La atmósfera que crea la guitarra del buen Schenker es simplemente todo. Dios, en este momento escucho ese solo de guitarra y es simplemente de otro mundo. Este tipo es un genio sin duda alguna. Esto es saber tocar con propiedad, con criterio, con feeling, con genio. Si ese punteo durara 10 minutos no me incomodaría en lo absoluto. Definitivamente esta canción está entre mis preferidas del disco. Finalmente, llegamos a la canción que cerraba la primera cara, Rock Bottom. Parece que nuevamente a Mogg y cia les llegó al cuete y decidieron rockear de la forma más rabiosa que pudieron. ¿El resultado? Este rock de la grandísima reputa madre. Mogg canta realmente con fuerza, de la forma más ruda que pudo. Schenker se manda con un SOLAZO de guitarra. Hay que reconocerlo, el tipo sabe cómo rockear. Sólo tengo dos críticas para esta canción. La primera está referida a la producción. Me parece que, hasta este punto, el álbum estaba producido de los mil carajos, pero acá la distorsión me parece un poco excesiva. Con una distorsión más focalizada, como en Doctor Doctor, me hubiera sonado mejor. La segunda observación que tengo está referida a la extensión de la canción. Me parece que le sobra un minuto. No obstante, no le quitaré punto alguno por estos dos motivos ya que no llegan a saturar.

La segunda cara del disco abría con Oh My, tema compuesto por los cuatro miembros de la banda. Junto con Too Young To Know, me parecen los temas con corte más pop del disco. La melodía, en especial la del estribillo, tiene gancho, hay que reconocerlo. Se te queda dando vueltas ese "oh my, oh how the times have changed". Antes de pasar al siguiente tema, quiero aclarar que al decir que este tema y Too Young To Know son de un corte más pop que el resto no significa que sean pop. No hay nada más lejos de la verdad. Son rock, en especial Oh My, pero son easy-listening. Bueno, dicho esto, pasemos al siguiente tema del disco. Llegamos a Time On My Hands. Dios, estos tipos sí que se mandaron con un álbum realmente redondo. El nivel se sigue manteniendo. Cada tema tiene un matiz distinto y todo cuadra a la perfección. En esta ocasión se trata de un tema más calmado, como para recordarnos que Mogg, Schenker, Parker y Way son músicos de verdad y tienen la habilidad suficiente para variar entre tema y tema y a la vez mantener la cohesión. Mogg comienza cantándonos con fuerza, apoyado en una guitarra acústica de fondo. Luego cuando llegamos al coro cae la batería y el bajo, y al terminar el primer coro nuevamente se callan. La fórmula se repite de nuevo hasta el tercer verso cuando Schenker nos deleita con un solo de guitarra que sabe a gloria. No se imaginan en realidad como suena. Es algo indescriptible y lo mejor que pueden hacer es escucharlo y luego darme la razón.

Finalmente llegamos a las 3 últimas canciones que cierran el disco. La primera de ellas es Built For Comfort, un cover de Willie Dixon. Como se imaginarán, la canción tiene toda la onda bluesera y eso sólo significa una cosa: Schenker destripará la guitarra de la forma más deliciosa posible. Pues sí, así es, como era de esperarse. No he escuchado la versión original, pero estoy seguro de que este cover no la desmerece. El siguiente tema y track número 9 del disco es Lipstick Traces, un tema cuyos créditos van en su totalidad para Schenker. Lo escucho y me dan ganas de llorar. Se trata de un instrumental con todo el feeling del mundo. Schenker es un genio, no hay dudas. Durante los dos minutos y pico que dura la canción el muy abusivo se la pasa tocando uno de los punteos más sentidos que haya escuchado. En la parte final del tema no se le ocurrió mejor idea que armonizar los punteos. Realmente sublime, todo en esta canción es sublime. Yo hubiera cerrado el album con esa canción, pero creo que Phil y Michael tuvieron una mejor idea y compusieron Queen Of The Deep. ¿Y qué se puede decir de esta canción? Es una maldita joya, una obra de arte. Probablemente sea mi canción favorita del disco. Mogg canta como lo mil carajos. En todo el disco lo hizo, pero creo que acá llega a su punto álgido. Parece que andaban inspirados todos porque el trabajo de cada uno de los 4 es sobresaliente. Mogg, como ya dije, canta como los mil carajos. Schenker, bueno, ya se imaginan. Pete Way se manda con unas líneas de bajo geniales, en especial en la mitad de la canción. Andy Parker marca los cambios con una justeza envidiable y marca los tiempos de mil formas distintas. Ya no me queda por decir nada más. Es en este punto donde me doy cuenta de que el álbum terminó y no hay por donde bajarle 1 solo punto, 1 cochino punto, ya, medio punto. Simplemente no hay punto débil.

Luego de leer todo lo que escribí, ciertamente me pongo a pensar si alguien creerá lo que he descrito porque se lee demasiado bueno como para ser cierto, pero increíblemente lo es. Este disco merece estar con el Zeppelin II o el Machine Head encabezando los mejores discos de hard rock de todos los tiempos y en general, los mejores discos jamás hechos. Está sin lugar a dudas en mi top ten de discos. Lo mejor que puedo recomendarte es que lo compres, pero como no lo harás, entonces consíguelo. Hay miles de páginas donde puedes bajarlo. Si te convence y un día decides comprarte un disco original, espero que éste se encuentre entre las posibles opciones por escoger.

¡Hasta siempre, Richard Wright!

2008-09-15T23:08:00.007-05:00

No actualizo este blog hace tiempo y si lo hago ahora es únicamente porque la situación lo amerita. Como muchos de ustedes sabrán, hoy, lunes 15 de setiembre, falleció Richard Wright. Éste es un pequeño homenaje para un gran músico. Como todos saben, este blog está dedicado únicamente a la revisión de discos, pero toda regla tiene excepciones y en este caso, bien lo vale. De más está decir que fue el tecladista de Pink Floyd y comentar su obra. Eso abunda en la web. Simplemente pretendo rendir homenaje a una persona cuya obra quedará por siempre como testimonio de su genialidad. Sin él, Floyd no hubiera sido lo que conocemos hoy. Sin él, Wish You Were Here no sería lo que es. Sin él, el Dark Side of the Moon no sería lo que es. Sin él, no existiría Echoes, Atom Heart Mother, etc. No soy quien para decir que Rick fue una gran persona, tampoco para magnificar su imagen, pero creo que simplemente su intachable conducta hablará por siempre por él como persona. Jamás dio una declaración fuera de lugar. No tuvo mayor ambición por el control de Pink Floyd. Siempre mantuvo un perfil bajo. Cuando comentaba algunas de sus composiciones, siempre lo hacía desde una perspectiva muy ecuánime y subvaloraba incluso su propia participación en ella. No le interesaba ganar mayor prestigio como compositor. Creo que eso dice mucho de él como persona.

Cuando una persona trasciende en el tiempo, simplemente vivirá por siempre y eso es lo que sucederá con el buen Rick. Gracias por todo, Rick. Descansa en paz. Nos encontraremos en el lado oscuro de la Luna.

Preguntando y considerando

2008-05-09T02:26:00.005-05:00

A ver, a ver, como se han dado cuenta, ya son varios meses que no publico una entrada. La causa: pereza. Sí, así de sencillo. Pues bien, tengo 2 entradas incompletas desde hace buen tiempo. Una de Pearl Jam y otra de Black Sabbath. Realmente no me provoca terminarlas. Al menos no por el momento. Así que, bueno, a ver si me motivo algo. Comenzaré por hacer una suerte de sondeo. La pregunta será la siguiente:

¿Qué disco o qué banda quisieras que revise?

Listo, ahí está la pregunta. Si tienen alguna sugerencia, me dejan un comentario y listo. Por favor, no me pidan que revise ni My Chemical Romance, ni Panic! at the Disco, ni ninguna de esas porquerías actuales que no rockean. Pídanme desde los Beatles, The Who, etc. hasta Jet o Wolfmother, es decir, rock de verdad, no música de acomplejados. Listo eso es todo.

PD: ¿Créen que debería proporcionar un link de descarga de los discos que revise?

Deep Purple en Lima

2008-02-21T02:45:00.004-05:00

Esta vez no comentaré un disco. Esta vez, como una situación extraordinaria y que no se repetirá sino muy rara vez, dedicaré una entrada a un concierto, el concierto de Deep Purple. Sí, así es y no me lo reprochen. Los Purple simplemente la rompieron ayer por la noche. El Estadio Nacional estuvo en un 90% del aforo permitido. La gente respondió y lejos de ser el público habitualmente pasivo, no sólo cantó sino coreó los riffs de estos maestros.

Con respecto a la banda y sus integrantes, cada cual la rompió más que el otro. Gillan, el buen Ian si bien ya no canta como en sus años dorados, aún así sigue teniendo un tono más que respetable. Ya quisiera el 90% de vocalistas actuales poder cantar como Gillan de 62 años. Don Airey estuvo genial. Durante los solos que tuvo a cargo, hizo un repaso de música clásica, se animó a tocar una versión del Condor Pasa e incluso un pequeño fragmento del soundtrack de Star Wars. Realmente ocupar el puesto del gran Jon Lord no le queda grande. Con respecto a la sección rítmica, pues sigue tan vigente y efectiva como en sus dorados 70's. Tanto Paice como Glover tuvieron solos en sus respectivos instrumentos y demostraron que aún la siguen destruyendo. El bajo de Glover sonaba como los mil carajos. Sin duda se trata un bajista de los mil carajos y del que nadie se acuerda cuando se hacen los estúpidos rankings de bajistas. De Paice no hay mucho que agregar. El tipo sigue tocando como siempre, es decir, sigue siendo uno de los mejores y su solo de batería lo demostró. Muchos bateristas quisieran redoblar como Paice lo hizo con una sola mano. Y finalmente nos falta hablar del buen Steve Morse. Muchos fanáticos extrañan a Blackmore, pero si hay que ser justos tenemos que decir que Morse está a la altura de las circunstancias. Reemplazar a un genio de la guitarra como Blackmore no es fácil, pero Morse hace que parezca sencillo. Cuando tiene que darle su estilo, lo hace y cuando tiene que respetar los solos antológicos de Blackmore lo hace, como muestra tenemos Highway Star. Mención aparte merece el solo de guitarra que se mandó en The Well-Dressed Guitar, donde además hizo un repaso de los riffs más antológicos del rock. Sin duda se trata de un capo en su instrumento.

Para finalizar, y para quienes no fueron, la banda abrió con un clásico del Machine Head, Pictures of Home, y cerró con otro clásico, Black Night. El show duró dos horas menos algunos minutos e hicieron un repaso de sus legendarias canciones (Highway Star, Lazy, Strange Kind of Woman, Hush, Smoke on the Water, etc) así como de su último material, Rapture of the Deep. Creo que sería redundante decir que fue una lección de lo que debería ser el directo de una banda. Sin duda alguna podría ser el segundo mejor concierto al que haya ido. Si no fuiste... sí sabes lo que te perdiste. ¿Black Night? ¡No, Purple Night!

Waiting For The Sun

2008-01-27T18:10:00.000-05:00

Oh, qué hago yo revisando un disco de The Doors es lo que se preguntarán todos aquellos que me conocen. Pues sí, ni yo mismo lo sé. Para los que no me conocen, The Doors no está entre mis bandas favoritas. No odio a Morrison y sus amiguitos, pero no es algo que me cause placer escuchar. Y algo que parecerá más extraño es que revise este álbum, que precisamente no figura entre lo mejor que haya hecho esta banda. Pues no me importa. Total, no soy devoto de su obra, así que cualquiera de sus álbumes me da exactamente igual.

No haré un gran preludio de esta banda, pues no me interesa hacerlo. Hay gente que sabe mil veces más de ellos de lo que yo puedo saber. Yo no soy fanático de esta banda, así que sólo daré algunos detalles del álbum y listo, pasamos a revisar el contenido. Como todo el maldito mundo sabe, la banda estaba liderada por Jim Morrison (voz) y lo complementaban Robby Krieger en guitarra, John Densmore en la batería y Ray Manzarek en teclados. De los cuatro, si hay alguien que merece mi admiración, ése es el tecladista. El tipo hacía humear su teclado. Creo que después de Lord y Wright puede estar ahí entre mis tecladistas preferidos. Un maestro. Con respecto al álbum, resulta que esta placa, publicada en 1968, fue el primer LP de la banda en entrar al #1. También en este álbum encontramos el segundo single de los Doors que llegó al #1. La mayoría de sus temas fueron escritos en los primeros años de la banda. Por último, aunque cualquiera que conozca algo de The Doors debe saberlo, este álbum tiene un sonido considerablemente más pop que sus antecesores.

Bueno, bueno, vayamos al contenido. El álbum abre con Hello, I Love You. Este es el single que llegó al #1. Tiene una melodía bien pegajosa. No se puede negar, la canción tiene gancho. La melodía te queda dando vueltas en el cerebro. A mitad de canción hay un cierto cambio y la canción va ganando en intensidad. Buen tema para abrir el álbum. Definitivamente es una canción difícil de olvidar y no porque sea una obra de arte, sino por su melodía. Listo, pasemos al segundo track, Love Street. Este tema tiene un toque más blues con respecto al track interior. La melodía es definitivamente pop, aunque la considero algo floja, sobre todo en la segunda mitad. Manzarek toca de manera muy sutil y apropiada. Lo mejor del tema es el teclado sin duda. No hay mucho más que decir de este tema, excepto que fue lado-B del single Hello, I Love You, así que pasemos a la tercera canción, Not To Touch The Earth. Si no me equivoco, la letra de la canción está basada en un pasaje del poema de Morrison, llamado Celebration of the Lizard. Nuevamente el teclado es lo mejor de la canción para mí. Toda la atmósfera del tema sin duda se debe a Manzarek. La canción va ganando en intensidad gradualmente. Sin embargo, la melodía no me termina de cuadrar. La instrumentación sí me parece perfecta. Probablemente sea el tema menos pop del álbum. No es un mal tema para nada, pero sigo creyendo que le hace falta algo.

Cuando parecía que al álbum iba ganando en algo de agresividad, estos tipos nos entregan una canción bastante inofensiva. Hablo de Summer's Almost Gone. Discúlpenme todos aquellos que sean fans de la banda, pero este tema me parece de lo más estéril. OK, podrán decir que no comprendo la vibra y el feeling y la puta madre. Me vale una verga todo eso. A mí me aburre el tema. Mejor saltamos al siguiente tema, Wintertime Love. Es el tema más corto del álbum. No llega ni a los 2 minutos. Esperen, esperen. Pondré play nuevamente. Me parece que estoy escuchando el track anterior. A ver, nuevamente... play. Dios, este tema parece la continuación de Summer's Almost Gone. ¿¿¿¿Qué carajos???? Mejor le ponían de nombre "Summer’s Almost Gone (reprise)". Eso sí, el final de este tema es mejor que el anterior. Igual, no alcanza. Para mí sigue siendo un tema normalito, totalmente skipable. Bueno, bueno, ya en la mitad del álbum, llegamos al primer single del álbum, The Unkown Soldier. Este tema no entró ni siquiera al top 40 probablemente por su letra anti-Vietnam. Es considerado uno de los clásicos de la carrera de la banda. En su parte media, la canción trata de representar una ejecución. Muy probablemente sea mi tema preferido del álbum. El final de la canción supuestamente sería la celebración por el termino de la guerra.

Spanish Caravan es el séptimo track del álbum. La canción comienza con una guitarra española mandándose con unos acordes y arpegios de la grandísima puta madre. Pues bien, ese intro es nada menos que Leyenda, una pieza de música clásica de Isaac Albéniz. Oh, sí, y es genial y en general la instrumentación de toda la canción. A partir del minuto entra la voz de Morrison. Hubiera preferido que sea un instrumental. No es que la voz me desagrade, pero la instrumentación es tan buena que la melodía no le hace justicia. Luego de esta canción, llegamos al track 8 del álbum, My Wild Love. Definitivamente Morrison le estaba dando fuerte al alcohol, a las drogas, en especial a las drogas duras. ¿Qué carajo se supone que es esto? Es definitivamente lo peor del disco. Ni siquiera me gastaré comentando la canción. Ya está, haré de cuenta que no existe esta canción y pasaré a la siguiente como si no hubiera pasado nada. Ok, listo. Llegamos al track 9 del album. Hablo de We Could Be So Good Together. Al costado del tema anterior esto parece un himno creado por los dioses. Ah, no, cierto, estoy haciendo de cuenta que el tema anterior nunca lo escuché. Lo siento. Bueno, no es que We Could Be So Good Together sea un gran tema. Es, de hecho, un tema normalito, nada fuera de lo común. Continúa con la línea pop del álbum. No es una canción fea ni por asomo. Es una canción que simplemente no es ni buena ni mala. Cuando Morrison se decide a levantar la voz, los temas mejorar considerablemente. Probablemente eso le hubiera hecho bastante bien al álbum, Morrison debió rockear más.

Llegamos a las últimas 2 canciones del álbum. En primer lugar tenemos Yes, The River Knows, un tema calmado, simpático. El piano de Manzarek es perfecto. No hay mucho más que decir. Finalmente el álbum cierra con Five To One. Dicen que Morrison estaba borracho cuando grabó la voz. Y la verdad es que sí parece estarlo. Este tema también goza de un gran cariño por parte de los fans. Es sin dudas el único tema del álbum donde la guitarra tiene un papel protagónico. Ya hasta me había olvidado que contaban con un guitarrista, jo jo jo. Ahora, pare serles sincero, como es la constante en el álbum, este tema me parece de lo más normalito. No me parece que sea un clásico y definitivamente a The Doors le he escuchado mejores cosas.

OK, listo, acabamos la revisión de este álbum. Ya me estaba arrepintiendo de haberlo revisado. ¿Qué puedo decirles al respecto? Ah, sí, si van a comenzar a escuchar The Doors, creo que este álbum no es el indicado. Definitivamente sus dos primeros álbumes son superiores a éste. Ahora, yo mismo me pregunto por qué carajo reviso un álbum que ni siquiera considero el mejor de la banda. Probablemente sea porque no soy un gran devoto de esta banda. Como consecuencia, me da exactamente lo mismo revisar cualquiera de sus álbumes. Listo, se acabó. Ahora a decidir cual álbum debe ser revisado para la próxima. Acepto sugerencias.

Magical Mystery Tour

2007-12-19T00:21:00.002-05:00

¿Qué carajos es esa portada? Existe un refrán conocido que dice "No juzgues al libro por su tapa". Creo que en este caso se aplica el mismo criterio. No juzgues a este disco por su horrenda portada. Definitivamente si la viéramos muy rápidamente y de pasada podríamos suponer que se trata de un disco de Tongo o del Pumita Andy o quién diablos sabe que otro artista de la misma calaña. Definitivamente los Beatles andaban súper drogados y sumergidos en LSD para aquel entonces y creo que esta portada es un buen botón de ello. Fácilmente puede ser la portada más horrible que vi en mi vida. Pero como ya dije, no juzguemos al disco por su espantosa y pacharaquísima portada.

Corría el año 1967 y toda esta cuestión de la psicodelia estaba en su punto álgido. Los Beatles atravesaban una época sumamente creativa y en ese año sacaron al mercado 2 álbumes de gran calidad. El primero de ellos fue el mítico Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Luego de publicado semejante mojón cultural, Paul tuvo la "brillante" idea de sacar una película "divertida", sin guión y que mostraría a la banda haciendo cosas "divertidas" en compañía de gente "normal", como el tío de John, Charlie. Todos iban a ir a bordo de un bus y experimentar aventuras "mágicas". Pues bien, esa película es un bodrio. A Paul le salió el tiro por la culata y cualquier persona, que no se crea un pseudo-artista incomprendido, nacido 30 años después y perteneciente a la psicodelia, se daría cuenta que la película es de lo más aburrida y retorcida, en conclusión, un sinsentido total. Mucho LSD les había afectado el cerebro. Mi recomendación: NO VEAN ESA PELÍCULA y si lo hacen porque les interesan mucho los Beatles y quieren ver, oír y tener todo lo que publicaron, como yo, sólo véanla una sola vez. Si quieren ver los videos de las canciones, simplemente vayan al capitulo correspondiente y listo. No pierdan su tiempo. Les aseguro, no se pierden de nada indispensable e interesante.

Aja, eso es la película mas no el soundtrack que es este álbum. Primigeniamente se publicó como doble EP, en Inglaterra y, en Estados Unidos, se publicó como LP y se le agregaron temas en la segunda cara que eran nada menos que singles de la época y sus lados B. Como ya dije, el contenido del disco es diametralmente opuesto a la película. Lástima que tan buena música sea el soundtrack de semejante filmsucho. En fin, revisemos el contenido. Si la película es totalmente prescindible, el disco por el contrario, es totalmente una obligación escucharlo. Este año el álbum cumple 40 años de su publicación y desde aquí mi pequeño homenaje. Y aunque es un álbum que siempre ha estado a la sombra del Sgt. Pepper, es tan bueno como el disco del Sargento Pimienta y su club de los Corazones Solitarios.

Bueno, comencemos a revisar el contenido. El disco abre formidablemente con uno de los mejores temas en la historia para abrir un álbum, Magical Mystery Tour. Es un tema bien rockero, con harto gancho y de clara influencia psicodélica. La canción fue escrita en su mayoría por Paul y cuenta con trompetas y percusión adicional. Definitivamente es una canción creada exclusivamente para abrir el álbum y bajo la perspectiva del proyecto en cuestión. Luego de este tema viene un verdadero clásico. Hablo de The Fool On The Hill, canción también escrita por Paul. El tema está totalmente construido sobre la base del piano y además cuenta con flautas. La canción tiene una melodía como sólo los Beatles podían crear. Durante todo el tema corre una especie de aire melancólico. En fin, luego de ese clásico viene Flying, un tema en el que figuran los cuatro Beatles en los créditos compositivos. Es una canción que podría considerarse instrumental aunque se escuchen ciertas voces. Este tema cuenta con maracas, melotrones, loops, entre otras cosas. Sin lugar a dudas los Fab Four estaban dándole duro a los ácidos y esta canción es una prueba fehaciente de ello. Pero hay una cosa en los Beatles, o en George Martin para ser más justos, y es que siempre se las ingeniaron para hacer que las cosas funcionen. Hablo de la cohesión y solidez de sus álbumes. Es por eso que temas como éste terminan encajando dentro de un todo musical que es el álbum. Este ejemplo se verá graficado más claramente en el mastodónico álbum Blanco de 1968 en donde canciones aparentemente mediocres o de relleno terminan encajando como un gran rompecabezas y terminan siendo absorbidos, y encajados en clara armonía, por un todo superior y dentro de un contexto.

¿Dije en el párrafo anterior que Flying era una prueba fehaciente de que John, Paul, George y Ringo le estaban dando duro al LSD y otros alucinógenos? Pues después de escuchar el tema que sigue, Flying es una canción de cuna para bebés. Llegamos a Blue Jay Way, señores. ¿Qué decir de un tema como éste? Pues que George sí estaba totalmente navegando en LSD y estaba literalmente pegado al techo. La canción tiene una melodía tan hipnótica que de por sí se vuelve un trip por sí misma. La coda del tema se repite ad infinitum y nos hipnotiza aún más. Felizmente, por nuestro bienestar, higiene y salud mental, luego de esos 2 temas claramente opiáceos, sintéticos, anfetamínicos, químicos, etc., viene un cambio de aire que refresca la escucha y llegamos a la sencillona, pero no por eso mediocre Your Mother Should Know. Es otro tema escrito por Paul. Tal parece que a Paul le estaba dando algo de pereza andar haciendo letras y se dedica a repetir los mismos versos durante toda la canción e incluso se pasa la última parte tarareándola. No importa, la melodía y armonías son tan buenas que hace que nos olvidemos del zanganerío de Macca. ¿Vieron alguna vez el video de esta canción? ¿No? Bueno, mejor. Pero si Paul andaba hecho un zángano líricamente, John se mandó con un discurso de lo más largo. Señores y señoras, llegamos a un verdadero mojón cultural, llegamos al paradigma de la psicodelia. Sí, se imaginaron bien, I Am The Walrus. John contó alguna vez que escribió esta canción cuando se enteró que un profesor estaba haciendo analizar a sus alumnos las letras de las canciones de los Beatles. John simplemente se dedicó a escribir una serie de sinsentidos unidos por conectores lógicos y listo. Ahí tenía una canción que muchas personas sin vida se dedicarían a analizar y que realmente no significaba absolutamente nada. Personalmente la canción no me parece que debería estar entre las mejores de la historia como muchos sugieren. Tampoco creo que sea la mejor canción de la Banda de Liverpool, pero sin lugar a dudas es una gran canción. El tema cuenta con una producción envidiable. George Martin simplemente la rompió. La canción cuenta con unos arreglos de cuerdas exquisitos y donde queda en evidencia el genio de Martin. ¿Por cierto, alguna vez vieron el video de esta canción? ¿No? Bueno, tampoco lo vean, jo jo jo. Es uno de los videos más quemados que pueden existir. Como último dato, había mencionado que John había escrito la canción cuando se enteró que un profesor estaba haciendo analizar las letras de las canciones de la banda a sus alumnos y también mencioné que John compuso la canción en cierta forma para burlarse de todos aquellos que se la pasaban analizando sus canciones y buscando significados ocultos. Pues bien, resulta que mucha gente no se dio cuenta de la tomada de pelo de John Winston y para coronar sus interesantísimas vidas llegaron a la conclusión que Paul era la morsa... Eso era esa época, señores, eso era la psicodelia. Hasta acá llega el EP original y los temas siguientes son los lados A y B de los singles de la época.

Entramos al segundo lado del LP que abre con la archiconocida Hello Goodbye. No sé que decir de este tema. Es poco probable que exista un mortal que no haya escuchado esta canción. A ver, a ver, diré que este tema fue compuesto por Macca y tiene una orientación mas pop que los temas anteriores. Fue single de navidad y llegó al número 1 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Algo que Lennon nunca le perdonaría a Paul es que I Am The Walrus fuese lado B de este tema. El pretexto dado por McCartney y Martin fue que se trataba de una canción con una melodía más comercial, cosa que es totalmente cierta. En todo caso, entiendo y justifico completamente a John. En todo caso pudo haber sido un single con dos lados A. ¿Tengo que seguir hablando de esta canción? Como no lo pienso hacer, pasaré a la mejor canción del álbum. Sí, sí, adivinaron nuevamente. Señores, llegamos a la sublime Strawberry Fields Forever. Me atrevo a decir que los mejores temas del álbum sin lugar a dudas están a cargo de Lennon. Sí, y me pasó por la garrocha a Penny Lane y Hello Goodbye. Strawberry Fields es tal vez de lejos lo mejor del álbum. Esta canción iba a entrar en el Sgt. Pepper junto con Penny Lane, pero a último momento George Martin las dejó afuera en una decisión que posteriormente se cuestionaría. ¿Se imaginan al Sgt. Pepper con Strawberry Fields? No, yo no quiero hacerlo porque no lo creo. Simplemente mi entendimiento no llega a tanto. Bueno, bueno, volviendo a la canción. Esta canción la escribió John aproximadamente en el año 1966 y tanto en ella como en Penny Lane de McCartney hay un claro sentimiento de nostalgia por la infancia en Liverpool. El tema cuenta con arreglos de cuerdas y vientos simplemente extraordinarios. Si hay alguien que debería recibir el título de Quinto Beatle ése es George Martin. Ya para concluir con este tema, diré que la lírica es de las más sentidas por parte de John y hay referencias claras de su infancia como en el verso donde dice "No one I think is in my tree".

Entrando en el bloque final, llegamos a Penny Lane. OK, lo acepto, pareciera por lo dicho en el párrafo anterior que no me gusta este tema o que lo considero un tema inferior. Pues no, sí me gusta este tema y me gusta mucho. De hecho es de los fuertes del álbum, pero sigo considerando que Strawberry Fields Forever es el punto más alto de la placa y probablemente en toda la carrera de los Beatles. Bueno, siguiendo con esta canción, fue compuesta por Paul y fue lado A junto con Strawberry Fields Forever en el que muchos consideran el mejor single de la banda. Paul también hace referencia a su infancia durante la canción. Martin sigue hecho un demente y nuevamente los arreglos de vientos en la canción son buenísimos. Definitivamente la producción de aquel single de doble lado A es de lo mejor que se ha hecho. Ya quisiera el 90% de bandas de la actualidad tener una producción tan pulcra y trabajada como la de este single... ¡y esto fue hace 40 años atrás! Luego de ese otro himno de la banda, el nivel baja un poco con Baby You're A Rich Man. No es un bodrio, pero es un tema que si no entraba en el álbum no pasaba nada. Lo mejor de la canción sin duda alguna es el bajo de Paul. Finalmente, para cerrar el álbum, tenemos otro himno, All You Need Is Love. Esta canción fue escrita por John Lennon y fue la canción que los Beatles tocaron en el programa Our World y una salvajada de millones de personas vieron la presentación de los Beatles en directo. La canción tiene un estribillo por lo demás pegajoso. George Martin definitivamente era el loco de los arreglos y los vientos con los que cuenta la canción son fenomenales y además contribuyen a darle ese carácter de himno a la canción. "Todo lo que necesitas es amor" repetía una y otra vez John, y fue así como esta canción se convirtió en un himno del hippismo.

Bueno, señores, llegamos al final de otra revisión. Esta vez por los 40 años del Magical Mystery Tour. En sólo 6 meses los Beatles sacaron al mercado 2 álbumes asombrosos. Los Fab Four estaban experimentando una lluvia torrencial creativa. En el booklet del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, George Martin, si no me equivoco, afirma que la grabación del Sargento Pimienta tomó 129 días, probablemente los 129 días más creativos de la historia de la música moderna. Luego de escuchar el Sargento y el Magical Mystery Tour, no hay duda, no sólo fueron 129 días, fue todo ese año. Si no tienes el álbum, ya sabes que diré. Así que pídele a Papa Noel que en Navidad te regale un Tour Mágico y Misterioso por el club de los corazones solitarios en compañía del Sargento Pimienta. No hay nada mejor que escucharlos juntos.

Evolution

2007-12-15T21:42:00.001-05:00

"¿Qué carajo es esto?" Eso sería lo que muchos se preguntarán al ver el título de esta entrada. Luego de un gran periodo de inactividad y zanganerío de mi parte, decidí actualizar el blog con un gran disco de una gran banda. Señores, se trata de The Hollies y su gran Evolution. Como se imaginarán es un disco injustamente postergado y olvidado. Nadie habla de esta banda y menos de este álbum. ¿La razón? No sabría que decir realmente. Digamos que es es algo un poco incomprensible ya que se trata de una banda fundamental de los 60's y de la primera invasión británica. Es una banda fundamental y esto se debe a su gran aporte a la música pop-rock en lo que a melodías se refiere. Si no has escuchado esta banda, deberías. Sus melodías son tan buenas como la de los Beatles y sus armonías igual. ¿Ah, no me crees? Pues créeme. Este quinteto de Manchester tiene unas melodías y armonías que cualquier banda envidiaría, además el vocalista es un fuera de serie. Hoy en día cualquiera se hace llamar cantante. Después de escuchar a Allan Clarke, uno se da cuenta lo que es cantar realmente, lo que es saber cantar, saber interpretar un tema. Por último y para cerrar este primer párrafo introductorio y pasar al contenido, diré que la banda ha tenido numerosas formaciones lo largo de su carrera, pero para este álbum de 1967 estaría compuesta por Allan Clarke en la voz, Graham Nash en la guitarra y voces, Tony Hicks también en guitarra y voces, Bernie Calvert en el bajo y Bobby Elliott en la batería.

Listo, comencemos con el primer tema del álbum, Then The Heartaches Begin. Cuenta con una guitarra acústica como base, además de las maracas. De arranque la banda nos dejará en claro que lo suyo son las melodías pegajosas e irresistibles acompañadas por melodías igual de fantásticas. El verso va ganando en intensidad conforma se va acercando al estribillo. El estribillo es un gancho melódico puro. Probablemente en la mitad de la canción se pudo hacer algo mejor y poner un solo de guitarra verdadero, pero bueno, les paso por alto esto únicamente por la melodía. El segundo tema del álbum es Stop Right There. Esta canción está entre lo mejor del álbum a mi gusto. Es una canción básicamente acústica con bastante influencia folk. El adjetivo que mejor se ajusta a este tema es hermoso. La melodía es suave y cálida, es simplemente una melodía de otro planeta. Las armonías son perfectas. La parte central cuenta con un solo de violín precioso que me hace recordar bastante al Revolver. No hay forma de cansarse de esta canción. Pero la avalancha de ganchos melódicos no se detiene y continúa con la tercera pieza del álbum, Water On The Brain. En este tema la sección rítmica cumple un gran papel. Comienza con un ritmo acelerado de percusión para posteriormente pasar a un ritmo más cadencioso que sirve como entrada a la melodía. Y se nota que estos tipos no sabían hacer melodías mediocres porque desde que entra a cantar Allan Clarke se mandan con un gancho melódico superlativo que se ve aún más favorecido por la armonía a dos voces de Nash y Hicks. La parte donde repiten water on the brain es una prueba de lo que estos tipos podían hacer con sus voces. Esas armonías están a la altura de los Beach Boys. La sección media de la canción tiene como protagonista a una tuba. Tranquilamente podría haber encajado en el Sgt. Pepper. Luego de la sección media, vuelve a la figura de estribillo-verso-estribillo y la canción termina como comenzó. Ahora, si mi descripción les da la idea de que se trata de canciones largas, están equivocados. Ninguna canción de las 12 canciones que componen el álbum pasan de 3 minutos, excepto una de ellas que llega a los 3:10 minutos.

El cuarto track del álbum es Lullaby To Tim. Se trata de una canción muy tranquila que contrasta con los ganchos melódicos y ultrapegadizos del tema anterior. La voz de Clarke presenta un efecto que va muy acorde con el tema y contribuye a zambullirnos en el mundo de los sueños. Toda la canción es un paisaje onírico. Nuevamente la sección de cuerdas de la mitad aporta mucho a la canción, la embellece aún más. Luego de esta gran canción, viene Have You Ever Loved Somebody. Yo le encuentro gran parecido al primer tema. Esta vez encontramos una guitarra distorsionada de fondo y que además proporciona los arreglos entre versos. Lo que me doy cuenta ahora es que no he mencionado hasta ahora el trabajo del bajo. Pues las líneas que se manda Calvert son muy buenas, trabajan para la canción y calzan perfectas. Obvio que todo esto está sincronizado con la batería de gran forma. Para variar, los ganchos melódicos los encontramos a lo largo de toda la canción. El trabajo de Clarke en la voz es impresionante (¡vaya novedad!) y las armonías de Nash y Hicks no se quedan atrás (otra novedad). Sin embargo, aún mejor será el trabajo de estos tres en el siguiente tema, You Need Love. Clarke deja simplemente que su voz salga, haga todo el trabajo y nos deleite. Nash y Hicks nuevamente están a la altura. Realmente comienzo a sentir impotencia por no poder expresar en palabras lo grandioso que es el despliegue vocal de estos tres. Yo compararía simplemente la forma de cantar de Clarke con Sinatra y es algo que será más notorio años después cuando cante temas como The Air That I Breathe o He Ain't Heavy, He's My Brother. Por cierto, el solo de trompeta a la mitad de la canción cae perfecto. Usualmente estaría reclamando por solos de guitarra, pero en este álbum los diferentes instrumentos que utilizan están incluidos con tan buen gusto que me importa un carajo si no hacen un cochino punteo.

Ya entrando a la segunda mitad del álbum, llegamos a Rain on the Window, el único tema que pasa los 3 minutos de duración. Es otro tema mas pausado y de un corte no tan alegrón como Water on the Brain o Then The Heartaches Begin. El tema comienza de arranque con las voces. Primero los tres en armonía cantando de manera muy suave y melódica. Posteriormente entra un cambio y Clarke queda solo en la voz, pero no será por mucho tiempo ya que Nash y Hicks armonizarán oportunamente. Luego del solo de ¿trompeta?, para no desentonar con el resto del disco, llegamos a una sección tarareada, "pit-ter, pat-ter", para luego entrar a una parte más compleja en cuanto a armonías se refiere. Estos tipos estaban en su pico creativo sin duda alguna. Cada canción de este disco presenta cambios melódicos notables e ideas nuevas con respecto a sus álbumes anteriores. Las secciones instrumentales están a la altura de las de Martin con los Beatles. Luego de este notable tema llegamos a Heading for a Fall y, sí, adivinaron, el nivel no decae. Es una canción exquisita. Las líneas de bajo son estupendas. Las melodías y armonías ni que decir, sorprendentes y para muestra de que estos tipos estaban en su pico creativo, en este tema utilizan el banjo y el clavicordio. Cada canción tiene una identidad propia, pero guardan una cohesión entre ellas como para que el conjunto de ellas haga un álbum sólido. En cada canción los diferentes instrumentos utilizados en todo el álbum están ejecutados con buen gusto, con sobriedad.

OK, basta de tantas flores y pasemos al siguiente tema. Llegamos al track número nueve del álbum, Ye Olde Toffee Shoppe. Este tema parece sacado de los bosques británicos. Nuevamente el clavicordio aparece en este tema. Para enterarme de que instrumento se toca en el solo tuve que averiguar y las fuentes más confiables indican que es un laúd. Probablemente este tema sea de los más bajos en todo el álbum y aún así no tiene nada de malo. Luego de ese número sacado de los bosques, los Hollies nos vuelven a dar una canción con gran gancho melódico. Hablo de When Your Light's Turned On. El verso tiene una melodía cumplidora, pero estos tipos se les ingeniaban para incluir unos juegos de voces asombrosos y cuando la cosa amenaza con volverse repetitiva, meten un cambio melódico notable. El penúltimo tema del álbum es Leave Me. Este tema es re-beatle. El bajo es McCartney y cualquier bajo que suene McCartney es bueno. De las melodías ya no sé realmente que decir. Estos tipos eran los locos de las melodías. Prefiero creer que a esta altura de la revisión ustedes ya asumieron que las melodías y armonías son de otro planeta y que hablar de ellas es redundar en el asunto. Mejor, y como un elemento que aporta más información, diré que el tema cuenta con un Hammond que le da un cuerpo diferente al resto de las canciones, además el Hammond se manda con un solo por la mitad de la canción. Finalmente, el álbum cierra con Games We Play. Se trata de otra canción con ese estilo Hollie sesentero y a la vez tan reconocible y propio de esta banda. Los tipos se cagaron en los solo de guitarra durante todo el álbum y para no desentonar, esta vez los solos son de trompetas. Los ganchos melódicos siguen presentes en este tema. No se trata del mejor tema del álbum, pero es un buen tema para cerrar.

Y así, luego de dos meses de no revisar ni un carajo, llegamos al final de otra revisión. Esta vez de un disco indispensable de esa gran década que fueron los 60's. Se trata, como ya dije al principio, de un disco indispensable para entender lo que fueron esos años y también un disco indispensable para entender la contribución de los Hollies en materia de melodías y armonías a la música popular. Mejor nombre no pudo haber tenido este álbum: Evolution. Definitivamente es una evolución en lo que venían haciendo. Si bien ya venían evolucionando y prueba de ello es For Certain Because del año anterior, este disco representa, a mi gusto, el punto más álgido en su carrera. No soy un especialista en lo que son The Hollies, pero para mi modesto entender, este disco podría ser tranquilamente lo mejor que sacaron y entre las joyas, en este caso perdida, de los 60's. Sinceramente es una banda a la que le guardo mucho cariño y este álbum está entre mis preferidos. Si te gusta el Revolver o el Rubber Soul, definitivamente este disco te va a gustar.

In Utero

2007-10-10T20:24:00.002-05:00

- Revisa algo de Nirvana.
- ¿Nirvana, mmm, tú crees?
- No revisas mucho últimamente. Estás hecho un vagazo.
- Mmm, pero revisé a Jethro Tull y a Bowie últimamente.
- Lo de Bowie fue hace 3 semanas.
- Tienes razón, estoy hecho un zangano.
- Completamente.
- Ok, revisaré a Nirvana.

Exactamente eso fue lo que hizo que decida revisar a Nirvana. Conversando hace unos días con un amigo por el Messenger, me sugirió que revise a esta banda infravalorada por muchos y sobrevaluada por muchos más. Ok, obviamente no iba a revisar el Nevermind. Al menos aún no. Si quieren saber algo del Nevermind, no es para nada difícil encontrar millones de revisiones en la web. Es por eso que decidí revisar In Utero. No es que no se encuentren revisiones de In Utero en la web, pero digamos que más abundan las del Nervermind. Francamente no sabía si revisar Incesticide, In Utero o Bleach. El primero en descartar fue Bleach y finalmente tenía dos albumes que me gustan por igual. Finalmente opté por In Utero por tratarse de un álbum genuino: Incesticide recopila lados-b y rarezas.

Con respecto a Nirvana, no hay mucho que agregar que ya no se haya dicho. Fueron los responsables de mandar al carajo al hair-metal y al pop ochentero con Michael Jackson a la cabeza. Las cabezas laqueadas y sacos con hombreras se fueron directo al tacho y las letras machistas del tipo "conquisto chicas, me drogo, tomo en exceso, vivo la vida loca y soy un rockstar" desaparecieron, al menos por un tiempo. Si hay algo que le tengo que agradecer a Nirvana es precisamente eso. Y no sólo yo, sino todas las bandas que entraron colgados de su saco al mainstream, léase Pearl Jam, Soundgarden, Alice in Chains, Smashing Pumpkins, etc, etc, etc. Si no fuera por Nirvana y su bendito Nevermind, no conoceríamos a las bandas que mencioné y que no he mencionado, pero que saltaron a la luz en los 90's. Agradezcamos a Kurt y sus compinches que Michael Jackson y su Dangerous salieron del número 1 del Billboard y nunca más se recuperó de esa caída. Así es señores. Un power trio de Seattle, con ropas andrajosas y cabellos asquerosos, sacaron del número 1 a Miguelito Jackson. Ahora, dicho todo esto, como se imaginarán, viene algun tipo de crítica de mi parte. Este pobre diablo, que osa comentar discos, prefiere a Alice in Chains y a Pearl Jam por sobre Nirvana, en especial a la primera de ellas. De que Nirvana es un referente obligado de los 90's y tal vez su máximo exponente, no se puede discutir, nos guste o no. Pero en lo que es calidad, elaboración, entre otras cosas, sí puedo discutirlo. No pretendo convencer a nadie de lo que creo, así que no expondré al respecto. Otra cosa, detesto ver a Kurt en un ranking de mejores guitarristas. ¡Cómo puede ser posible que Kurt figure dentro del top 20 de los mejores guitarristas elaborado por la Rolling Stone y sin embargo ver a Tony Iommi 20 puestos más abajo, incluso al mismo George Harrison! Eso sí es una locura. No se trata de ténica, sino todos los guitarristas metaleros que tocan 20 mil notas por segundo deberían estar en los primeros lugares. Pero Kurt no es ni por asomo un guitarrista decente. En fin, dicho todo esto, pasemos a la música.

El album abre rabiosamente con Serve the Servants. Esta canción nos mostrará de arranque de lo que se trata el álbum: distorsiones abusivas, lineas vocales infecciosas, una atmósfera depresiva y sofocante a más no poder y letras muy buenas. Si pasas por un mal momento, no escuches este álbum bajo ningún punto de vista. Bueno, bueno, volviendo al tema, se trata de uno de los mejores temas del disco a mi parecer. La letra está entre lo mejor que le he escuchado a Kurt. El solo de guitarra también está entre los mejores que le he escuchado a Kurt. La distorsión es increiblemente abusiva. El estribillo tiene cierto gancho. Yo le atribuyo esto al ritmo de la batería de Grohl. Luego de ese buen número, que abre el álbum de buena forma, pasamos a una canción que una gran parte de la fanaticada de Nirvana adora. Hablo de Scentless Apprentice. Para mi gusto, y aca me va a llover toda clase de objetos, se trata de una canción horrible. No le encuentro el gusto. La veo totalmente mediocre. La melodía es verdaderamente insufrible. El ritmo de la batería es irritante y la distorsión de la guitarra y la guitarra en sí son horrendas. Encima hay una suerte de "solo" por la mitad de la canción que es una lágrima. Este tema está entre los peores que le escuché a Nirvana y hace que le quite un punto al disco. Luego de aquel fiasco, llegamos al primer single promocional de In Utero, es decir, Heart Shaped Box. Vaya contraste con la porquería anterior. Este tema es simplemente genial. Kurt estaba totalmente drogado para elegirlo como single promocional y encima hacerle un videíto. Hasta Serve the Servant tiene más gancho. Bueno, no desvirtuaré. El tema es ultra depresivo, pero sin embargo me gusta, me agrada y bastante. La canción comienza con un arpegio oscuro, muy oscuro. Parece que Kurt lo creó en las oscuridades totales. El coro contrasta en fuerza con el verso. A pesar de que el estribillo es oscuro, tiene gancho y la melodía es definitivamente buena. Luego de este gran tema, llegamos a la cuarta canción del album, la polémica Rape Me. El título habla por sí solo. En los VMA del 92 Kurt les jugó una mala pasada a los directivos de la MTV durante la presentación de Nirvana. Los directivos querían que Nirvana toque la archi-ultra conocida Smells Like Teen Spirit y Kurt se negaba a hacerlo. Al final la banda y los directivos del canal llegaron a un acuerdo por el cual la banda tocaría Lithium. Cuando llegó el momento de tocar, Kurt comienza tocando los primeros acordes de Rape Me y a entonar las primeras líneas. No es difícil imaginarse la cara de los directivos del canal. Finalemente sólo fue una broma del buen Kurt e inmediatamente comenzó con Lithium. Bueno, volviendo al tema, se trata definiviamente un tema con una melodía excelente, pero con una letra polémica. En fin, no hay mucho que agregar al respecto ya que se trata de un tema corto que repite la misma fórmula durante sus casi 3 minutos de duración.

Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle es el quinto tema del álbum. Es otro tema que mantiene el nivel de las dos canciones anteriores. La canción mantiene la clásica fórmula de Nirvana: on-off en la distorsión. La melodía del tema es buena, para variar. Lo bueno es que la canción presenta un cambio por el minuto 2:30 aproximadamente lo cual hace que la canción no se vuelva monótona ya que dura un poco más de 4 minutos. La sexta canción del esta placa es Dumb, uno de mis temas favoritos de Nirvana en general. La versión del Unplugged me gusta un poco más aunque no hay gran variación. Este tema cae perfecto luego de tanta distorsión abusiva. Un poco de calma no le viene mal al asunto. Este tema refleja claramente lo que era la vida de Kurt por ese entonces: drogas y depresión. Es oportuno decir que la canción cuenta con un cello. Buen tema definitivamente, de lo mejor del álbum. Luego de esa canción bastante tranquila, viene otro ataque de distorsión. Llegamos a Very Ape, séptimo track del disco. Se trata de un tema de menos de 2 minutos de duración con un riff bastante simple e hipnótico que va siempre de fondo. La melodía es buena, como en casi todo el album y la carrera de Nirvana. Luego de este tema, Kurt y sus amigotes no nos dan tregua y siguen atacandonos con distorsión. El octavo tema del album es Milk It. Se trata de un tema, para mí, de menor calidad que los anteriores, pero no llega a ser malo para nada. La formula se sigue repitiendo. Ese on-off nos martilla el cerebro durante todo el álbum.

Ya entrando en el último bloque, llegamos a Pennyroyal Tea. Este tema también lo tocaron en el Unplugged. Mejor dicho, lo tocó Kurt acompañado únicamente de su guitarra y déjenme decirles que la versión del Unplugged es mejor que ésta y creo que se debe a que es una versión más desnuda, más íntima y cantada con más sentimiento, todo esto a mi parecer. En la versión que encontramos en el album, como durante todo éste, Kurt abusa de la distorsión, del on-off. No se trata de que toque en clean, sino que la distorsión suena muy saturada, además de que la fórmula cansa un poco. En fin, lo positivo de la canción es la letra que es uno de los puntos altos sin duda alguna. El décimo track es Radio Friendly Unit Shifter. Se trata de otro tema que odio. Junto con Scentless Apprentice me parece el tema más bajo del álbum. La melodía me parece horrible y el ritmo es asfixiante. Creo que Nirvana tenía muchos más recursos como para hacer una canción donde le dan como atarantados a la batería todo el tiempo. En fin, pasaré al siguiente tema. Se trata de la abusivísima Tourette's. Es otro tema de menos de 2 minutos de duración donde Kurt no canta, sino ladra. A pesar de todo, me gusta la canción. Es una paliza de minuto y medio donde Kurt deja la garganta en ella. Finalmente el álbum cierra con All Apologies. Esta es otra canción que tocaron en el Unplugged y aquí la diferencia sí es abismal. La versión del Unplugged se come con zapatos y todo a ésta. Acá uno se puede dar cuenta de que tanta distorsión no era necesaria y que un número acústico no hubiera quedado para nada mal, sino todo lo contrario, hubiera hecho demasiado bien al álbum y a la canción particularmente. La versión que tocan en el Unplugged tiene una de las vocalizaciones más sentidas por parte de Cobain. Para mí, es el punto más alto del desenchufado. Si nunca hubiera escuchado esa versión, créanme que no le pararía bola a esta canción. En buena hora que decidieron incluirla en el Unplugged. Uno de los puntos altos del tema es definitivamente la letra. Para completar la idea, todo el potencial de la canción se va al carajo por tanta distorsión.

Y así llegamos al final de otra revisión. Otra banda de los 90's. La banda a la que todos los rockeros del mundo debemos agradecer por mandar a la mierda a Poison y sus amiguitos de cabello laqueado y sacos son hombreras. La banda que hizo que Michael Jackson con su Dangerous se vayan a Nowhere Land acompañados de Campanita y el Capitan Garfio y nunca más regresen. Si me preguntan cual es mi álbum preferido de Nirvana, yo digo que es éste. Muchos de ustedes se preguntarán como puede ser mi favorito si tiene dos temas que detesto. Pues simplemente diré que cuando un álbum hace que te olvides de uno o dos temas que detestas, es porque se trata de un buen álbum. Está bien, la distorsión puede llegar a cansarnos un poco, pero sin lugar a dudas prefiero a este Nirvana, con letras más crudas y un sonido más descarnado. ¿Y Nevermind? Pues es un buen disco, muy bueno diría yo. A diferencia de este, creo que aquél no tiene canciones que odie, pero lo cierto es que muchas de ellas se me hacen parecidas entre sí. Lo veo algo más genérico, diría yo. Ahora, mi recomendación si nunca escuchaste Nirvana (cosa que sería bien extraña), no comiences con este álbum jamás. Cómprate el Nevermind y deleitate escuchando varios himnos de los 90's mientras ves al bebé tratando de alcanzar el billete.

Aqualung

2007-09-29T13:56:00.001-05:00

Año 1971, Jethro Tull venía de darnos 3 muy buenos albumes y un año antes había tocado en el Festival de la Isla de Wight - grabación que la pueden conseguir tanto en video como en audio y que es altamente recomendable para ver el excelente directo de la banda - y como era de esperarse, el éxito realmente masivo le llegó con este album. No es que los albumes anteriores hayan pasado desapercibidos ya que entraron en los charts, pero es con este album que Jethro Tull se convierte en un monstruo a escala mundial. Muchas personas consideran a este disco como la obra por excelencia de la banda de Ian Anderson y sus amiguitos. Yo no, yo considero a Thick As A Brick como su obra por excelencia. Definitivamente las opiniones están muy divididas entre los seguidores de esta banda. Algunos piensan que su mejor album es Stand Up, otros piensan que es Aqualung, otros dicen que es Thick As A Brick, un buen número dice que A Passion Play, incluso Minstrell In The Gallery, Heavy Horses y Songs From The Wood están considerados por un buen número como sus mejores obras. ¿A qué se debe semejante diferencia de opiniones? Simplemente a que estamos frente a una banda poco común. Y lo es desde el momento en que el sello característico de la banda es la flauta. Sí, señores. ¿Cuántas bandas de rock conocemos que incluyan la flauta en sus composiciones? De hecho, hay varios ejemplos, pero Jethro Tull es la única banda que la ha utilizado con éxito durante toda su carrera. Otro de los aspectos por el cual Jethro Tull es una banda poco común es por la versatilidad que tiene. La banda de Anderson ha tocado de todo, desde blues hasta heavy, pasando por rock, progresivo, hard rock, folk, etc. Muchos encasillan a Jethro Tull en el progresivo, yo no me atrevería a encasillarlos en un único género. Este album podría ser progresivo definitivamente aunque el buen Ian lo niegue. Ahora, todo lo que he mencionado se debe a un solo motivo: Ian Anderson. El tipo es un genio, así de simple. Si bien Martin Barre (guitarra) hace una labor magnífica en todos los albumes, es Ian Anderson quien compuso casi todos los temas en la banda. Es también el único miembro que estuvo en todos los albumes, por lo tanto decir que Jethro Tull es IanAnderson no es descabellado. La fórmula es simple: Ian Anderson = Jethro Tull. Por cierto, no me pregunten cuáles han sido las formaciones de esta banda a través de la historia. Han cambiado de integrantes como Ian Anderson se cambia de calzoncillos. Después de Anderson, sólo Martin Barre ha estado en todos los albumes a excepción del primero y puede considerarse como un Tull genuino.

Luego de semejante párrafo de introducción, como es costumbre, pasaré a revisar el contenido del disco. El album abre con la canción que le da título a esta obra, Aqualung. Simplemente un orgasmo. No existe otro termino para describir esta canción. Es una obra de arte. Lo curioso del tema es que si bien podría ser tranquilamente la canción más conocida o representativa de la banda, no incluye flauta alguna que es el instrumento tull por excelencia. La canción abre con un riff antológico, legendario, magnífico, etc. Si no sabes que es un riff, escucha la canción y no existe mejor ejemplo para comprender lo que es un riff. La primera parte es un hard rock abusivo, achoradísimo, basado en ese riff perverso. Anderson canta con rabia. Aproximadamente en el primer minuto la canción se calma y queda Anderson y su guitarra acústica. Luego se suma el bajo, el piano y la batería. Por cierto, la letra habla de un vagabundo de nombre Aqualung que tiene inclinaciones pedofílicas y observa niñas con una intención nada santa. Bueno, bueno, continuando con el tema, aproximadamente por el minuto 2:15 comienza la tercera parte. La canción se acelera y cambia de ritmo. Definitivamente un golpe de genialidad por parte de Anderson y sus compañeritos. En el minuto 3:27 comienza la cuarta parte que es nada menos que el solo de guitarra descomunal de Martin Barre, uno de los guitarristas más infravalorados en el rock. El tipo se manda con una bestialidad de solo de guitarra que patea genitales en proporciones bíblicas. Luego, alrededor del minuto 4:35 la canción se calma nuevamente y queda Anderson solo con su guitarra acústica. Pero en otro golpe de genialidad la canción vuelve a donde comenzó. Sí, a esa parte abusiva, perversa, ominosa del comienzo basada ese riff de antología. Como diciendonos "¡así se rockea!". Y así termina este primer track, una canción totalmente progresiva que patea rostros. Pero ahí no se acaba el rock, Jethro Tull no nos da tregua y nos entregan otra canción rockera. Hablo de Cross-Eyed Mary. El tema comienza lentamente, aparentemente inofensiva, con una flauta tocando muy tranquilamente, pero poco a poco va creciendo en intensidad. Luego de casi 1 minuto de ese intro un tanto perturbador, pero acústico, entra el cambio y cae unos yunques sobre nuestros cerebros. Anderson canta de una forma agresiva, el riff de guitarra es fantástico. La sección rítmica, como en el primer track, es impecable. ¡Esto es hard rock! Son 4 minutos de puro hard rock. Por cierto, el tema habla de una prostituta adolescente y sus aventuras, lo que no entiendo muy bien es el porqué de la presencia de Aqualung en la canción. En fin, el discurso en sí de Ian en este disco es algo retorcido para mi modesto entender. Más adelante los temas serán más polémicos aún. Volviendo al tema, alrededor del minuto 2:30 Ian comparte solo con Martin Barre, Ian en flauta y Barre en guitarra, como era de esperarse.

Luego de esos dos grandísimos temas, el nivel baja un poco, pero nunca considerablemente. El album sigue en buen nivel. El tercer tema del album es Cheap Day Return. Se trata de una pieza acústica, muy apacible y corta. No dura ni un minuto y medio. Lo veo más como una especie de puente con el siguiente tema. La cuarta canción es Mother Goose, una canción mayormente acústica. La melodía de la canción es cumplidora y nada más. La guitarra electrica de Barre entra en al segunda mitad de la canción aunque no cumple un rol protagónico en la canción. Luego de este tema pasamos a otro tema corto de menos de dos minutos de duración, Wond´ring Aloud. Estos últimos 3 temas los veo bien parecidos entre sí, muy tranquilos, muy relax. El tema cuenta con piano, vientos, etc. y una melodía agradable. Me parece aún así como si los temas no hubieran sido terminados del todo. En fin, es sólo mi apreciación. Up to Me es el sexto track del album. Es otro tema acústico en su mayoría como los anteriores, salvo algunas apariciones esporádicas de la guitarra de Martin Barre.

Y ahora si llegamos a un tema realmente polémico en su tiempo, My God. El nombre creo que lo dice todo. Acá Ian Anderson se manda con todo contra la iglesia. Es un tema bastante denso y la vocalización de Anderson es en cierta forma perversa. El tema comienza muy acústico, pero posteriormente entra la guitarra electrica. Ya me había cansado un poco de no escucharla en los tracks anteriores. Nuevamente retoma el protagonismo el buen Martin. La flauta también cobra mayor protagonismo en este tema. Sin lugar a dudas está entre mis canciones favoritas del album. Hymn 43 es el octavo track del album. Otro tema rockero, como para recordarnos que estos tipos sí saben rockear. El riff es genial. y la letra es polémica. Anderson se manda con todo nuevamente. Frases como If jesus saves-well, He´d better save himself son una muestra clara de ello. La melodía de la canción es muy buena, el piano hace una gran labor y la guitarra electrica nuevamente tiene un rol protagónico. Luego de esos dos temas virulentos, la cosa se calma un poco con otro tema acústico y corto, Slipstream, aunque líricamente la cosa no creo que se calme mucho. En fin, como dije en párrafos anteriores, estos temas los veo como una especie de puentes.

Entrando en el último bloque, llegamos a otro tema legendario, otro himno de la banda. Hablo de la patea-culos Locomotive Breath, otra canción de corte hard rock. La canción tiene un intro muy calmado de piano y guitarra a muy bajo volumen con un estilo muy bluesero. Luego de un minuto y pico, comienza la canción propiamente dicha. El ritmo de la canción no da tregua. Tiene un ritmo constante, asfixiante, pero fantástico. El bajo en todo momento nos está martillando el cerebro. La melodía de la canción es genial, pero aún más genial es el solo de flauta de Ian Anderson. La versión en vivo de la canción es, a mi entender, aún mejor. Para mi gusto, el album debió haber cerrado con Locomotive Breath y no con Wind Up. Yo hubiera invertido el orden, pero bueno, yo soy un pobre diablo y Anderson es quien decide. En fin, comentando Wind Up, diré que la canción es exquisita. Comienza con Anderson cantando tranquilamente una melodía agradable acompañado de un piano y posteriormente entra la batería y el bajo. Sin embargo alrededor del segundo minuto parece que a Ian le llegó al zapato seguir con eso y mete un cambio, entra la guitarra eléctrica de Barre y comienzan a rockear. La melodía de esta parte es pegajosa. Por la mitad de la canción Barre se manda con un solo de guitarra muy bueno. Luego, ya en el minuto y medio final, la canción se calma y vuelve a donde empezó. Nuevamente Anderson cantando tranquilamente acompañado del piano principalmente, pero con un poco más de intensidad que en el comienzo. Gran tema sin lugar a dudas. También figura entre mis favoritos del album. Ahí acaba la versión original. En reediciones posteriores se incluyeron unos cuantos bonus tracks que no pienso comentar.

Nuevamente llegamos al final de otra revisón. Esta vez con una banda que fue grande, muy grande en su época y que sin embargo hoy se encuentra tan infravalorada. Hace dos años vinieron a Lima por cuarta ocasión, si no me equivoco. Esta vez sí fui a verlos y no me arrepentí ni por un segundo de haber pagado la entrada y la de mi viejo. Cada centavo valió la pena y aún faltaría millones para retribuirles todo lo que le han dado al rock. Cerraron el show con un Aqualung magistral. No tengo más palabras para describir uno de los mejores conciertos al que he ido. Si no has escuchado a esta banda, hazlo. Si no puedes comprarte el disco, bájate alguno de los discos que mencioné en la introducción y convéncete. Luego junta y cómpratelo. Yo recomiendo a morir Thick As A Brick si te gusta el rock progresivo. Si te gusta el blues, Stand Up o Benefit es la respuesta. Si te gusta el folk, Songs From The Wood es la elección. Si te gusta una mezcla de rock, con folk, progresivo entre otros, este album sin lugar a dudas es la clave. Si te gusta algo más pesado, Crest of a Knave, album con el que Anderson y sus amiguitos le arrebatan, en 1987, el Grammy a los archifavoritos Metallica en la categoría Best Hard Rock/Metal Performance. Incluso hoy en día los metaleros no perdonan eso. Yo lo aplaudo.

Space Oddity

2007-09-18T20:47:00.003-05:00

Ajá, segundo disco de David Bowie y primer disco de este solista en entrar a los charts. Públicado en 1969, llegó al puesto # 17 en el Reino Unido y # 16 en Estados Unidos, aunque algunos años después. En la grabación de este disco participaron colaboradores importantes como Rick Wakeman, John Lodge, bajista de Moody Blues, entre otros. Comentar este album me es bastante complicado. Lo es porque me reporta sentimientos encontrados. La primera mitad del album es bastante buena, con temas épicos como la sublime Space Oddity, pero luego llego a la segunda mitad y me dan ganas de arrojar el disco contra la pared y prenderle fuego. Es inconsistente y mediocre, diría yo. No puede ser posible que un album tenga una verdadera epopeya como la canción que le da nombre al album, y esté mezclada con otros temas tan aburridos como los de la segunda mitad.

Bueno, la canción que abre el album es la épica Space Oddity, canción que le da título al album. Como se sabe, estuvo inspirada en la película de Stanley Kubrick, 2001: Una Odisea del Espacio, película que cualquier persona que se jacte de serlo debería verla al menos una vez en su vida antes de morir. Bueno, bueno, no divagaré, volviendo a la canción, se trata de uno de los mejores temas de la carrera de Bowie. La melodía es muy buena y los cambios son geniales. Es una canción épica, como ya dije, y destila dramatismo por donde se la mire. Lean la letra, si no se les pone la piel helada, no tienen sentimientos. El segundo tema del album es Unwashed and Somewhat Slightly Dazed. Con respecto a la canción anterior, definitivamente esta canción palidece considerablemente. Pero como mi objetivo no es andar comparando canciones pues se trata de un album y las canciones ni actúan por sí solas ni se aislan del contexto que las rodea sino son parte de un conjunto, de un todo, tengo que decir que la canción es bastante entretenida. Hay quienes sostienen que la influencia de Bob Dylan es notoria en la canción. Podría ser. La canción comienza muy suavemente para luego comenzar a rockear. La harmónica con la que cuenta es pegajosa. Se te va a quedar en la cabeza. Tal vez si la canción durara por lo menos 1 minuto menos sería mejor ya que al final se hace un poco repetitiva, pero nada que llegue a cansar. Hasta ahora nada que restarle al album. Don´t Sit Down, el tercer número es... ni siquiera sé que es eso, prescindible al 100%. No perderé mi tiempo en comentar esa burla y en su lugar pasaré a la siguiente canción, Letters to Hermione, una baladita acústica agradable. Dura 2 minutos y medio y se hace bien ligera, muy escuchable. La melodía no es nada del otro mundo, pero cumple. Aparentemente Hermione era la ex de Bowie que lo dejó por un bailarín noruego. ¡Buena suerte la tuya, David! En fin, el LP cerraba el primer lado con Cygnet Committee, canción que para muchos entendidos en la materia es la primera verdadera obra maestra de Bowie. Para mí la primera obra maestra de David es Space Oddity y de lejos. ¿Y este tema? ¿Quién es este pobre diablo para venir a decir cuál es la primera verdadera obra maestra de Bowie? ¿Qué sabe este tipo de Bowie para pasar por encima de la opinión de los entendidos en el asunto? Nada, simplemente es una apreciación personal como la de cualquier otro individuo. Esta canción es buena, pero nada más. No llega a emocionarme como lo hace Space Oddity. Ahora, claro, el tema en el album va de maravillas. Contribuye en gran forma. La melodía es buena, la vocalización de Bowie es precisa para el tema, pero se extiende por casi 10 minutos. ¡Dios, a Bowie se le pasó la mano! Shine On You Crazy Diamond dura 10 minutos y tiene más cambios que el Perú de constituciones. Ok, mal chiste. Retomando el tema, simplemente la canción no da para extenderla por tanto. Eso es lo que realmente indica si una canción es larga. No la extensión, no, no. Tenemos ejemplos claros de canciones como Thick As A Brick de Jethro Tull que dura casi 45 minutos en su conjunto y ocupa todo el LP, pero que está tan bien hecha que no se hace larga y esto se debe a que la canción, a pesar de durar lo que dura, no se alarga innecesariamente y su extensión es justificada. Y no sólo eso, ¡sino que encima se hace corta! Sí, señores. Bueno, retomaré el tema, ya que pareciera que estoy comentando un disco de Jethro Tull y no de Bowie. Cygnet Committee es una buena canción, que sería mucho mejor si durara la mitad de lo que dura. Punto y se acabó.

El segundo lado del album abre con Janine. Esta canción es algo pegajosa, pero al final no termina de gustarme del todo. Hay algo flojo en ella que no me cuadra. Sï, ok, la melodía es buena y es pegajosa, pero simplemente no termina de gustarme la canción en sí. Yo la descartaría totalmente. El séptimo tema del album es An Occasional Dream. Definitivamente este segundo lado del album baja considerablemente la calidad. A mi gusto, se trata de otra canción descartable. Y el octavo tema del album, Wild Eyed Boy From Freecloud, es otro tema lento que contribuye a que el aburrimiento continúe. Encima dura casi 5 minutos. Mucha gente ve a esta canción como una obra de arte, yo la detesto. Me parece totalmente estéril. Llego al noveno tema del album, God Knows I'm Good, el penultimo, y pareciera que estoy poniendo replay a las canciones anteriores. Bowie se olvidó de rockear definitivamente. Ok, no es un mal tema, pero si colocas una serie de temas del mismo corte, sin ganchos, genéricos, uno tras otro, el resultado es éste: ¡aburrimiento! Finalmente llegamos al último track del album (¡por fin!), Memory of a Free Festival. Se trata de otra canción del mismo corte que los anteriores. No vale la pena comentar tal cosa. Bowie no había aprendido la lección aún y extiende la canción por más de 7 minutos. A esta altura de la revisión me estoy cayendo de sueño encima del teclado de la PC.

Así llegamos al final de otra revisión, esta vez con un disco de Bowie. Definitivamente el Duque Blanco se sacudiría de la mediocridad en su siguiente album y nos entregaría un magnífico The Man Who Sold the World y no bajaría la calidad hasta buenos años después. Si quieren algo de Bowie, definitivamente no comiencen por este disco. Prueben con Ziggy Stardust, Hunky Dory o el mismo The Man Who Sold the World, pero por ningún motivo lo hagan con este album.

A Night At The Opera

2007-09-06T01:07:00.003-05:00

Mmm, muchos de ustedes se preguntarán que hago revisando a esta banda, ya que Queen no se encuentra entre mis escuchas predilectas. Ni yo mismo sé que hago revisando un disco de esta banda. Lo extraño de mi historia con esta banda es que en un principio, hace más de una década atras, solía ser mi segunda o tercera banda favorita. Luego mis gustos se ampliaron, conocí otras muchas bandas y Queen quedó en el olvido para mí. Algo que nunca me gustó de esta banda es su irregularidad. Hace algunos años le perdí interés totalmente y no volví a agarrar disco alguno de ellos. Bueno, un mes atrás o un poco más, un amigo, fanático de Queen, me pidió que revise este disco de esta banda británica. Para asegurarse aún más de que lo revise, me envío el disco. Y bueno, pensé "bah, nada me cuesta... me mandó el disco, lo mínimo que puedo hacer es revisarlo". Si bien mi opinión con respecto a Queen no ha cambiado, ya que sigo pensado que son irregulares totalmente y en los 80's su discografía es totalmente descartable, tengo que reconocer que este disco es muy bueno. ¡Oh, sí! Una gran mayoría de los fans de esta banda coincide en reconocer a este album como su magnus opus y yo no tengo nada que refutar.

Ahora bien, usualmente en este segundo párrafo suelo comenzar a comentar el contenido, pero esta vez no lo haré. En primer lugar, hablaré algo de la banda. La banda estaba conformada por Freddie Mercury, un asesino de la voz, un verdadero demente. Este tipo cantaba como una bestia. Los críticos y casi todo el mundo lo coloca como el mejor vocalista que jamás haya existido en la historia del rock. Yo no coincido con esto, pero no tengo nada en contra de quienes piensan eso. No coincido simplemente porque la voz de Mercury, para mí, no transmitía ningún tipo de sentimiento. Claro, es una apreciación muy personal y muy subjetiva. En este preciso momento me imagino que varios estarán arrojando un zapato o un ladrillo contra el monitor de la PC. En la guitarra tenemos a un genio. Hablo de Brian May. Este tipo la destruye en su instrumento. Además, la guitarra que siempre ha utilizado, llamada Red Special o The Chap, fue construida por el mismo y su padre. En la batería encontramos a Roger Taylor. No me parece un super baterista, pero toca bien. Lo mejor son sus aportes en cuestión de armonías vocales. Por último, tenemos a John Deacon en el bajo. Este tipo sí que tocaba. Encontramos muchas canciones donde el tipo se manda con unas líneas de bajo geniales. Ya para terminar con esta suerte de presentación de la banda, diré que suele considerarse a Queen como una de las mejores bandas en vivo de todos los tiempos. Acá si iré contra la corriente y diré que luego de haber visto unos recitales en video, no me parece que sea así. Sí, ok, sus shows eran buenos, bien elaborados y todo, pero con respecto a lo que son en estudio, se quedan muy lejos. Hay varias otras bandas que me parecen mejores actos en vivo, tipo The Who, Pink Floyd, Led Zeppelin en su primera época, hasta los mismos Rolling Stones.

Bueno, ya, suficiente, vamos a la música. El disco abre con Death On Two Legs. Muy buen número para abrir el album. Se trata de un número muy rockero, con mucha fuerza y muy fresco, justamente todo lo que Queen perdió con el paso del tiempo. Sin lugar a dudas es mi segunda canción favorita del album. Las armonías vocales son impresionantes y Brian May la destruye en la guitarra. Como dato, esta canción está dedicada al ex manager de la banda y su antiguo sello, a los que la banda consideró como unos "chupasangre". La banda se salvo por muy poco de ser demandada ya que la canción no incluye nombres. El segundo track del album es Lazing On A Sunday Afternoon, un tema de 1 minuto de duración, que comienza con un piano, posteriormente se suman los demas instrumentos. Las armonías son muy buenas. El tercer tema del album es I'm In Love With My Car. Bonito nombre para una canción, eh, muchachos. Lo mejor de la canción son las armonías vocales y el final aunque la voz de Roger Taylor se me hace un poco irritante. La siguiente canción es una composición de John Deacon. Es una canción bastante poppy, pero esto no significa que no sea buena. Definitivamente estos tipos si sabían hacer algo era arreglar las canciones y mandarse con varios ganchos en ellas. El quinto track del album es '39, una composición de Biran May. Se trata de un número bien folk, pero agradable. Si no me equivoco, este tema es cantado por el propio Brian. Como sexto tema, tenemos otra composición de Brian May que se contrapone bastante a la canción anterior. Hablo de Sweet Lady. Sin embargo este tema no llega a cuadrarme del todo. No es una canción que la vea muy lograda. Usualmente la paso por alto. Lo mejor de la canción sin lugar a dudas es el solo de guitarra que se manda May al final. El primer lado del LP cerraba con una composición de Mercury, Seaside Rendezvous, una suerte de vaudeville. Es un tema interesante y entretenido. La melodía es exquisita y ni que decir de las armonías.

El segundo lado del LP abría con The Prophet's Song. En los créditos de composición figura la banda completa. Es el tema más largo del album y de la carrera de Queen con casi 9 minutos de duración. Es un tema bastante desconocido para la mayoría. Ahora, siendo totalmente objetivo, tampoco es que nos estemos perdiendo de la panacea del rock. Para nada, se trata de una canción decente, tirando para buena y nada más. La verdad es que ese intermedio vocal que tiene termina por aburrir un poco. Sí, ok, la banda luce sus juegos de voces y todo eso, pero lo veo bastante esteril. Probablemente si esa parte no durara tanto, la canción sería notablemente mejor. En fin, Love of My Life es el tema que sigue, una composición de Freddie Mercury, y un clásico de la banda. El piano es la base de la canción. Hay que reconocer que Mercury hace un gran trabajo con el instrumento en esta canción. La performance vocal también es muy buena, tal vez un poco forzada, pero nada que llegue a molestar. De las armonías mejor no hablo porque sería redundar en el asunto. El noveno track del album corresponde a Good Company, otra composición de Brian May y nuevamente con May en la voz. No tengo mucho que opinar al respecto ya que se trata de un tema perfectamente descartable. Luego de aquel tema totalmente prescindible viene el mejor tema de la carrera de Queen y eso es un hecho. Se trata de una canción no quemada, sino calcinada de tanto que la pasan en las radios. Obviamente hablo de Bohemian Rhapsody. ¿Qué otro tema podría ser? Acá tendre que ser claro, esta canción es una obra de arte. Si no te pone la piel de gallina simplemente no eres humano, no tienes sentimientos y el arte no está incluido en tu vocabulario ni en tu vida. En conclusión, anda y suicídate. Bueno, ya, comentando la canción. La canción esta compuesta por 5 partes diferentes. Comienza con las voces cantando a capella, posteriormente entra el piano. La melodía y la armonía son asombrosas. Aproximadamente por el minuto comienza la segunda parte. Freddie la destruye simplemente. Es opera, señores. Para que todo sea más perfecto aún, May se manda con un solo muy sentido. ¡Eso es tener feeling! Alrededor del minuto 3 comienza la tercera parte. Sigue siendo opera todo esto. Las voces dobladas, procesadas, etc. son espectaculares. Definitivamente reproducir esto en vivo era casi imposible. La tenían difícil estos chicos y en Wembley nos damos cuenta de ello. Bueno, siguiendo con la canción, la cuarta parte comienza alrededor del minuto 4. Es un rock furibundo, rabioso, vertiginoso; un rock que patea culos, rostros e infinitas partes más del cuerpo. Brian May hace un trabajo de genio acá. Freddie canta con una fuerza absoluta. ¡Qué animales! Finalmente la quinta y última parte comienza alrededor del minuto 5. Brian May la sigue rompiendo, no hay nada que hacer y Mercury canta con sentimiento como pocas veces. Así termina este himno y así debió cerrar el album para mí. Pero bueno, el album cierra con God Save The Queen, tema con el que Brian may abrió en el jubileo por los 50 años de la Reina en el año 2000. Como en aquella oportunidad, yo hubiera abierto el album con este tema, pero bueno, tampoco hay mucho que criticar.

Como se imaginarán, así termina esta revisión de uno de los albumes más aclamados de la historia del rock. Definitivamente no se encuentra entre mi top 10, pero tranquilamente podría estar en mi top 20 de albumes. Si me piden un consejo, definitivamente les diría que lo compren o que lo consigan. El album tiene por lo menos 6 temas muy buenos y los otros 6 temas son decentes o muy decentes. ¿Es el mejor album de Queen? Para mi gusto, sí y por mucho.

Déjà Vu

2007-08-29T22:41:00.000-05:00

De regreso a los 70's, específicamente al año 1970, y esta vez con una banda que, lamentablemente, en este país, un 95% de las personas ignora y obviamente este album también es ignorado. ¡Qué lastima realmente!, pues se trata de un album magnífico, de un 10 redondo, de un album sin punto debil alguno. ¡Sí, señores, créanme! Bueno, bueno, no me emocionaré y haré un breve reseña de la banda. Crosby, Stills and Nash se formó en 1968. Ahora, no se trata de una banda cualquiera ya que sus integrantes provenían de otras bandas. En primer lugar tenemos a Grahan Nash, que provenía de The Hollies, banda que obviamente revisaré pronto, David Crosby de The Byrds y finalmente a Stephen Stills de Buffalo Springfield. Posteriormente y para este album, el segundo de su carrera, se les uniría Neil Young, también proveniente de Buffalo Springfield. Ahora, el hecho de que los integrantes vengan de diferentes bandas no garantiza la calidad del producto y tenemos casos en cantidades industriales. Pues bueno, ACA NO SUCEDE ESO. El resultado y la calidad de esta banda es simplemente asombrosa. Hablar de esta banda no es fácil. No lo es porque no se puede encasillar en un género. Se podría decir que básicamente su estilo es el folk y el rock and roll, pero definitvamente sus temas tienen incluso toques progresivos. Sin embargo, el asunto no queda ahí. No, no, no, a esa versatilidad tenemos que sumarle la marca registrada de esta banda y me refiero a la armonización vocal perfecta, gloriosa y divina. Escuchar esas melodías y armonías sincronizadas a la perfección es un verdadero deleite para los oidos de cualquier humano. Muchos pensarán "¡qué exagerado este pobre diablo!", pero no, tal vez por primera vez no exagero en nada. No he añadido ni he quitado nada a la descripción que les hago. Si me creen, excelente... si no me creen, pues ustedes se pierden de esta banda y de este album.

Como es costumbre, siempre en el primer párrafo hago una suerte de introducción y recién en el segundo o tercero, si se da el caso, comienzo con la música. Pues bien, ¡jódanse! Ahora no comento nada, confíen en mí, cómprense o bájense el disco y luego me dejan sus comentario. Ok, mala broma, aunque realmente deberían confiar en mí y bajarlo sin la menor duda y luego darme la razón, pero bueno, mi función es comentar los discos, así que comenzamos. El disco abre de forma fenomenal con Carry On, un tema de Stills. De arranque el tema nos ofrece una guitarra acústica como base y sobre ella unas armonías vocales deliciosas, como para demostrar desde un comienzo que estos tipo tocaban, cantaban y hacían música en serio. Por la mitad, el tema presenta un cambio muy bueno, que tiene un sabor a rock progresivo. Sin duda alguna se trata de un gran golpe de genialidad. Obvio que esas deliciosas armonías vocales continúan durante toda la canción. El segundo tema es una canción de Graham Nash y se llama Teach Your Children. Es un tema bastante más folk que el anterior. Entiendo que a mucha gente se le hace algo meloso el tema. Podría ser, pero no es algo que se haga insufrible para nada. Es un tema simple, con una guitarra acústica de base y nuevamente con buenas armonías vocales durante toda la composición. En el tercer tema del album, los créditos van para David Crosby. La canción se llama Almost Cut My Hair. Es un tema de corte mas rock blues que los dos anteriores. Esta vez no hay armonías vocales como en los dos primeros tracks, así que el protagonismo únicamente recae sobre Crosby quien hace una interpretación vocal dramática muy bien interpretada. Hasta este punto, sólo faltaba Neil Young como compositor. Y bueno, su turno llega en el cuarto tema, titulado Helpless. Es una balada realmente conmovedora. Definitivamente la vocalización del buen Neil es dramática y, en el estribillo, esas armonías vocales son simplemente de otro mundo. Si alguna vez alguien quiere saber como hacer unas buenas armonías, basta simplemente con remitirlo a este album.

Ya en la mitad del album llegamos al único tema cuya composición no corre a cargo de ninguno de los cuatro integrantes de la banda ya que se trata de un cover de Joni Mitchell. El tema del que hablo es Woodstock. Si hasta este punto pensaste que estos tipos no rockeaban, te equivocaste, pues es un tema de evidente sabor rockero. Esta entra los puntos más altos del album. En el estribillo, nuevamente aparecen esas armonías abusivas, sólo comparables e incluso superiores a la de los Beatles o Beach Boys. El solo de guitarra es realmente bueno. ¿Y muchos pensaban que no rockeaban, cierto? El sexto tema del album es Déjà Vu, un tema de Crosby. Este es otro de los puntos más altos del album. El tema presenta un gran cambio en el primer minuto de un sabor progresivo. Sin duda la labor compositiva de Crosby es de lo mejor. Estos tipos no se cansaban de escupir armonías vocales. En el septimo tema del album, Our House, los créditos compositivos van nuevamente para Graham Nash. Se trata de otro tema un tanto meloso, pero para nada malo. Es un muy buen tema, tal vez con una letra algo inocentona, pero me importa una verga. La melodía de la canción es exquisita, y las armonías.... bueno, ustedes ya se imaginarán. Mejor pasemos al octavo tema del album, 4 + 20. El turno de la composición esta vez va para Stephen Stills. Es un tema bien corto, de 2 minutos de duración. Es una canción con una atmósfera melancólica y que contrasta con el resto del album, pero que no desentona con el resto. El fuerte de esta canción es la letra sin lugar a dudas.

Ya cerrando el album, tenemos en primer lugar a la suite Country Girl: Whiskey Boot Hool/Down, Down, Down/"Country Girl" (I Think You're Pretty), una canción de Neil Young y que es el tema más largo de todo el disco con 5 minutos y pico de duración. Para mi gusto, este puede ser el punto más alto del album. Neil Young sin duda alguna contribuye con dos temazos. Esta canción cuenta con guitarras, organos, pianos, etc. Las melodías y armonías son simplemente majestuosas, antológicas. Conforme va avanzando el tema, va cobrando cada vez más aires épicos. No hay muchas palabras que puedan describir esta canción, simplemente tienes que escucharla. Como último track, tenemos una colaboración entre Stills y Young. Se trata de Everybody I Love You. Un buen tema rockero para cerrar. Como para que no nos olvidemos del gran trabajo vocal, marca registrada de esta banda, el tema esta repleto de melodías deliciosas y armonías divinas. Además, como para decirnos de paso que lo suyo no es unicamente las cancioncitas suaves y folk, en este tema rockean realmente.

Y así llegamos nuevamente al final de otra revisión. Esta vez con una banda infravalorada y, en cierta forma, olvidada en la historia del rock. Cuando pensamos en melodías y armonías, usualmente se nos viene a la cabeza los Beatles o los Beach Boys. Sin embargo, estos tipos no tienen nada que envidiarle a esas bandas ya que sus armonías son tan buenas o incluso superiores. Este album se encuentra entre mis preferidos de todos los tiempos y no debería faltar en ninguna colección de alguien que se precie de escuchar buen rock. Algunos piensan que Crosby, Stills & Nash, su album debut, y sin Neil Young, es superior a este album. Yo no lo creo, pues ambos para mí se encuentran en el mismo nivel. Como es costumbre, mi recomendación para quien no lo ha escuchado: ¡CONSÍGUELO YA!

Back in Black

2007-08-13T13:28:00.000-05:00

Retrocedemos ahora en el tiempo hasta el año 1980. Bon Scott, vocalista original de la banda, acababa de morir y Brian Johnson ocupaba su lugar. La portada del album es una suerte de homenaje a Scott. En tales circunstancias, esta banda australiana publica este album que en su momento vendió una animalada de copias y hasta el día de hoy figura como uno de los albumes más vendidos en la historia. Ahora todo lo dicho anteriormente, de forma muy rapida, es el contexto de este buen album. Musicalmente hablando, si escuchas AC/DC obviamente ni pretendes encontrar música muy elaborada, ni pretendes escuchar grandes cambios, ni pretendes encontrar experimentacion. No, no, no. Si escuchas AC/DC es porque quieres mover la cabeza con un rock totalmente directo (al rostro) y no buscas nada nuevo. O sea, vas a lo seguro. Pero que este disco y esta banda no presenten nada nuevo, nada sofisticado, y encima sus canciones estén compuestas por 3 o 4 acordes o el mismo riff durante toda la canción, no significa necesariamente que el resultado es mediocre. Nada más lejos de la realidad de este album. Lo que Angus y sus amiguitos quieren es rockear duro, muy duro y lo logran con creces en este album. Para muchos es la obra cumbre de la banda, para mí es Highway to Hell, pero ese es otro punto. Este album es formidable para rockear y patear ortos un buen rato sin el menor complejo. Como último dato, todos los créditos de composición del album van para los hermanos Young y el recién llegado Brian Johnson, así que como se darán cuenta, no se trataba de un mero reemplazo de Scott que se quedó de segundón en la banda.

Ya revisando el contenido. El disco abre siniestramente con unas campanas, inmediatamente se suma la guitarra de Angus con ese riff malevolo. Es Hells Bells, señores. La atmosfera es realmente perversa. Luego entra la batería y los demas instrumentos. Finalmente termina por sumarse la voz de Brian Johnson y el riff cambia hasta que llega al estribillo y nuevamente aparece el mismo riff del comienzo. ¡Estupendo! Tal vez al final como que se vuelve algo monótono el tema, pero nada que llegue a disgustar. El segundo track es Shoot to Thrill. Es una canción menos "densa" que la anterior y, por consecuencia, más digerible para el oido del público en general. Yo lo definiría simplemente como un rock directo. Realmente revisar este album va a ser bastante repetitivo. No hay gran cosa que comentar con respecto a las canciones ya que la formula es bastante parecida en cada uno de los tracks. El tercer track del album es What Do You Do For Money Honey. El estribillo es bastante pegajoso y la letra es machista al 100%, como una gran parte de las letras de esta banda. Luego de este tema, llegamos a Giving the Dog a Bone, otro tema bastante genérico. El estribillo, como en el track anterior, es pegadizo. El solo de guitarra de Angus es bastante decente. Realmente a esta altura de la revisión, creo que me estoy arrepintiendo de revisar este album y esta banda en sí. Como cualquier persona que ha escuchado AC/DC, uno se da cuenta a la primera escucha que definitivamente que a estos tipos les interesaba un carajo tratar de reinventarse. Pero bueno, si se tratara de The Strokes hace rato hubiera mandado al carajo la revisión y estaría durmiendome del aburrimiento. Porque, claro, he escuchado este disco miles de veces, así como muchos de los discos que revisaré. No comento un disco después de escucharlo 1 o 2 veces. Tengo que escucharlo un buen número de veces y lo escucho mientras hago la revisión. No tengo todos los detalles metidos en el cerebro, obviamenente. Pero a lo que iba es que si bien se trata de una banda con una formula bastante limitada, al menos tienen buenas melodías y buenos riff. Aquel que piense que AC/DC es parte del pasado y dejó de existir en los 80's, se puede ir bien al carajo. Muchas bandas quisieran tener los riff y la potencia de Angus Young y sus amiguitos.

Bueno, me salí demasiado de la música. Llegamos al quinto track del album, Let Me Put My Love into You. Este tema realmente cae muy bien a esta altura del album. Sirve para contrastar un poco con lo anterior. Ahora no crean que se trata de un cambio significativo con respecto a las canciones anteriores, para nada. Es un tema con una formula parecida a toda la carrera de esta banda, pero no tiene esa aceleración de los otros temas. Se podría decir que es una canción mas calmada. El puente de la canción es bastante bueno. El estribillo, para variar, tiene gancho. Ya en la segunda mitad del album, llegamos al tema que le da nombre al album. Sí, señores, un himno rockero con un riff bestial, antológico. Se trata obviamente de Back in Black. Sí, lo sé, esta canción también está más quemada que Juana de Arco, ¡pero qué demonios me interesa! Es un rock bestial. Desde que comienza la canción uno no puede evitar mover la cabeza al ritmo de ese riff endemoniado de Angus. Tranquilamente esta canción junto con Highway to Hell podrían ser los himnos de la banda. Por último, tengo que decir que la versión en vivo es superior a la del album. Consíganse AC/DC Live y se daran cuento de ello. El tema que le sigue a este clásico es... otro clásico y tranquilamente la canción más conocida de este album después de Back in Black. Ahora, que sea conocida no significa que sea mejor que otros temas incluidos en este album. Bueno, hablo de You Shook Me All Night Long. Es el tema más "poppy" de esta placa, pero no por ello un mal tema, nada más lejos de la verdad. Eso de "poppy" es relativo también. Muchas bandas quisieran rockear siquiera como este tema. Es una buena cancion con un estribillo realmente pegajoso, como nos tienen acostumbrados estos músicos.

Ya entrando en la última parte del album, tenemos Have a Drink on Me, un tema que repite la formula de los primeros tracks. Tal vez era necesario un poco de crudeza luego de la "poppy" Shook Me All Night Long. La parte final de la canción es lo mejor, le da un poco más de fuerza. El penúltimo track de esta placa es Shake a Leg. A mi gusto, es un rock n roll en todo el sentido de la palabra, pero camuflado por la voz aguardentosa de Johnson. El cambio que presenta luego del intro le da vida al tema y es justamente a partir de ese momento cuando la canción se vuelve un rock n roll y mejora notablemente. El track con el que cierra el album es un verdadero himno para todos los rockeros, pero obviamente no tanto por la música que no es la gran cosa, sino por el contenido. Hablo de Rock and Roll Ain´t Noise Pollution. Ok, tiene un riff decente y todo, pero yo no le encuentro tanto gancho. Se me hace un poco sosa la canción. En lo único que comulgo con ella es en la letra como buen rockero que me considero. Eso sí, la coda que tiene el tema es tan pegajoso que lo vas a repetir así no quieras. ¡Oh, sí!

Bueno, y así llegamos al final de otra revisión después de casi un mes sin actualizar el blog. En los días siguientes trataré de revisar un par de albumes por semana. Volviendo a lo que es este disco, tengo que decir que se me hace de lo más decente publicado en esa infausta década de los 80's. Lo siento por todos los ochenteros, pero gustos son gustos. Si quieres rockear directo y sin complejos, consíguete algo de esta banda. Para empezar este album caería bastante bien ya que se trata de un album con un nivel consistente. Si bien no me parece su mejor album, si podría ser tranquilamente el segundo el tercero en mis preferencias. Sigo considerando a Highway To Hell superior a este album por un poco, pero ese es otro tema.

Definitely Maybe

2007-07-12T23:48:00.001-05:00

Nuevamente en los 90's, llegamos al album debut de esta banda de Manchester. Bueno, comenzaré diciendo que el año pasado vi una lista de la NME, si no me equivoco, en donde este album salía elegido como el MEJOR ALBUM DE TODOS LOS TIEMPOS, y en segundo lugar aparecía el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. También he podido darme cuenta que muchos lo consideran entre los mejores albumes de rock todos los tiempos y el mejor de la carrera de Oasis. En Inglaterra, este disco goza de muy buena reputación. Bueno, lo de mejor disco de la carrera de Oasis, puede ser. No tengo quejas con eso aunque para mí no lo sea. Lo de estar entre los mejores albumes rock de todos los tiempos, lo veo bastante difícil. Lo de MEJOR ALBUM DE TODOS LOS TIEMPOS, es uno de lo más grandes disparates que he leído en mi vida. ¿Quién en su sano juicio puede pensar cosa semejante? ¡Encima aparecía por encima inmediatamente del Sgt. Pepper's! ¡Por Dios, los británicos se volvieron locos, totalmente dementes! Señores, aceptémoslo, este album dista y por mucho de ser el mejor album de todos los tiempos. Es un buen album, incluso un muy buen album, pero nada más. El único mérito de este album fue traer de vuelta toda la rica herencia británica al presente de aquel entonces. Otro de sus méritos fue hacerle el pare al grunge, que con la muerte de Cobain ya no daba para más. Este disco puso nuevamente al rock británico en la escena mundial. Sirvió para pavimentar el camino que luego el Morning Glory recorrería. Fuera de eso, este disco no tiene ni un carajo de revolucionario musicalmente hablando. Es importante por los motivos que mencioné y tal vez porque salió en el momento y lugar adecuados, y reflejaba lo que se respiraba por aquel entonces. Musicalmente, CERO, así como leen, CERO innovación.

Bueno quería comenzar desmitificando un poco este album ya que muchos lo pintan como el mojón cultural jamás creado y no lo es. Ahora, que no tenga nada novedoso que aportar al mundo de la música no significa que sea una cagada de album. Al contrario, prefiero que una banda trabaje sobre algo ya conocido pero bien hecho, a que se meta a experimentar, intentar crear la panacea del rock, jugar a ser innovadores y saquen una mierda incomprensible y se escuden en esa pseudoexperimentación. Como lo dije en el primer párrafo, el Definitely Maybe es un muy buen album. Los temas están bien hechos y suenan frescos, todo esto cortesía del señor Noel Gallagher quien compuso todos los temas, tanto música como letra y a quien no dudaré en llamar genio. Todo el album es un canto a la juventud y podemos encontrar algunos himnos generacionales, tales como Rock 'n' Roll Star, Live Forever o Supersonic. También podemos encontrar varios de los picos más altos de la carrera de Oasis. Ahora, muchos de ustedes se preguntarán por qué no llega a ser ni siquiera mi disco favorito de esta banda. Pues bien, para empezar diré que el disco que más me gusta de Oasis es el Heathen Chemistry... ok, fue una mala broma. Tienen derecho a insultarme. Ya, hablando en serio, mi disco favorito de Oasis es el What´s the Story (Morning Glory)? y éste es mi segundo dico favorito. ¿Por qué? Simplemente por una cuestión de unidad. En este disco encuentro dos rellenos, dos canciones de un nivel muy bajo y simplemente por ese hecho no puede ser mi disco favorito de Oasis. Espero haberme explicado.

Bueno, bueno, bueno, ya hablando de la música. El disco abre con una de las canciones más emblemáticas de la banda, Rock 'n' Roll Star. La canción no me parece para nada fenomenal. Es una buena canción y punto. ¿Han escuchado la versión de Maida Vale? Es mil veces mejor. De esa forma es como debería sonar. Y aca llego al punto en el que debo decir que la producción de este disco no es tan buena como los hermanitos Gallagher nos quieren hacer creer. Para mí, la producción deja mucho que desear. El bajo no se escucha para nada. Podríamos quitar el bajo y nadie se daría cuenta, ni siquiera Noel Gallagher. No hay mayores matices de guitarra. Todo el tiempo es esa cortina de distorsión sonando y sonando que aplasta cualquier intento de matiz que pueda haber. ¡Los acordes ni siquiera se pueden distinguir! Pero bueno, entonces pensarán "¿entonces con tanto palo que mete este tipejo, cómo puede decir que se trata de una buena canción?". Pues resulta que si hay algo que Noel Gallagher tiene para regalar y seguir regalando son las melodías. La canción tiene una melodía super pegajosa. Definitivamente las lineas que Liam canta son de esas que te dejan todo el día tarareando y uno ni sabe donde escuchó la canción. El estribillo de la canción "Toniiiight, I'm a rock n roll star!" es memorable. Eso sí, pudieron haber hecho algo mejor con el cierre de la canción, pero bueno, no lo criticaré. Luego de ese primer tema, llegamos a uno de los temas que más odio del album, Shakermaker. Muchos mad fer it me estarán tirando un zapato contra el monitor de la PC. Pero lo siento, nadie con criterio puede decir que se trata de un buen tema. Este tema es totalmente mediocre. Supuestamente la canción quiere comenzar como un blues psicodélico. Si eso les parece semejante cosa y quieren llamarlo así, adelante. En fin, después de ese intro dizque bluesero-psicodélico, la canción se pone super monótona. Definitivamente para el olvido la canción.

El track que sigue del bodrio llamado Shakermaker es... ¡un himno! Sí, nada menos que la increible, fantástica, genial Live Forever. Este tema es una genialidad por parte de Noel. Creo que podría ser el mejor track del album y entre los mejores de la carrera de Oasis. La canción comienza con la batería, luego entra una guitarra acústica acompañada de un piano e inmediatamente se une Liam cantando de una forma muy particular. Antes de entrar al primer estribillo, se escucha ¡el bajo! El estribillo es simplemente asombroso. La melodía que tiene es exquisita. Noel Gallagher es un maestro definitivamente. No encuentro un solo punto debil en la canción. El solo de guitarra no será una bestialidad, pero es super elegante, de muy buen gusto. Podría estar entre los mejores solos de Noel. El outro que tiene la canción es emotivo, definitivamente una obra de arte. Pero si hay algo que siempre caracterizó la carrera de esta banda es la irregularidad y acá ya veremos eso. Luego de semejante himno, viene un verdadero bodrio. Se trata de la horrible, aburrida y mediocre Up in the Sky. Ni siquiera malgastaré mi tiempo comentándola. En su lugar comentaré la siguiente canción, la muy querida Columbia. Con esta canción se da una situación muy extraña. Me explico, es una canción de sólo tres cochinos acordes, pero aca viene lo increible, ¡no aburre! ¿Cómo puede suceder algo así? No lo sé. Para empezar, la canción tiene una melodía exquisita, pegajosa, tiene gancho. Además Noel se las ingenia para meter arreglos por todos lados y pareciera que la canción tuviera varios cambios. A eso le llamo inspiración. Por cierto, la versión en vivo es mil veces mejor. La versión del disco es muy dance.

Ya en la segunda mitad del disco nos encontramos con otra gran canción, otro himno de la banda. Estoy hablando de Supersonic, el primer single de la carrera de Oasis. Según Noel Gallagher, la canción la compuso en menos de 30 minutos porque su sello discográfico no aceptó a Bring it on Down como primer single y afortunadamente fue así. Yo la calificaría como un rock de los mil carajos. Esta canción transmite frescura, fuerza, buen gusto. Definitivamente junto con Live Forever son los puntos más altos del album. La melodía, para variar, nuevamente es deliciosa. ¡Noel, eres un abusivo! El riff del verso es increiblemente potente. Liam canta con autoridad total. La mejor parte es cuando cae el coro. Esa parte transmite frescura por donde se la mire. Luego de este gran tema, viene el que iba a ser el primer single de la banda, Bring it on Down. Si bien no me parece una mala canción y no llega a ser mediocre, hay algo que no termina de cuadrarme con esta canción. La veo algo genérica. La distorsión en esta canción si me parece totalmente exagerada e injustificada. Lo mejor de la canción podría ser el solo de salida que ejecuta Noel. Fuera de eso no hay mucho que destacar. El octavo track del album corresponde a otro himno de la banda. Hablo nada menos que de Cigarettes and Alcohol. El riff es un plagio descaradísimo de T-Rex. Noel, pudiste ser un poco más caleta. Bueno en este caso no me interesa mucho el robo cometido, pues es una canción 100% rockera, que representa todo lo que es la banda (o era). La melodía es pegajosa, pero hay algo más y es la forma de cantar tan particular y reconocible de Liam. Esa forma de cantar alargando las palabras es todo un clásico ¡sí, señores! El solo de guitarra que ejecuta Noel como outro es realmente bueno. No es una bestialidad, pero trabaja para la canción y eso es lo que cuenta.

Ya entrando en el último bloque del album, llegamos a la divertida Digsy's Dinner. ¿Quién carajo es Digsy? Pues al parecer es un amigo de Noel Gallagher, por lo que he podido ver en el DVD por los 10 años del album. Es una canción corta, nada sorprendente y con una letra bastante tonta, pero supongo que la canción no tiene grandes pretensiones. Eso sí, la melodía es pegajosa y de alguna forma se te va a meter en la cabeza. El penúltimo tema es Slide Away. Es una suerte de balada. Lo mejor de la canción es la melodía y la armonía a dos voces por parte de Liam y Noel. La canción sería mejor si durara un par de minutos menos, ese final se hace algo eterno. Pero bueno, no me puedo quejar, es un buen tema. La canción que cierra el album es Married with Children. Se trata de un número acústico... sí, leyeron bien, acústico. Queda muy bien como cierre y sirve como antídoto para esa distorsión abusiva que recorre todo el album. Debo decir que es un canción con una muy buena melodía, una letra muy inteligente y unos arreglos de muy buen gusto. Lástima que en vivo tocaran la versión eléctrica que no tiene nada que hacer al costado de ésta. En fin, un tema muy bueno que contrasta notablemente con el resto del album.

Bueno, muchos se sorprenderan de esta revisión ya que Oasis es una de mis bandas favoritas, pero bueno, trato de ser objetivo. Aunque les haya dado la impresión de que detesto el album, no es así. De hecho me parece un buen album, pero lamentablemente considero exagerado el estatus mítico y el trato excesivamente benevolente que recibe. Considero que el Morning Glory debería recibir todos los elogios que este disco recibe ya que es un album más logrado y obviamente más regular, sin los altibajos que tiene éste. Este disco es importante por los motivos que señalé en la introducción y tal vez por eso coseche tanto, pero yo no estoy acá para opinar de eso, sino de música. De todas formas, si te gustan los 90's, este disco es uno de los que deberías tener. Es un clásico de la década.

Wish You Were Here

2007-07-12T12:18:00.001-05:00

Y finalmente llegamos a Pink Floyd. Este album fue el sucesor del aclamado Dark Side of the Moon. Se publicó en 1975, dos años después del Lado Oscuro de la Luna. Después del gran exito que tuvieron con aquel album, muchos se planteaban cuál era el camino a seguir por los Floyd después de aquel mojón musical que fue y es el Dark Side. Pues bien, después de semejante éxito, una opción era tatar de hacer un replica de aquel album. Pero no, si hay algo que siempre caracterizó a estos cuatro genios fue ese afán de no repetirse. Cada disco de Floyd es una experiencia nueva. Es en tales circunstancias que nos ofrecen este gran album.

Siendo totalmente sincero, diré que este fue el primer disco de Pink Floyd que me atrapó. Ya había escuchado anteriormente The Wall y DSOTM y había visto Live at Pompeii, pero por alguna razón, no me atraparon como lo hizo este disco en su momento. Hoy en día creo que Dark Side of the Moon me gusta un poco más, pero la diferencia entre ellos es mínima. También cabe agregar que este disco es el último vedadero disco de Pink Floyd como un verdadero grupo. Sí, ok, después tenemos Animals y The Wall, albumes muy buenos, pero ya en aquellos discos Roger Waters había asumido el control absoluto de las composiciones. En este disco aún vemos, y es perceptible, el aporte importantísimo de David Gilmour y Rick Wright. Hasta este disco encontramos ese sonido floydiano tan característico de esta banda y eso se debe al aporte de Wright y Gilmour. Este disco es el más atmosférico de todos los discos de esta banda, cortesía de Rick. Y resalto a este gran músico porque se encuentra infavalorado. Usualmente se tiende a hablar de Waters y Gilmour y dejamos en el olvido al buen Rick. Técnicamente no es Jon Lord y dista mucho de serlo, pero la atmosferas que creaba son incomparables. Este es un buen ejemplo, un buen caso donde un músico técnicamente mediocre (Wright es un tecladista autodidacta), con algo de imaginación y buen gusto, puede dejar en ridículo a la gran mayoría. Sí y no exagero. Quiten el teclado de este disco, ¿qué nos queda? Algo que, sin la menor duda, estaría a miles de millones de años luz del resultado final. Ahora, el complemento perfecto de Wright siempre fue Gilmour y en este disco se puede apreciar claramente. Dave complementa a la perfección las atmosferas de Wright. ¿Y Waters? ¿Y Mason? Ok, sí realizan un buen trabajo. La rítmica está perfectamente cuadrada, eso es irreprochable. Pero si hay algo que resalta en este disco, es el trabajo de Gilmour y Wright aun cuando Waters aparezca como compositor en todos los temas. Verán, muchas veces Waters llegaba con un idea al estudio, presentaba, se podría decir, la obra en bruto, pero eran Gilmour y Wright quienes se encargaban de embellecerla o, a veces, modificarla. Por favor, no me malinterpreten, no trato de poner a unos por encima de los otros. Definitivamente sin las ideas de Waters, este disco no hubiera salido a la luz nunca y sin el toque de Mason en la batería el resultado no sería el mismo. Dicho todo esto pasemos a la música.

El disco abre formidablemente con Shine On You Crazy Diamond, Parts 1-5, una composición épica por donde se la mire, inspirada y dedicada a Syd Barrett. Este tema tiene ese sonido tan particular, tan propio, tan característico de esta banda, simplemente sonido floydiano. El tema comienza con el teclado creando una atmosfera indescriptible, luego se suma Gilmour tirando unas escalas muy elegantes. Aproximadamente en el mínuto 3:58 comienza la segunda parte. Comienza con un arpegio de guitarra, posteriormente cae la batería y el bajo y Gilmour tiene un segundo solo de guitarra. Escuchen la atmosfera que crea ese arpegio del comienzo que sigue siempre de fondo junto con el teclado de Wright. Aproximadamente en el minuto 6:30 comienza la tercera parte con el solo de Wright en el sintetizador para dejarle nuevamente el protagonismo a la guitarra. Gilmour hace un trabajo impecable en este solo de guitarra, pasa a tocar unas escalas más blues. En el minuto 8:46 comienza lo que vendría a ser la cuarta parte. Ya en esta parte Roger Waters entra cantando en tanto que Gilmour y Wright armonizan junto a un coro femenino. La quinta y última parte de este primer track, que abre el album, comienza aproximadamente en el minuto 11:12, cuando entra el saxofón, a cago de Dick Parry (sí, el mismo que tocó en Dark Side of the Moon). Cabe resaltar que primero toca un saxo tenor y luego, cuando el ritmo cambia, pasa a tocar un saxo alto.

El segundo track del album es la siniestra Welcome to the Machine. Esta canción es anticomercial por donde se la mire. No tiene gancho comercial bajo ningún punto de vista. El tema comienza con unos efectos que simulan un elevador que nos conduce a algún lado. Luego entra una guitarra acústica muy oscura y posteriormente la voz contribuye aun más con la atmosfera siniestra. Si ya en Shine on You Crazy Diamond Wright había tocado una bestialidad, en este tema lo sigue haciendo. Una gran parte de esa atmosfera opresiva es cortesía de este señor. El tipo le saca humo al sintetizador sobre todo al final del tema. Definitivamente este tema no sería el indicado para hacerle escuchar a tus padres y decirle que te gusta Pink Floyd. La tercera canción es la funky Have a Cigar. Esa línea de bajo de Waters es bastante buena. No es sorprendente, pero es lo suficientemente fuerte para dar el peso que necesita la canción. La sección rítmica está cuadrada a la perfección. Wright sigue haciendo humear su teclado en esta canción y Gilmour mete pequeños punteos entre frases y de salida para la canción. Este tema, por cierto, lo cantó un tal Roy Harper. Si no me equivoco este tipo era una especie de artista callejero muy de moda en aquel entonces. Los motivos por los cuales le dijeron que cante este tema no los conozco.

En un párrafo aparte comentaré la canción que le da nombre al album, Wish You Were Here. Realmente me da escalofríos llamarla balada ya que la gente tiende a creer que se trata de una estúpida canción de amor, digna de colegiales estupidizados por la MTV. Nada más lejos de la verdad. Bueno, no tengo otra forma de llamarla, esta balada está entre las más hermosas, si no es la más hermosa, que he escuchado en mi vida. La letra, como en todo el album, está a cargo de Roger Waters. Yo diría que este es el único tema del album con una letra realmente punzante. En parte habla de Syd Barrett, en parte habla de los temores de Roger, su sentimiento de alienación, así como el simple hecho de sentir la ausencia de una persona, etc. En fin, sentimientos y temores con los que uno se puede sentir tan identificado y que cada uno puede interpretar como mejor le plazca. Volviendo a la música, la canción comienza con un par de personas hablando y sintonizando una radio o algo por el estilo, luego entra una guitarra acústica de 12 cuerdas tocando de fondo el arpegio/riff principal que se repetirá durante la canción cada vez que Gilmour realiza un solo de guitarra. Debo decir que este riff se le ocurrio a David mientras tocaba su guitarra acústica en Abbey Road. Luego de repetirse varias veces este arpegio/riff, entra un solo bellísimo de guitarra por parte de Gilmour. Cuando termina este hermoso solo de guitarra, entra la voz. Gilmour la canta de forma conmovedora. Le da todo el feeling que requiere la canción. Es casi un lamento el de Dave. A la mitad del primer verso cae la batería en compañía de los demas instrumentos. El piano se deja escuchar en ciertas partes muy oportunas al igual que el sintetizador. En la mitad de la canción volvemos al arpegio/riff del inicio mientras Gilmour ejecuta un solo de guitarra acompañado de scat (ese tarareo simultaneo que remeda lo que toca). Luego de esta parte, nuevamente Gilmour entra cantando, pero esta vez el mismo Gilmour se dobla la voz y se hace los coros. Esta parte es la más conmovedora de toda la canción, a mi gusto. Ya como salida, la canción vuelve al arpegio/riff con un Gilmour tocando el solo de guitarra y acompañándolo con scat.

Como quinto y último track tenemos nuevamente a Shine On You Crazy Diamond, Parts 6-9. Si bien las partes 1-5 me encantan, creo que estas cuatro últimas partes me gustan más que los cinco del comienzo. El tema comienza con un ruido que simula al viento soplando. Luego entra el bajo que, para sorpresa de muchos, ¡lo toca Gilmour! Luego Waters agrega otro bajo más. En seguida Wright entra con los sintetizadores mientras de fondo acompañan unas guitarras. Cuando cae la batería, el ritmo se acelera y Gilmour entra tocando un solo con una lap steel guitar cada vez más agudo. Aproximadamente en el minuto 4:54 el ritmo cambia, termina la sexta parte y comienza la séptima. Roger Waters entra cantando nuevamente y, como en la cuarta parte, armonizan Gilmour, Wright y un coro femenino. A diferencia de la cuarta parte, esta septima es más corta que aquella. En el minuto 6:06 tanto la voz como los demás instrumentos se callan y sólo queda una arpegio de guitarra y el sintetizador de fondo. En este punto comienza la octava parte. Nuevamente cae la batería, pero marca un ritmo distinto al anterior. Quisiera saber quien grabo la línea de bajo en esta parte, pues es muy buena. Mientras, Wright sigue sacándole humo a su teclado. Esta parte la veo como una especie de jam, tipo el jam que hacen en Echoes. Aproximadamente en el minuto 9:02 comienza la novena y última parte. Acá me saco el sombrero, la ropa o lo que sea, ante la genialidad de Wright. El tipo se manda con una especie de marcha funebre super triste, melancólica y asombrosa. ¡Genial! De esta forma estos cuatro genios despiden el album.

¿Qué más puedo decir de este album? Bueno, para muchos es el mejor album de Pink Floyd. Para mí, podría serlo, incluso hay momentos en los que pienso que es tan bueno como el Dark Side. Como sea, se trata de una obra maestra sin duda alguna. El solo hecho de tener una canción como Shine On You Crazy Diamond dice mucho del album y hace que el disco valga la pena. Obviamente el disco no sólo cuenta con ese tema, sino que encontramos otro clásico como Wish You Were Here. Y los otros dos temas no son para nada un relleno, simplemente no son comerciales. Como ya lo dije, también se trata del último esfuerzo de Pink Floyd como una verdadera banda, luego de este album Waters tomaría casi el control absoluto y el sonido floyd cambiaría considerablemente. Ya no volveremos a escuchar a un Wright tan inspirado como en este album. Gilmour mismo no volverá a crear más esas texturas tan finas como las que tocó en este album. Por cierto, la carátula del album es impactante. Si no tienes este album, róbale a tus viejos y anda a comprarlo. No sabes lo que te pierdes. Si ya lo tienes y no te gusta, dale una oportunidad y escúchalo atentamente. Si lo tienes y te gusta, como a mí, entonces sigue disfrutándolo.

Dirt

2007-07-05T00:47:00.002-05:00

Bueno, para variar un poco de época y a pedido de un buen guitarrista amigo mío, revisaré este disco perteneciente a la escena grunge que reventó a comienzos de los 90's. Tendré que decir que en principio sólo me dijo que revise ya sea el Facelift o el Dirt de Alice in Chains y bueno, me incliné al final por el segundo de ellos. Espero poder revisar más adelante el Facelift así como los demás discos de la discografía de esta banda de Seattle.

Ya yendo al tema, comenzaré diciendo que entre las 4 bandas insignias del grunge (Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains y Soundgarden), Alice in Chains junto con Soundgarden son las que menos se conocen. Ahora, es obvio que todos los poseros dizque grungers, que aman a Nirvana y/o Pearl Jam, dirán que sí, que Alice in Chains es una bandaza y que sí les gusta. La verdad es que el 50% de ellos nunca escuchó otro tema de esta banda que no sea Man In The Box, No Excuses y, con suerte, Would?. Sí, esa es la realidad. Pues qué lastima porque se están perdiendo a la que para mí es la mejor banda de aquellas cuatro. Ok, definitivamente es una cuestión de gustos y por lo tanto subjetivo, pero si hay algo que nadie puede decir de Alice in Chains, es que se trata de una bandita. Es una banda sólida por donde se la mire. Para empezar, contaban con una de las voces más potentes y singulares del rock, Layne Staley. Este tipo definitivamente hacía gárgaras con clavos o algo por el estilo. Debe estar entre los mejores vocalistas de todos los tiempos. En este album veremos ejemplos claros de partes memorables donde otros vocalistas ni siquiera soñarían con llegar a la nota y eso que su mejor performance vocal está en Facelift. Además su voz se complementaba perfectamente con la voz del guitarrista de la banda, Jerry Cantrell, y creaban unas melodías y armonías vocales exquisitas, deliciosas, etc. poco común para bandas pesadas. Luego tenemos a Jerry Cantrell. Este tipo no sólo componía la mayoría de canciones, sino que además cantaba excelente y los coros y armonías vocales que hacía eran increibles (ok, ya lo había dicho). ¡Ah! me olvidaba, además es un guitarrista de los mil carajos, un gran creador de riffs. Aunque muchos no lo crean, este tipo tenía técnica para tocar, además, a mi modesto entender, posee un estilo bastante propio. Ya en la batería tenemos a Sean Kinney. Este tipo es un animal tocando. Marca el ritmo de mil formas diferentes además de estar en una sincronización perfecta con el bajo. Realmente lo que toca en cada album es una salvajada. Finalmente en el bajo tenemos a Mike Starr (hasta este album) y posteriormente a Mike Inez. Si bien no son nada que uno diría "¡wow, qué criminales del bajo!", su desempeño no llega a ser mediocre en lo absoluto, incluso diría que Mike Starr, en menor medida, y luego Mike Inez entregan algunas líneas de bajo bastante buenas. Ya para acabar con todo este rollo exagerado en elogios para con los miembros de la banda, diré que no hay mejor adjetivo que describa a esta banda que rudo.

El album abre con un grito, Aaaaah, que nos hace presagiar lo que se viene. Se trata de Them Bones. Layne nos apabulla desde un comienzo con su despliegue vocal, difícilmente podamos encontrar una voz más potente. En el estribillo de este tema tenemos un claro ejemplo de aquellas grandiosas armonías a dos voces de Layne y Cantrell de las que hablaba. El riff de Cantrell es bastante decente, nada espectacular, pero efectivo. El solo de guitarra sí me parece genial. Sean Kinney toca de forma esplendida y para nada fácil. Escuchen el bombo y se darán cuenta. Sin dudas, un tema contundente para abrir el album. El segundo tema del album es Dam That River. Esta canción tiene una melodía muy buena. Layne se luce en esta canción y no porque llegue a unas notas altísimas, sino que la forma en la que canta es increiblemente sólida. El trabajo de Jerry Cantrell en la guitarra es sorprendente. El riff que toca es definitivamente superior al riff de Them Bones y el solo de guitarra calza perfecto con el tema. La sección rítmica está sincronizada a la perfección, la forma de marcar de Sean Kinney con el bombo es genial. Por cierto, la letra de esta canción es increiblemente ruda. El tercer track del disco es Rain When I Die. Este tema tiene un intro pesadísimo, que me recuerda bastante a Black Sabbath. Sean Kinney y Mike Starr hacen un gran trabajo en esta parte. La atmósfera que crean es siniestra. Luego entra cantando Layne en conjunto con Cantrell hasta que llegan al estribillo. En en esta parte Layne canta con una potencia sorprendente y llega a una nota bastante alta. Esta canción está entre mis favoritas del disco. Pero si el nivel es de lo mejor hasta acá, pues para mi gusto se pone aún mejor. Llegamos a la bellísima Down in a Hole. Debe estar entre las canciones más tristes y depresivas, pero a la vez hermosas, que haya escuchado. Es una especie de balada, por llamarla de alguna forma, pero la base rítmica y la distorsión con la que cuenta le dan otro sabor. La canción comienza con unos arpegios acústicos muy hermosos y tristes, luego cae la batería y el bajo, y entra cantando Layne con Cantrell. La melodía es asombrosa y melancólica en extremo. Al terminar el primer verso, cae la distorsión y Layne se queda cantando en solitario, mientras la guitarra de Cantrell le da una atmosfera totalmente desoladora. Por cierto, Mike Starr se manda con unas muy buenas líneas de bajo. El coro de la canción es la depresión por antonomasia y la canta en conjunto Layne con Cantrell. "I'd like to fly but my wings have been so denied", diganme si eso no es depresivo. Finalmente los punteos de Cantrell al final del tema son de muy buen gusto, no saturan, trabajan para la canción y quedan a la perfección. Como último apunte, Cantrell contó alguna vez que esta canción la había compuesto un buen tiempo atrás, antes de la grabación del disco, pero no sabía si presentarla a la banda porque temía que sea muy suave para el estilo que tocaban y los demás no quisieran tocarla. Afortunadamente el buen Jerry se animó a presentarla a los otros miembros del grupo y finalmente apareció en el album.

Luego de ese gran bloque de cuatro grandres canciones que tienen un gran nivel, cada cual mejor que la otra, viene el que para mí es el primer tema que me hace restarle al album y no sumarle. Hablo de Sickman. Muchos fans de Alice in Chains me golpearían la cara, pues para mi sorpresa, el tema que continúa es del agrado de la gran mayoría de ellos. Pues lo siento, a mí no me gusta este tema. Ese intro con esos tambores y el riff no me gustan en lo absoluto. Tampoco me gusta la forma en la que canta Layne. Luego tiene un cambio que hace que la canción mejore, pero no lo suficiente como para que llegue a gustarme. Luego de ese tema viene Rooster, canción que habla de un hombre que se encuentra en plena Guerra de Vietnam. Esta canción fue escrita por Jerry Cantrell y está dedicada a su padre que sirvió en Vietnam. Tiene una letra bastante intensa y en cierto punto dramática. Para un gran número de personas que conozco y por lo que he podido observar, esta canción está entre las favoritas. Definitivamente es una gran canción, tal vez un poco más larga de lo que debería ser, pero nada que llegue a saturar. La armonización por parte de Layne y Cantrell es increíble. Luego de ese gran tema, viene otra de las favoritas por parte de los fans de esta banda. Llegamos al septimo track del album, Junkhead. Esta canción tiene una letra super drogadicta, ¡vaya sorpresa! Para nadie es un secreto que estos tipos andaban con los brazos mas agujereados que una coladera. En fin, lo que hagan con sus vidas no importa realmente ya que reviso discos, no la vida privada de los integrantes. Volviendo a la música, diré que por alguna razón el tema no se me hace monótono a pesar de que toda la canción transita en los mismos acordes. Por supuesto, y para no perder la costumbre, Layne y Cantrell se mandan con una armonización muy buena en el coro.

Ya en la segunda mitad del disco, llegamos al tema que le da nombre al album, Dirt. No sé si será únicamente mi impresión, pero el riff se me hace parecido al de Electric Funeral de Black Sabbath y como aquella canción, Dirt sí que es pesada. La cadencia que tiene es hasta sofocante. La letra me parece super depresiva, pero por alguna razón este tema me gusta. En el coro, para variar, Layne y Cantrell nuevamente armonizan de forma sorprendente, ¡abusivos! Luego de esta canción, llegamos a God Smack. Este tema me representa una dificultad, pues me gusta hasta el puente, donde Layne hace un cambio de melodía extaordinario, pero luego no sé que diablos sucedió. ¿Se quedaron sin ideas para lo que seguía? Bueno, no lo sé, el punto es que esa parte en la que aceleran me desagrada totalmente. El único motivo por el que no le resto al album por este tema es por esa melodía del puente por parte de Staley. Por cierto, nuevamente la letra es totalmente drogadicta. El siguiente track, que aparece sin nombre en el album, es Iron Gland. Yo lo hubiera sacado, pues no le encuentro motivo alguno para que aparezca. Lo único que se puede decir de esos ruidos, es que los "canta" Tom Araya de Slayer. El siguiente tema es Hate to Feel, canción compuesta por Layne Staley. Definitivamente no es un tema que me guste, y para mi gusto, junto con Sickman son los temas más bajos del album y que yo hubiera sacado.

Como que en ese último bloque el nivel había decaído un poco. Pues bien, los dos últimos tracks elevan el nivel nuevamente y son dos clásicos de la banda e incluso de los 90's, sobre todo el último. El primero de ellos es Angry Chair, tema compuesto en su totalidad por Layne Staley y que viene a borrar de un golpe al track anterior, también de su composición. Este tema comienza con la batería, luego Layne entra con un riff bastante sencillo, pero efectivo que le da la atmosfera necesaria a la canción, finalmente entra la guitarra distorsionada de Cantrell junto con el bajo. En el verso canta Layne con Cantrell, nuevamente, en perfecta armonización. El puente es una especie de stop and go cumplidor. El coro es lo mejor de la canción, pues es increiblemente melódico y presenta un cambio que engrandece la canción. Gran golpe de genialidad por parte de Layne. El solo de guitarra de Cantrell es abusivísimo, encaja perfecto. El track con el que cierra el album es Would?, un himno de los 90's. Bien escogido el tema para cerrar. Está dedicado (o pensado en) a Andrey Wood, vocalista de Mother Love Bone que falleció por una sobredosis de heroína. El tema comienza con el bajo, mandandose una línea bastante oscura, pero pegajosa. Luego entra la batería y el riff de la guitarra, que es super oscuro. El verso lo canta Jerry Cantrell y Layne armoniza al final de cada frase. La melodía es tan oscura que pareciera que cantaran desde el otro mundo, pero no por esto significa que sea mala. Nada más lejos de la realidad, esa melodía necesita ser oscura. El coro es como una ráfaga de golpes en nuestro estómagos. Layne entra cantando con una potencia apabullante, memorable. Si no te dan ganas de saltar entonces estás muerto. El solo de guitarra de Cantrell a pesar de ser simple, cumple, pues es lo que la canción necesita. Finalmente, si bien había dicho que el coro era una ráfaga de golpes en nuestros estómagos, la parte final que sirve de salida es una ráfaga de golpes en nuestros rostros. Es mucho más intensa que el coro y más riffera por cierto. La batería se descontrola, la progresión de acordes es intensa y Layne entona esa parte de forma memorable. Un verdadero clásico de los 90's.

Y nuevamente llegamos al final de una nueva revisión. Esta vez con un disco de los 90's, para variar un poco. Podrá gustarte o no este disco y esta banda, pero nadie podrá negar su calidad. Este disco es un clásico de los 90's guste o no. Hay quienes piensan que Facelift es el mejor trabajo del gupo, a mí me parece que este album es más regular que el primero. En fin, denle una oportunidad a esta banda y se encontraran con cosas muy interesantes y muy bien hechas.

Paranoid

2007-07-02T14:09:00.001-05:00

¿Qué diablos se supone que es esa portada? Bastante extraña y para mi gusto no muy bien lograda. Pues bien, ESTO NO TIENE NADA QUE VER CON EL CONTENIDO DEL DISCO. Así de categórica es mi afirmación (o negación). Estamos hablando del legendario Paranoid de Black Sabbath, último disco pertenciente a la Santísima Trinidad de los 70's que reviso. Como ya lo había dicho, Machine Head es mi disco preferido de la Trinidad simplemente por una cuestión de unidad, pero Paranoid está ahí detrás del disco de Deep Puple por muy poco o nada. El único motivo por el cual lo coloco detrás del Machine Head es porque encuentro una canción que para mi gusto es una especie de relleno y por lo tanto prescindible. Ya más adelante sabrán, si es que no se lo imaginan, de que tema hablo. Fuera de eso, este disco tiene un nivel altísimo. Tiene vedaderos clásicos, no sólo del metal sino de la historia del rock.

A continuación haré un repaso rápido de cada uno de los miembros. En primer lugar tenemos a Ozzy Osbourne. Este demente realmente canta y en este album entona unas partes memorables. Ok, no tendrá la técnica de Ian Gillan o de Robert Plant, pero a su favor tiene el hecho de que canta sin ningún complejo, con total autoridad y con una furia que muy pocos han tenido a la hora de cantar. De su personalidad no hablaré porque me faltaría espacio. Definitivamente es lo que más le sobra. En segundo lugar tenemos a Tony Iommi. ¿Qué decir de este tipo? Que es un verdadero genio. Realmente me sorprende ver que este guitarrista esté tan infavalorado. No es que se encuentre en el olvido, pero no es posible que Jimmy Page o Keith Richards puedan aparecer en infinitas listas como los mejores creadores de riffs y Iommi aparezca tan relegado. Este tipo además de crear atmosferas siniestras, oscuras e infernales, se mandaba con cada riff que ni siquiera Jimi Hendrix, Eric Clapton o Pete Townshend soñarían con crear y encima juntos. Y sus solos de guitarra son épicos, dramáticos y otros infinitos adjetivos más. Lo más difícil para un guitarrista es transmitir sensaciones y este tipo lo hace en cantidades industriales. Definitivamente está entre mis 3 guitarristas preferidos del rock. Finalmente hablaré de la sección rítmica en su conjunto, es decir de Bill Ward y Geezer Butler. Debo decir que al igual que Iommi, estos dos se encuentran también infravalorados. Podría ser mi sección rítmica preferida del rock fácilmente. Bill Ward para empezar, era un salvaje en la batería. El muy abusivo le daba de alma a la batería sin dar menor tregua, redoblaba como una bestia, marcaba el ritmo de mil formas y todo en pefecta sincronización con el bajo. Geezer Butler es otro desquiciado en su instrumento. Escuchen atentamente lo que toca en War Pigs. Es una linea de bajo de los mil carajos, por citar sólo un ejemplo de este album.

Bueno, ya basta de tanto floro. Vayamos a la música que es lo que realmente interesa. El album abre de forma maestra con War Pigs. ¿Cómo carajo hicieron para crear semejante canción? Es un tema épico por donde se le mire. La letra habla de aquellos políticos que nos llevarán a una guerra apocalíptica únicamente por una cuestión de intereses. El intro es apocaliptico y siniestro. Iommi se manda con unos riffs sobrecogedores, Butler tira unas lineas de bajo muy lentas y pesadas pero perfectas y Ward le da la cadencia necesaria. Luego todo se detiene, cambia el ritmo y Ozzy entra cantando. Despues de este "verso", entra un pequeño punteo de Iommi y luego entramos a lo que vendría a ser el ¿coro?. Ozzy canta de forma esplendida y con una rabia increible. Luego entra nuevamente un solo de guitarra donde Iommi se luce y Ward toca como una bestia, pero más se luce Butler. El tipo escupe unas escalas brutales, debe ser uno de los mejores momentos de Butler como bajista. Luego la canción regresa al "verso" y luego pasa al outtro, parte que, según el disco que poseo, viene a ser Luke's Wall. Esta sección instrumental es simplemente de otro planeta. Butler sigue escupiendo lineas de bajo salvajes y Ward la destruye. El sujeto no para de hacer redobles a cada instante sin perder el ritmo. Acá es cuando Iommi hace hablar a su guitarra. El tipo crea un solo de guitarra absolutamente dramático. El feeling que transmite es incomparable. Uno se imagina en el Día del Juicio Final.

El segundo track es el que le da nombre al album, es tambien el track más conocido del album y el más comercial. Hablo de Paranoid. Es un rock muy directo, para nada complicado, que contrasta con el track anterior no únicamente en duración, sino en complejidad. Sin embargo es un verdadero clásico como War Pigs. Le da la frescura necesaria al album. No hay nada asombroso en la canción tampoco a excepcion de la melodía que es pegajosa y tal vez el riff que es bastante decente, pero es una de esas canciones destinadas a convertirse en clásicos inmediatos. Luego de Paranoid, viene el único tema del album que yo considero un relleno y por el cual le bajo 1 punto. La canción es Planet Caravan. Si no fuera por este track, para mí, Paranoid estaría a la misma altura que Machine Head. No sé porque incluyeron este tema, es totalmente prescindible. Como bien me comentó un buen guitarrista y amigo mío, para grabar esta canción, los Sabbath fumaron yerba antes de grabarla, mientras la grababan y siguieron fumando despues de grabarla. Habrá gente a la que le guste, pero no a mí.

El cuarto tema del album es la también legendaria Iron Man. Esta canción ganó el Grammy 30 años después de su publicación. Injusticias de la vida. Igual, ganado o no el Grammy, se trata de un himno. Esta canción cuenta con uno de los riff mas asombrosos que se haya creado. La canción comienza con el bombo de la batería, luego Ozzy dice "I am Iron Man" y entra ese riff bestial, luego entra la batería y el bajo y cae una aplanadora sobre nuestros craneos. Ozzy entra cantando y nos cuenta la historiecita de un personaje que en un principio habia salvado a la humanidad o algo por el estilo, pero luego la humanidad complotó contra él. Finalmente el personaje en cuestión vuelve a la vida o algo así y mata a todas las personas a las que alguna vez salvó. Bastante severo y rudo este personaje. Bueno, volviendo a la música, Mr. Tony Iommi ademas del riff abusivo que toca, toca un gran solo de guitarra. Luego la canción entra en un cambio de ritmo más rápido que el resto del tema para luego volver al riff principal. Como outtro, nuevamente la canción entra en un cambio y se acelera, Ward no deja de redoblar y Iommi se manda con un solo de salida épico.

El quinto track del album es Electric Funeral, y como su nombre lo dice es un verdadero funeral eléctrico a cargo de los Cuatro de Birmingham. Esta canción sí es realmente pesada, más pesada que todas las anteriores. Es también una de esas canciones que yo las veo como resultado del consumo de drogas, ja! Uno siente como una aplanadora nos pasa por encima y nos pulveriza todo el sistema óseo. El riff, al igual que la melodía, es hipnótico y cadencioso en extremo. Obviamente, como Sabbath nos tiene acostumbrados, la canción tiene unos cambios que hacen que la canción no se vuelva monótona. No es definitivamente una canción que me provoque escucharla a menudo, pero ni por asomo llega a ser mediocre. Luego de esa pastrulada, viene Hand of Doom, una canción totalmente olvidada e infravalorada. Es una especie de blues, pero sumamente abusivo y pesado. La melodía que tiene es genial y Ozzy la canta como la puta madre, la sección rítmica es increible, sincronizada en extremo y Iommi si bien no se luce, no desentona. Luego de dos minutos y algo la canción entra en un cambio maestro, donde nuevamente todo lo dicho anteriormente vuelve a aplicarse en esta parte con la diferencia que Iommi se manda con un solo de guitarra cumplidor para luego volver a la parte inicial.

Los dos últimos temas del album son Rat Salad y Fairies Wear Boots. El primero de ellos es un instrumental con uno de los nombrecitos más ocurrentes y rudos que haya visto... Rat Salad, por Dios! Estos son les efectos del consumo indiscriminado de drogas. Comentando la música que es finalmente lo que interesa y no si los tipos estos se inyectaban morfina o si fumaban opio o lo que fuera, diré que se trata de un instrumental muy bueno y entretenido. Para variar, tiene un cambio de ritmo interesante y Ward mete un solo de bateria corto pero efectivo. Finalmente llegamos a Fairies Wear Boots. Esta canción tiene un intro muy bueno que Iommi saca bajo la manga. Este intro vendría a ser la sección llamada Jack The Stripper, según le versión del album que tengo. Mejor nombre no pudo tener, uno se imagina a Jack El Destripador caminando sigilosamente detás de su victima, en serio y no exagero. En cuanto al nombre, Fairies Wear Boots, pues defintivamente estos tipos le estaban dando duro a los estupefacientes. La letra habla de un tipo que llega a su casa y observa a unas hadas que ¡¡¡usan botas!!!! Va al doctor y le cuenta esto y el doctor le responde "¿Qué carajo estás fumando?". Como se darán cuenta la letra no es precisamente el fuerte de esta canción. La música si es una delicia. Iommi se luce durante toda la canción, la sección rítmica igual. Para no perder la costumbre, nuevamente la canción presenta cambios de ritmo muy buenos. Yo personalmente, hubiera puesto esta canción en el lugar de Hand Of Doom, y hubiera cerrado con aquella, pero claro ¡quién carajo soy yo para decir cómo debería ser el orden!

Así cerramos la revisión de este gran album y de la Santísima Trinidad de los 70's. Si no han escuchado alguno de los tres albumes, o ninguno de ellos, recomendaría firmemente conseguirlos. Los tres albumes son clásicos del rock y probablemente en estos tres albumes encontremos los picos más altos de cada una de las respectivas bandas. Son albumes precisos para comenzar con estas bandas. Con respecto a este album y a Black Sabbath, diré que aún no decido cual es mi album favorito de Sabbath, estoy entre éste, Black Sabbath y Sabotage, sin embargo entre los tres, Paranoid es el que goza de mejor prestigio.

Machine Head

2007-06-27T23:53:00.000-05:00

Segundo disco perteneciente a la Santísima Trinidad de los 70's que reviso. Particularmente, es el que más me gusta entre los tres. Se trata de un disco que, a mi forma de ver las cosas, no tiene una sola canción de relleno. Cada uno de sus tracks tiene un altísimo nivel. Este es el punto más alto que alcanza Deep Purple. Cada uno de sus integrantes da lo mejor de sí y el resultado es asombroso. Hay quienes prefieren Deep Purple in Rock o Fireball, yo me quedo con éste.

Si tengo que hablar de esta brutalidad, diré que está entre mis cinco albumes preferidos de todos los tiempos. Es la mezcla perfecta de habilidad con buen gusto. Hay artistas que tienen una técnica depurada, pero carecen de feeling (léase Joe Satriani, Mike Portnoy y un larguísimo etc), acá no se da eso. Sin embargo en cada tema cada uno de ellos se luce. Ritchie Blackmore en casi todos los temas, lo que tocó en este album no tiene nombre y ya más adelante se citarán ejemplos claros. Ian Paice toca una bestialidad, le da de alma a los tambores, marca el ritmo de distintas formas, redobla como una bestia. Roger Glover hace un gran trabajo en cada tema y junto a Ian Paice forman una sección rítmica alucinante. Ah! me olvidaba ese solo de bajo asesino en Pictures of Home. El tipo destripa su instrumento. Jon Lord... no hay palabras para describir lo que toca este tipo. Debe ser mi tecladista preferido junto con Rick Wright, aunque en cuestión de técnica, Lord está millones de años luz adelante de Wright. A lo largo de todo el disco, el muy abusivo no solo crea la atmosfera y se manda con unos solos de teclado criminales, sino que además hace humear el teclado y le saca unos riffs abusivísimos. Finalmente tenemos a Ian Gillan. Tal vez su mejor performance vocal pueda estar en Child in Time, en In Rock, pero eso no significa que acá no cante. El tipo canta como los mil carajos. Cuando tiene que ponerle fuerza, lo hace, cuando tiene que ser más melódico también lo hace y cuando tiene que elevar su registro, lo hace sin mayor problema.

Bueno, después de ese párrafo lleno de elogios desmedidos para cada uno de los integrantes, pasemos a revisar los temas. El album abre con un rock que simplemente te patea los genitales. Estamos hablando de Highway Star. Ian Gillan canta con una fuerza increible. Ciertamente te apabulla. No existe adjetivo más preciso que rudo. Pero iré en orden y detallaré el tema. Comienza con un intro, primero de batería al que se le va sumando el bajo, la guitarra y el teclado, que va subiendo cada vez más de intensidad hasta que explota y desemboca en la estrofa con un Gillan cantando rudamente "nobody's gonna take my car...". ¿Diganme si no dan ganas de saltar y patear todo lo que se encuentre por el camino? Es la canción perfecta para ir en carro y apretar el acelerador a fondo con la canción a todo volumen. Bueno, bueno, seguiré. Luego del segundo estribillo, Jon Lord se manda con un solo de teclado de otro planeta, pero resulta que Blackmore no se quería quedar atrás y luego del siguiente estribillo, se manda con un solo de guitarra tan abusivo como el de Lord. ¿Que más puedo decir al respecto? Nada, sólo escuchen el tema.

El segundo track es Maybe I'm a Leo. Este tema tiene un riff increiblemente pendejo. Paice, a mi parecer, hace un gran trabajo. Comienza marcando a un ritmo y luego cambia a un ritmo más rápido. El solo compartido de Blackmore y Lord es buenísimo. No sé a quién se le ocurrió el riff, si a Lord o a Blackmore, pero quien haya sido se pasó de abusivo. Finalmente, Blackmore se manda con un solo de guitarra de salida muy bueno. Luego tenemos Pictures of Home que para mi gusto es uno de los primeros manifiestos de heavy metal como tal, pero con muchísimo más gusto. El tema comienza con un intro de batería criminal. Paice descuartiza su batería. Blackmore, para variar, se manda con un gran solo de guitarra y Lord que tampoco quería ser menos, se manda otro solo de teclado de otro mundo. Pero parece que en este tema nadie quería quedarse atrás pues Glover también se manda un solo de bajo brutal. Luego de esta muestra de habilidad y buen gusto por parte de Purple, viene Never Before. Este tema está dividido en dos partes. Primero tiene una parte bien rockera, con un estribillo pegajoso y luego entra en una especie de "balada", que de balada no tiene nada, donde Gillan canta de forma bien melódica. Para no perder la costumbre, Blackmore y Lord nuevamente se apuntan con unos solos en sus respectivos instrumentos. ¿Es que acaso no se cansaban estos tipo? ¡Malcriados!

El quinto track del album es tal vez el tema más conocido... ¡qué digo tal vez! ES el tema más conocido del album y tal vez de la carrera de Deep Purple, y esto tiene una razón de ser. Esta canción cuenta con el riff de guitarra más universal que existe. Blackmore tenía la mente en otra galaxia. Me atrevo a decir que uno nace con este riff en la mente aún sin haberlo escuchado. La canción de la que hablo es nada menos que la mítica Smoke on the Water. Canción que, por cierto, cuenta la experiencia de la banda en el incendio del casino Montreaux, en Suiza, cuando la banda asistió a un concierto de Frank Zappa and The Mothers of inventions. Como coincidencia, la banda había separado este lugar para grabar este album. Finalmente la banda graba el album en medio de una gira y terminan alquilando el estudio de grabación móvil de los Rolling Stones. ¡Vaya historiecita la de Gillan y sus amiguitos! Ya hablando de la música, el tema cuenta con un estribillo re-pegajoso. Blackmore (sí, ya lo saben y si no lo saben se lo imaginan) se manda con otro solo de guitarra antológico. ¿Qué le sucedía?

Entrando en la parte final del album, el nivel nunca cae, por el contrario, el tema que sigue, si bien no es tan conocido como el tema que lo precede, es una obra de arte, es el buen gusto hecho canción. Hablo de Lazy. El tema comienza con Lord creando una atmosfera. Luego comienza a escupir pequeños solos de teclado muy blueseros e inmediatamente Blackmore se suma. El tema es en realidad un blues de muy buen gusto, pero adaptado al estilo de Deep Purple. Luego entra el bajo y la batería, Blackmore sigue con su solo, mientras que Paice y Glover crean una sección rítmica muy buena. Luego Lord le toma la posta a Blackmore con el solo, mientras Paice y Glover siguen en lo suyo. Luego de dos minutos de pura habilidad músical, Gillan entra cantando, para luego mandarse él tambien con un solo de armónica. La melodía de la canción es genial. Glover hace un gran trabajo en el bajo, sobre todo durante el solo de guitarra de Blackmore (¡sí, otro solo de guitarra más!). Pero no por esto crean que llega a aburrir, para nada, todo está hecho con tan buen gusto que no cansa nunca. El último tema del album es la patea-rostros Space Truckin'. ¡Qué fuerza tiene este tema! Ian paice se la pasa machacando los tambores sin dar menor tregua, y metiendo redobles geniales, además de tener un pequeño sólo de batería en la mitad de la canción. Gillan canta rudamente. El estribillo se te va a pegar inmediatamente, "Come on! let's go Space Truckin, Come on!". ¿Es necesario que diga que Blackmore tira un nuevo solo de guitarra? Creo que no, pues se lo deben imaginar.

Realmente la versión original termina ahí, pero comentaré un lado-B original que se incluyó en la re-edición de 1997. Se trata de When a Blind Man Cries. ¡Dios, qué gran canción! ¡Qué balada! La voz de Gillan trasmite un sentimiento indescriptible. Está entre las mejores baladas que haya escuchado. ¡Sí y haganme caso! Blackmore (carajo, sí, ya me cansé de escribir esta frase tantas veces) mete un solo de guitarra muy apropiado que queda perfecto. ¿Qué droga consumían en aquel entonces? ¡Descarados!

Y así llegamos al final de esta nueva revisión. Si hay algo que he podido darme cuenta, es que este album no recibe el crédito que merece. Los muy bastardos de la Rolling Stone ni siquiera consideraron este album dentro de sus 500 mejores discos y sin embargo se atrevieron a meter a porquerías como Strokes u Outkast en su top100. ¡Qué injusto es el mundo! En fin, toda persona que escuche rock, debería dignarse en conseguir este album... háganme caso.

Led Zeppelin IV

2007-06-24T22:10:00.000-05:00

Y bueno, si la semana pasada revisé el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, esta semana revisaré la Santísima Trinidad de los 70's, es decir, Led Zeppelin IV, Paranoid y Machine Head. Obviamente esa categoría de "Santísima Trinidad" no se la di yo. De esos tres discos, para ser totalmente sincero, me quedo con Machine Head de Deep Purple por una cuestión de unidad, después con Paranoid y finalmente con Zeppelin IV. Ahora, quiero dejar bien en claro que se trata de tres grandísimos discos y tienen su reputación muy bien ganada.

Ya comentando plenamente este disco, diré que si bien es el disco que menos me gusta de esa llamada Trinidad, también debo decir que este disco tiene un pico increiblemente alto que tal vez no tengan los otros dos discos pertenecientes a la Trinidad. Y me estoy refiriendo a Black Dog, Rock and Roll y Stairway to Heaven. Sí, ok, esos tres temas están más quemados que Juana de Arco de tanto que los hemos escuchado. Pero siendo sincero, y tratando de ser lo más objetivo posible, se trata de tres canciones de otro mundo. No temo decir que Rock and Roll y Black Dog se encuentran entre los rock and roll más espectaculares que haya escuchado. Sí y no exagero. En cuanto a Stairway to Heaven, simplemente se trata de una canción que resulta imposible de creer que la hayan creado unos simple mortales. Si el disco tuviera únicamente estas tres canciones, no me quejaría para nada.

El disco abre con la ya mencionada Black Dog... mejor forma de abrir el disco, imposible. Se trata de una canción con un riff bestial. La voz de Robert Plant simplemente te apabulla. La sección rítmica, debo decir, es poco común. John Bonham toca a un ritmo más lento de lo que esperaríamos, sin embargo queda a la perfección. Si en estudio es de por sí poderosísima, tienen que escuchar la versión en vivo de How The West Was Won, les volará el cerebro. Luego de esta pateada de cerebro que nos propinan Jimmy Page y sus amiguitos, no nos dan tregua y se mandan con Rock and Roll. Esta canción simplemente representa y contiene todo o casi todo lo que me gusta y espero de un rock and roll. Incluso el nombre no pudo haber sido mejor, simplemente Rock and Roll. El abusivo de Jimmy Page se manda con un riff y un solo de guitarra alucinantes, directo a la cara. Robert Plant canta como una bestia. Ahhhh... y el intro de Bonham al principio es antológico. No hay baterista que no haya soñado y practicado con ese intro. Por cierto, ¿se dieron cuenta de que en ciertas partes suena un piano?

Luego de esas dos monstruosidades, tenemos The Battle of Evermore. Y acá es donde yo comienzo a restarle puntos a este album. Muchos fans de Led Zep me paterían el rostro si leyeran esto, pero lo siento, para mí, es un tema normalito, nada del otro mundo. Tal vez si durara dos minutos menos, no le quitaría puntos. Ok, tiene una melodía decente y buenos coros, pero yo no le encuentro nada más. Pero para borrar de una sola pasada a esta canción, Page y Plant nos regalan una canción de los mil carajos. Sí, una de las mejores canciones jamás hechas y tranquilamente podría ser la mejor. Señores, estamos frente a a legendaría y mítica Stairway to Heaven. Olvídense de aquello que la canción contiene mensajes satánicos. ¿A quién carajo le importa eso cuando se trata de esta canción? La canción comienza con una guitarra acústica tirando unos arpegios bellísimos, luego se suman unos vientos que calculo que no es otra cosa que John Paul Jones con el teclado. Luego entra Robert Plant cantando de una forma increiblemente melódica. La melodía es simplemente de otro planeta. ¿Y la letra? Bah! probablemente sea una basura, pero en este caso pasa totalmente a un segundo, tercer o cuarto plano. La canción se va armando de a pocos. Luego la canción termina de tomar cuerpo definitivamente cuando entra la batería de Bonham y cuando creemos que la canción va a acabar, esta canción que hasta este punto era un bellísimo folk-barroco desemboca en un solo de guitarra asesino, criminal y numerosos adjetivos más, por parte de Jimmy Page. La canción pasa a convertirse de un folk-barroco a un rock totalmente iracundo, violento y despiadado. Pero no, acá no acaba, para asegurarse que nos quedemos más estupefactos aún, Robert Plant canta como si fuera el ultimo día de su vida. Lo que canta simplemente no tiene nombre. Finalmente la canción acaba con un Plant cantandonos suavemente "and she's buying a stairway to heaven".

Después de esas tres canciones, de esos tres himnos, era utópico pensar que todo el album iba a mantenerse en aquel nivel. Lo que sigue es la cumplidora Misty Mountain Hop. Realmente es una canción bastante decente, pero que al costado de los tres himnos del comienzo, pues simplemente no tiene mucho que hacer. Entiendo que mucha gente no gusta de esta canción, en mi caso, no tengo mayor problema con ella. Tiene una melodía bastante hipnótica, que se te queda dando vueltas en la cabeza y el teclado le da un sonidito bastante curioso. La canción que sigue es Four Sticks. Tiene un ritmo de tambores constante que no da tregua. Definitivamente es bien rítmica. El trabajo de Jimmy Page es acertado para la canción. Sin embargo, tampoco crean que se trata de una bestialidad. Es simplemente una canción cumplidora y nada más. No vayan a creer que estos dos temas suman puntos al album porque no es así, hasta podrían restarle.

Las últimas dos canciones son Going to California y When The Levee Breaks. La primera de ellas es un número acústico, que además cuenta con mandolinas, bastante bueno y muy agradable. Levanta definitivamente el nivel del album con respecto a los dos tracks anteriores. Me hace recordar un poco al Led Zeppelin III. Robert Plant canta de una forma muy calmada y apacible. Una canción para escuchar tirado en tu cama, fumandote un cigarro y no hacer nada más. Finalmente el album cierra con When The Levee Breaks. Esta canción es la segunda más larga del disco después de Stairway To Heaven. El primer minuto y medio es un intro bastante oscuro y siniestro de batería, bajo, guitarra y armónica. Luego entra Robert Plant cantando. Creo que la canción hubiera quedado mejor si no se extendiera durante 7 minutos y pico, pero sin dudas se trata de una canción épica. La atmosfera creada es infernal y sofocante. No hay más que decir al respecto.

Así llegamos al final de esta pequeña revisión del que para muchos es el mejor disco de Led Zeppelin e incluso de la historia. Yo no estoy de acuerdo con eso. Si hay un disco de Zeppelin que para mi gusto merece el título de mejor album (de Led Zep) ese es Led Zeppelin II por una cuestión de unidad. Sin embargo este album tranquilamente puede ser mi segundo disco preferido de Zeppelin y está entre mis preferidos de todos los tiempos. Definitivamente un gran album, mítico por donde se le vea. Si no lo tienes, anda y consíguelo pero ya.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

2007-06-21T02:30:00.000-05:00

Y vaya si no podía haber un disco más apropiado para comenzar. Apropiado por dos motivos: 1- Hace unos días cumplió 40 años de haberse publicado (1 de junio de 1967). 2- Se trata del disco más importante de la historia del rock. Sí, de ahí su estatus mítico. No hay album que pueda hacerle sombra en cuanto a importancia. Se trata de la vaca más sagrada entre las vacas. Ni siquiera Dark Side of The Moon o Led Zeppelin IV, por poner sólo un par de ejemplos, pueden hacerle sombra en cuanto a su importancia o estatus mítico. En cuanto a calidad, pues todo es discutible. Señores, ya no busquen más. Estamos frente al mojón musical más grande de la historia de la música moderna.

Basta de floro, muchos de uds estará pensando "¿y la música? ¿a qué hora comienza a hablar de la música este pobre diablo?". Pues bien, no hay nada que no se haya dicho de este album, así que trataré de no redundar mucho en el asunto. No hablaré de cómo nació la idea de crear un mundo paralelo o la banda de corazones solitarios del Sargento Pimienta que era nada menos que el alter-ego de los Beatles. Igualmente no hablaré de su magnifica portada, probablemente la más extraordinaria e impactante que haya visto en mi puta vida. No, no, no... de eso ya se habló mucho. Así que pasaré directo a la música.

El disco abre de forma brillante con el tema que le da nombre al album. Un rock de los mil carajos con una fuerza increible. Aquel que pensaba que los Beatles no rockeaban se puede ir al carajo. Esta canción patea culos, rostros, bolas, cerebros y otras infinitas partes del cuerpo. Paul canta de forma espléndida. El segundo tema es With a Little Help from My friends. Está inmediatamente unido al primer track. ¿Qué decir de este tema? Pues que, para empezar, la canta Ringo aunque es composición de Lennon. Tiene una melodía agradable, realmente nada que digas "¡wow, qué animalada!", pero la canción cumple. A continuación viene un track que en su momento fue bastante polémico. No es para nada un secreto que los Beatles en aquella época experimentaban con el LSD y Lennon prácticamente consumía galones de él. Pues bien, Lucy in the Sky with Diamonds tiene la infeliz coincidencia de que sus iniciales remiten al nombre de aquella droga. Lennon siempre negó que esto hubiese sido hecho intencionalmente y afirmaba que sólo se trataba de una coincidencia ya que, según él, el nombre se debió a que una vez llegó a casa y vio un dibujo que había hecho su hijo, Julian, y le preguntó qué era y este último respondió: "Es Lucy en el cielo con diamantes". Como sea, en lo particular, me importa un carajo si sus iniciales remiten al partido Nazi (ok, exageré). Se trata de una gran canción. Aquel arpegio del intro, y que continua en la estrofa, y la voz de John hacen sumergirnos en un mundo lisérgico. El estribillo de la canción es simplemente increible. Se te va a pegar inmediatamente y si hay algo que los Beatles tienen para regalar en cantidades industriales es justamente eso.

Luego de todo ese floro barato, pasamos a Getting Better. Comienza con un riff bastante bueno y el bajo de Paul toca las líneas justas, exactas, precisas. Las armonías vocales son realmente buenas y la melodía ni que decir. Y si la cosa ya se estaba poniendo buena, pues sigue mejorando aún. Llegamos a Fixing a Hole. Paul McCartney simplemente se había vuelto loco. La melodía de esta canción es un manjar. Simplemente escuchen esta canción, las palabras sobran para tratar de describirla. Y el nivel alcanzado se mantiene con She's Leaving Home. Me quito el sombrero, la ropa o lo que sea ante tal canción. La orquestación de la canción me pone los pelos de punta. El contrapunto que hace John en el coro es simplemente increible.

Este es el punto donde uno se da cuenta realmente frente a qué clase de obra maestra estamos parados. El nivel no sólo se mantiene, sino que, a mi gusto, se eleva todavía más. Estamos hablando de Being for the Benefit of Mr. Kite! Una verdadera obra de arte. John Lennon recreó en esta canción una situación histórica real. La parte que le sigue a la línea "and of course Henry The Horse dances the waltz!" es mágica. Uno no hace más que imaginarse al bendito caballo bailando. Nos lleva directo a aquella función circense. La voz nasal de Lennon queda perfecta en esta canción y, por supuesto y para variar, el bajo de Paul queda perfecto. Luego de esta magnifica canción sigue Within You Without You. Se trata de una composición de George Harrison. Tiene un estilo bien hindú y en ella se tocaron citaras entre otras cosas. No daré mayores detalles acerca de la canción ya que ni yo mismo la entiendo bien. Sólo diré que el buen George era otro que andaba navegando en litros de LSD.

Lo que sigue es una especie de cancion de amor. Se trata de When I'm Sixty Four. Composición del buen Paul, en donde se imagina a los 64 años. En aquel momento me imagino que Paul lo veía como una situación bastante lejana y que nunca llegaría. En fin, no hay mucho que decir. Tiene una buena melodía, como casi toda canción de los Beatles. Y luego de esta canción sigue Lovely Rita. No está entre mis preferidas del album, de hecho la considero entre los puntos más bajos del album, sin embargo no llega ni siquiera a ser mediocre. Es bastante entretenida, no hay nada malo en ella.

Ya entrando en la parte final del album, tenemos primero a Good Morning Good Morning, canción que para mi sorpresa, mucha gente la ve como un relleno. Sin embargo a mi me encanta. Se trata de una composición de John y a mi gusto tiene una gran letra. La capacidad de Lennon para plasmar en una simple canción la vida cotidiana de una persona común y corriente es increible. Tiene además una melodía muy pegajosa. Luego de este gran tema, viene el reprise de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Es una versión más rápida que la que abre el album y también mas corta. Prefiero la otra versión aunque esta cumple su función: hacer de despedida.

Y en un párrafo aparte tengo que comentar la canción con la que cierra el album, A Day in the Life. Es pues una verdadera obra de arte, el punto más alto del album y probablemente uno de los más altos de la carrera de los Beatles, de John y Paul y del rock en general. La canción comienza con una guitarra acustica y un piano tocando unos acordes algo oscuros. La performance vocal de John es perfecta, le da el feeling necesario a la canción. El bajo de Paul es simplemente genial y la batería de Ringo también. Luego viene un crescendo de cuerdas cada vez más intenso. A Paul McCartney se le ocurrió la idea y contrataron a 25 músicos para relizar dicha parte. El gran George Martin los dirigió. Ese crescendo desemboca en un golpe de genialidad por parte de Paul. La canción entra en una especie de meddley o lo que sea. Paul canta esta parte. Un gran cambio, propio del rock progresivo. Luego la canción regresa a donde comenzó. Simplemente genial.

De esa forma se termina este gran album y esta pequeña reseña. Si no lo tienes o no lo has escuchado, simplemente anda y consíguelo. No hay forma de arrepentirse. Cualquier ser humano que se precie de serlo... bueno, no exageraré nuevamente, pero cualquier persona que se precie de escuchar rock debería tenerlo. Una última cosa, si es posible, traten de conseguirse la versión mono del disco. La diferencia es notable con respecto a la versión stereo. Como dijo John Lennon una vez: "Si no has escuchado el Sgt. Pepper en mono, entonces no has escuchado nada". No sé si tanto así sea, pero definitivamente sí hay diferencia.

Pequeñas observaciones

2007-06-21T01:53:00.000-05:00

Este blog estará dedicado básicamente a revisar diferentes albumes de rock y en ocasiones bandas. Es conveniente decir que tales críticas, reseñas o como quieran llamarlas son opiniones personales. Como opiniones que son, son totalmente subjetivas. Por lo tanto, no porque yo diga algo, esto será una verdad absoluta e incontestable, por lo que no pretendo que todos estén de acuerdo conmigo. Acepto todo tipo de sugerencias, comentarios, etc. Lo que no aceptaré es que una persona X, cuya opinión es tan válida como la mía, venga a desacreditar mi opinión o la de cualquier otra persona. Menos aún, permitiré los insultos por lo que me tomaré el pleno derecho de borrar todo comentario que los contenga. Ya para finalizar todo este floro, cualquier disco que les gustaría que revise o comente, háganmelo saber. En la medida de mis posibilidades, trataré de revisarlo, en caso de que lo tenga o me sea fácil conseguirlo. Si no lo tengo, trataré de conseguirlo, pero esto únicamente si el disco o el artista me llama la atención.